Días 25 y 26 de noviembre: “Largo Viaje Hacia La Noche” de Bi Gan (se proyectará la versión íntegra en 2D)

 

LARGO VIAJE HACIA LA NOCHE – (Di qiu zui hou de ye wan)

Dirección: Bi Gan

Reparto: Tang Wei, Sylvia Chang, Vivien Li, Huang Jue, Chen Yongzhong, Lee Hong-Chi, Luo Feiyang

Título en V.O: Di qiu zui hou de ye wan

Nacionalidad: China

Año: 2018 Fecha de estreno: 16-04-2019

Duración: 133min. Género: Drama

Color o en B/N: Color Guión: Bi Gan

Fotografía: David Chizallet, Hung-i Yao

Música: Lim Giong, Point Hsu

Distribuidora: Surtsey Films

Sinopsis:

Luo Hongwu es un hombre que regresa a Kaili, su hogar y ciudad de la que se fue hace 12 años. El motivo de su regreso son los recuerdos de una seductora y enigmática mujer: una mujer a la que él amó y no ha sido capaz de olvidar. Decidido a encontrarla, Hongwu comienza una búsqueda en la que se mezclarán el pasado y el presente, la realidad y el mundo del sueño.

Crítica de Beatriz Martínez para FOTOGRAMAS:

Entre la vigilia y el sueño, entre lo vivido y lo imaginado. Como si nos adentráramos en los vericuetos de la memoria y no supiéramos discernir entre lo real y lo ficticio, entre lo que hemos experimentado y lo que nuestra mente ha inventado. Así es el cine de Bi Gan, tan etéreo como al mismo tiempo contundente a la hora de abrir nuevos caminos a la percepción cinematográfica.

El director reivindica la plasticidad, el refinamiento formal, la sofisticación visual, pero no como un ejercicio vacío, sino como una forma de demostrar que, a través de las herramientas del cine, todavía se pueden crear experiencias únicas. Y lo hace a través de un solo gesto, invitándonos a ponernos las gafas de 3D al mismo tiempo que lo hace el protagonista que entra a una sesión de cine a mitad de la película. A partir de ese momento, entramos en otra dimensión, en un mundo diferente al que habíamos habitado en la primera parte, pero al mismo tiempo extrañamente conocido, ya que en él encontramos constantes ecos y resonancias que nos llevan de una parte a otra de un relato que no es otra cosa que el laberinto de los recuerdos.

En realidad, Largo viaje hacia la noche se configura a través de materiales muy básicos, aunque su estructura sea algo críptica. Un detective taciturno, una femme fatale, gánsteres, ambientes nocturnos lumpen y una inevitable sensación de fatalidad. Un noir en toda regla. Sin embargo, el director aplica un proceso de deconstrucción de la narración para dinamitar las barreras de la ficción, en el que la noción del tiempo se funde y se confunde para sumergirnos en el territorio de lo onírico, de la fantasía y las sensaciones extracorporales. Porque al final, no se trata de descubrir que el protagonista en realidad está siguiendo la pista de sí mismo, sino de devolverle al espectador algo tan puro como es la capacidad de cuestionarse la naturaleza de las imágenes, asombrarlo, descolocarlo e hipnotizarlo a través del magnetismo de un relato de una potencia expresiva arrolladora en la que se sublima lo eterno y lo efímero.

Días 18 y 19 de noviembre: “A la Vuelta de la Esquina” de Thomas Stuber

 

A LA VUELTA DE LA ESQUINA – (IN DEN GÄNGEN)

Dirección: Thomas Stuber

Reparto: Sandra Hüller, Franz Rogowski, Peter Kurth, Ramona Kunze-Libnow, Gerdy Zint, Henning Peker, Matthias Brenner, Michael Specht, Clemens Meyer

Título en V.O: In den Gängen Nacionalidad: Alemania

Año: 2018 Fecha de estreno: 12-04-2019

Duración: 125 min.

