Encuesta Programación. Curso Javier Ocaña “Lenguaje Cinematográfico”

Con la singular película “Train to Busan”, damos por terminada la temporada 2016/2017.

Os pedimos que participéis en esta nueva encuesta para que valoréis con total libertad las mejores y las peores películas del último semestre (podéis votar hasta 6 películas):

Además, puedes hacernos llegar cualquier otra cosa que creas que puede ser interesante para mejorar, ya que la Asociación Cultural Cineclub Alcarreño la formamos todas y todos.

A la vuelta del verano volveremos con más cine y, además, seguiremos celebrando nuestro 40ª Aniversario con actividades y fiestas. Entre otras cosas, os podemos adelantar que para el mes de octubre volveremos a repetir el primero de los cursos de Javier Ocaña sobre Lenguaje Cinematográfico, ya que así nos lo habéis solicitado en muchas ocasiones quienes no pudisteis asistir.

Tan pronto como arranque el siguiente curso académico y tengan disponible la herramienta para formalizar las inscripciones en la UNED, os lo haremos saber, de momento os adelantamos el programa.

INTRODUCCIÓN AL LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO

1. El plano y los diferentes tipos de plano:

• Planos simples.
• Planos complejos.

2. Tipos de movimientos de cámara:

• Físicos.
• Ópticos.
• La cámara al hombro.
• La steadycam.

3. Ejemplos prácticos de secuencias:

• El cine sin apenas primeros planos.
• El cine asentado en el primer plano.
• El primer plano inesperado.
• El plano secuencia.
• El plano subjetivo: de La reina Kelly a Toro salvaje.

4. El encuadre, el campo y el fuera de campo:

• La profundidad de campo.
• Ejemplos paradigmáticos del fuera de campo.

5. La elipsis:

• Concepción.
• Ejemplos históricos.

6. La concepción moral de la puesta en escena: Jacques Rivette y la teoría del travelling como cuestión moral.

7. El montaje:

• Elementos del montaje: motivación, información, composición, sonido, ángulo de cámara y continuidad (raccord).
• Procedimientos para el montaje: por corte, por encadenado, por fundido.
• Tipos de montaje: por acción, por posición en pantalla, formal y conceptual.
• Ortodoxia y heterodoxia del montaje: la esencialidad de la nouvelle vague y sus consecuencias.
• La regla del 6 de Walter Murch.
• El cut-up (corte-pega) de Nicolas Roeg.
• La ruptura del plano: particiones, multiplicaciones de pantallas y polivisiones.
• El montaje intelectual, el efecto político y la exposición de ideas a través del montaje para construir hechos dramáticos.
• El montaje como ritmo de vida.
• El montaje de un plano descentrado y su efecto.
• El montaje como esencia para el comportamiento, revelador de nuestra alma, de nuestro interior.
• El montaje a través de planos congelados sin movimiento.
• La jetée y otros ejemplos paradigmáticos.
• El montaje de sonido.

8. La manipulación del tiempo real a través del tiempo cinematográfico:

• Wong Kar-Wai y Christopher Doyle como cima.
• Michel Gondry, manipulador de emociones.

 

Un saludo muy cordial. ¡Pasad un feliz feliz verano!

Días 29 y 30 de mayo: “Train to Busan” de Yeon Sang-ho

 

TRAIN TO BUSAN

Dirección: Yeon Sang-ho Reparto: Jung Yu-Mi, Kim Soo-an , Ahn So-hee , Ma Dong-seok yGong Yoo Nacionalidades: Corea del Sur Año: 2016 Fecha de estreno: 05-01-2017 Duración: 118 min. Género: Fantástica y Terror Color o en B/N: Color Guion: Yeon Sang-ho Fotografía: Lee Hyung-Deok Música: Jang Young Gyu

Sinopsis:

Un virus letal se expande por Corea del Sur, provocando violentos altercados. Los pasajeros de un tren KTX que viaja de Seúl a Busan tendrán que luchar por su supervivencia.

Crítica de Alberto Luchini para el diario “El Mundo”:

Desde que George A. Romero firmó hace ya casi medio siglo la extraordinaria La