Género: Drama Color o en B/N: Color

Guión: Clemens Meyer, Thomas Stuber

Fotografía: Peter Matjasko

Distribuidora: Surtsey Films

Sinopsis:

Christian (Franz Rogowski), un joven solitario y tímido, comienza a trabajar en un gran supermercado. Bruno (Peter Kürth), ‘el de las bebidas del pasillo’, lo acoge bajo su tutela y rápidamente se convierten en amigos. Bruno le enseña a Christian cómo desenvolverse en ese laberinto lleno de estanterías y cajas. Justo al lado trabaja Marion (Sandra Hüller), ‘la chica de los dulces’, y Christian se enamora inmediatamente de su misterioso encanto. La máquina de café se convierte en su lugar de encuentro y los dos comienzan a conocerse. Pero Marion está casada y los sentimientos de Christian por ella parece que no son correspondidos, especialmente, cuando ella un día no regresa al trabajo.

Crítica de Javier Ocaña para diario EL PAÍS:

Es la muy hermosa A la vuelta de la esquina, tercera película del alemán Thomas Stuber, hasta ahora inédito en los cines españoles. Una obra hasta cierto punto inclasificable en variadas vertientes. La del género, porque nunca se sabe si es un drama o una comedia, pero que siempre es un romance. La del tono, por su maravillosa indefinición a lo largo del relato, lo que lleva a que el espectador nunca tenga claro si está viendo algo muy tierno o muy enfermizo. Y por su metraje: algo más de dos horas, duración que en teoría se antoja excesiva para sus esencialidades narrativas, pero que tras un análisis pormenorizado se llega a la conclusión de que no le sobra ni un solo plano.

Y esa indefinición es mágica también desde el punto de vista de los referentes. Porque en algunos instantes puede asemejarse a una obra de Michael Haneke, en la que tarde o temprano sabes que llegará la fría y descarnada violencia. Y, sin embargo, siempre mantiene ese dulce olor a Aki Kaurismäki, sencillo y exquisito. A través de planos fijos paradójicamente bellos a pesar de lo horrendo de los no-lugares donde se ambienta, Stuber compone una reflexión sobre la monotonía y el éxtasis de los pequeños grandes cambios de nuestra vulgar existencia.

Una rutina marcada por esa sucesión de planos de la vestimenta del transportista cada mañana, inspirados en la letanía de montaje sincopado de Empieza el espectáculo (Bob Fosse, 1979), con su colirio, su radiocasete y sus ojos inyectados en sangre. Y unos delirios puntuales expresados en pequeños grandes momentos, una vela que celebra un cumpleaños sobre un pastelito con la fecha caducada y cortado con un cúter, y, sobre todo, en la expresividad de la gestualidad física y de rostro de sus dos fantásticos intérpretes: Franz Rogowski, con el peso de la vida sobre sus encorvados hombros, y Sandra Hüller, inolvidable en su aparición por uno de los pasillos del hipermercado-castillo tras su baja por enfermedad.

Película sobre el aquí y el ahora, que sin embargo mira hacia el pasado, el sempiterno nazismo, la película es el precioso cuento social de una princesa y un guerrero que pueden habitar a la vuelta de la esquina.

Días 11 y 12 de noviembre: “Sauvage” de Camille Vidal-Naquet

 

SAUVAGE

Dirección: Camille Vidal-Naquet

Reparto: Felix Marituad, Eric Bernard, Nicolas Dibla, Philippe Ohrel, Marie Seux, Lucas Bléger, Camille Müller, Jean-Pierre Baste

Título en V.O: Sauvage Nacionalidad: Francia

Año:2018 Fecha de estreno:14-06-2019

Duración: 99 min. Color o en B/N: Color

Género: Drama Guión: Camille Vidal-Naquet

Música: Romain Trouillet

Fotografía: Jacques Girault

Distribuidora: Elamedia Estudios

 

Sinopsis:

Léo (Félix Maritaud) tiene 22 años y vende su cuerpo por un poco de dinero. Los hombres van y vienen, y él se encuentra a sí mismo buscando el afecto en cualquier lugar donde pueda obtenerlo. No sabe qué le deparará el futuro.

Crítica de Yago García para CINEMANIA:

Al definir la palabra “salvaje”, la RAE ofrece ocho acepciones, entre ellas “cruel o inhumano” y “ajeno a las normas sociales”. El diccionario jurídico de la misma institución, sin embargo, aporta otra que viene al caso de esta película: “Que vaga libre por la tierra, el aire o el agua”. O, en el caso del chapero (Félix Maritaud) protagonista de su historia, por los parques de Estrasburgo, lugares que le ofrecen tanto un modo de autodestrucción como una paradójica felicidad. Camille Vidal-Naquet se pasó tres años conversando con profesionales del sexo para preparar su debut largo, y eso se nota en algunas cosas. Para empezar, en su vistazo nada complaciente al estado de la cuestión gay y su aburguesamiento (compárense las experiencias del protagonista con un anciano solitario y con una pareja joven, bien situada y moderna). Y, para seguir, en cómo reconoce y ensalza la capacidad de sus personajes para la empatía pese a que estos se desenvuelven en ambientes que excluyen esa virtud por sistema, dado que en ellos la comunión de los cuerpos equivale a una transacción (o una competencia) económica. Gracias a esto, y a su ausencia de ínfulas, Sauvage se gana un lugar entre los descendientes de Pasolini, Fassbinder y Genet. Pero, a diferencia de la obra de esos tres maestros, puede reavivar en el espectador una cierta fe en la existencia de la bondad humana.

Días 4 y 5 de noviembre: “Matangi / Maya / M.I.A.” de Stephen Loverige en colaboración con el Festival de Música Ke Kaña

 

MATANGI / MAYA / M.I.A.

Dirección: Stephen Loveridge

Reparto: M.I.A.

Nacionalidad: Estados Unidos

Año: 2018 Fecha de estreno: 25-06-19

Duración: 96 min.

Género: Documental

Color o en B/N: Color

Fotografía: Graham Boonzaaier, Catherine Goldschmidt, Matt Wainwright

Música: Dhani Harrison, Paul Hicks

Distribuidora: Avalon Distribución Audiovisual

Sinopsis:

Premiado en el Festival de Sundance, el IndieLisboa y en las entregas de los IDA y los Cinema Eye, este documental expone a partir de un excelente uso de cientos de horas de material de archivo íntimo las múltiples facetas artísticas y políticas de la talentosa y provocativa cantautora M.I.A.

Crítica de Diego Batlle para la web OTROSCINES.COM:

Entre tanto rockumental básico, meramente celebratorio y convencional en su forma (testimonios a cámara, fragmentos de conciertos y algo de trastienda), Matangi / Maya / M.I.A. surge como una bienvenida “anomalía”: primero porque la historia de Mathangi “Maya” Arulpragasam, más conocida por su nombre artístico de M.I.A. (acrónimo de Missing In Action), es mucho más interesante, conmovedora y desgarradora que la de la inmensa mayoría de sus colegas y, en especial, porque está construido a partir de cientos de horas de videos caseros filmados por ella misma desde niña (está a punto de cumplir 44 años).[…]

Ella siempre tuvo ínfulas de documentalista y, por eso, tenía compulsión a agarrar la cámara y filmarlo todo (y filmarse siempre). El resultado de esa obsesión son esas cientos de horas de home videos que el director debutante Steve Loveridge utiliza como base para un (auto)retrato apasionante. Es cierto que la exposición de la situación de los tamiles peca de didáctica (y probablemente encuentre múltiples detractores entre quienes se oponen a las reivindicaciones separatistas de ese pueblo), pero en el film se alcanza a percibir en toda su dimensión el dolor, la rabia, las contradicciones viscerales, la dinámica familiar, la rebeldía, el espíritu de lucha y el genio artístico de una mujer que ha sabido como pocas condensar el legado artístico de sus orígenes y sus tradiciones con el hip hop y la música electrónica de Occidente en busca de una nueva identidad en esa fusión.

Puede que los fans de su faceta exclusivamente musical se sientan un poco frustrados porque el film le dedica mucho tiempo a su familia, a sus controversias públicas (…) y a su activismo político, aunque ahí están sus comienzos de la mano de Justine Frischmann, líder de la banda de britpop Elastica, la explosión vía Napster de su primer disco Arular, sus actuaciones por todo el mundo y su particular proceso creativo para concebir hits como Paper Planes. Pero precisamente porque Matangi / Maya / M.I.A. no es un mero rockumental obsesionado por los grandes éxitos de una artista resulta un ejemplo contundente -y por momentos brillante y demoledor- sobre cómo usar el material de archivo para conseguir un retrato poderoso, íntimo, fascinante y encantador.

Cartel Completo del Festival Ke Kaña

Esta semana no hay Cineclub

Os recordamos que, debido a la Fiesta del Cine, esta semana descansamos.

Volveremos a la semana que viene con “Matangi / Maya / M.I.A.” en colaboración con el Festival Ke Kaña.

 

Días 21 y 22 de octubre: “Donbass” de Sergei Loznitsa

 

DONBASS

Dirección: Sergei Loznitsa

Reparto: Valeriu Andriuta,Evgeny Chistyakov, Georgi Deliyev, Vadim Dubovsky, Konstantin Itunin, Boris Kamorzin, Sergeï Kolesov, Svetlana Kolesova,

Título en V.O: Dombass Nacionalidad: Ucrania

Año:2018 Fecha de estreno: 18-04-2019

Duración: 120 min. Color o en B/N: Color

Género: Drama Guión: Sergei Loznitsa

Música: Vladimir Golovnitiski

Fotografía: Oleg Mutu

Distribuidora: Alfa Pictures

Sinopsis:

Ambientada en el este de Ucrania, la región de Dombass (territorio limítrofe con Rusia y por el que discurre el rio Donets) vive en la hostilidad más absoluta, la sociedad comienza a degradarse a medida que los efectos de la propaganda y la manipulación comienzan a aflorar. Cuando se llama “paz” a la guerra y la propaganda es presentada como “la verdad”, es ahí donde la misma vida comienza a parecerse a la muerte.

Crítica de Javier Ocaña para diario EL PAÍS:

Una película bélica en consonancia con la naturaleza y los condicionantes de las guerras contemporáneas, y no con las habitualmente tratadas por el cine. Aquí no caben el honor, las conversaciones de paz y la parafernalia militar. Sólo el salvajismo, la humillación, la extorsión y la manipulación; la degradación del ser humano, el repudio de cualquier legalidad nacional o internacional, y el caos informativo. Sergei Loznitsa, reputado cineasta ucraniano, habitual de los grandes certámenes internacionales, y sin embargo despreciado por la distribución cinematográfica española, pues hasta hoy solo se había estrenado en nuestras salas la feroz En la niebla (2012), ha compuesto en Donbass una especie de reinvención del cine de guerra: una ficción que, para un especialista del cine documental, es más un cúmulo de sensaciones que un relato; un malvado juego metalingüístico que, lindando con el absurdo, se adentra en las complicaciones de un conflicto en el que los contendientes ni siquiera son reconocibles.

Consecuencia de los disturbios del Euromaidán, acaecidos en Ucrania entre noviembre de 2013 y febrero de 2014, y que acabaron con la presidencia del prorruso Víctor Yanukóvich, y en medio de la Crisis de Crimea, la guerra en el Donbás enfrentó desde marzo de 2014 a los prorrusos alzados en Donetsk y Lugansk, que habían fundado la autoproclamada República Popular de Donetsk, con el apoyo de Rusia, y a las fuerzas gubernamentales de Ucrania, nacionalistas y europeístas. Un polvorín que Lonitzsa articula a través de 13 segmentos narrativos independientes, pero concatenados a través de algún personaje que pasa de secundario en una de las secuencias a principal en la siguiente, y así sucesivamente, hasta constituir el derruido panorama de la desolación.

Y entre dichas piezas, quizá destaquen dos, poderosas en lo formal, paradigmáticas en lo político y simplemente insoportables en lo emocional. La primera, con un combatiente gubernamental preso, expuesto por sus captores en una plaza para el escarnio público atado a un poste, que sufre, por este orden, insultos, escupitajos y palizas de cualquiera que pase, como prototipo del envilecimiento de la masa. Y una segunda, donde un ciudadano cualquiera ve cómo le es requisado su coche y obligado a aportar una gran cantidad de dinero en apenas unos minutos, si no quiere ser encarcelado por las fuerzas prorrusas.

Con un formidable manejo del plano-secuencia, ya clásico en su cine, y un descarnado retrato de la desinformación, Loznitsa arrebata con una difícil película sobre la corrupción, la beligerancia y la impunidad, para la que quizá sea recomendable acudir con una cierta información política previa.

Días 14 y 15 de octubre: “Los Días Que Vendrán” de Carlos Marques-Marcet

 

LOS DÍAS QUE VENDRÁN – (ELS DIES QUE VINDRAN)

Dirección: Carlos Marques-Marcet

Reparto: David Verdaguer, Maria Rodríguez Soto, Albert Prat, Sergi Torrecilla

Título en V.O: Els dies que vindran Nacionalidad: España Año: 2019 Fecha de estreno: 28-06-2019 Duración: 94 Género: Drama Color o en B/N: Color  Guión: Coral Cruz, Clara Roquet, Carlos Marques-Marcet Fotografía: Alex García Música: María Arnal  Distribuidora: Avalon Distribución Audiovisual

 

Sinopsis:

Vir (30) y Lluís (32) hace solo un año que salen juntos, cuando descubren que están “embarazados”. Durante 9 meses, seguiremos la aventura de esta joven pareja barcelonesa, el giro enorme que dará su vida, sus miedos, alegrías, sus expectativas y las realidades que, durante su embarazo, crecen ante ellos, intentando aprender a ser tres cuando ni siquiera habían tenido tiempo de aprender a ser dos… Utilizando el embarazo real de la pareja de actores protagonistas, la película explora la dificultad de compartir con el otro la experiencia profundamente transformadora de este proceso.

Crítica de Paula Arantzazu Ruiz para CINEMANÍA:

Decía Jean-Luc Godard que el cine es la verdad a 24 fotogramas por segundo y aunque las películas de Marqués-Marcet en apariencia no tienen mucho que ver con las del francosuizo, en todas ellas hay un hálito de verdad que sobrecoge, como si fueran fragmentos de vida, tal vez la nuestra, discurriendo por la pantalla. Tras mostrarnos el (des)amor en tiempos de Skype con “10.000 KM” y las nuevas posibilidades a la hora de formar una familia con ”Tierra firme”, en “Los días que vendrán” Marqués-Marcet nos invita a un tercer escenario afectivo –que culmina esta supuesta trilogía generacional– lanzándonos a una de las mayores aventuras de lo que supone ser adulto: el embarazo. La paternidad te cambia la vida, reza el tópico, y Marqués-Marcet ahonda en ello a través de la cuenta atrás de sus protagonistas, unos soberbios María Rodríguez Soto y David Verdaguer, también pareja fuera del set. Aprovechándose de la gestación real de los intérpretes, así como de sus tanteos y dudas, transformados en un conmovedor guion y en una narración naturalista e íntima, el cineasta pone en escena el cariño y los desencuentros, el amor y los reproches de un hombre y una mujer que no saben cómo enfrentarse a la experiencia de ser padres. El resultado nos habla del paso del tiempo y de resignarse, pero también de ceder testigos y de la posibilidad de un futuro. De ideas hermosas, en definitiva.

2019. Festival de Málaga: Biznaga de Oro, Mejor dirección y Mejor actriz.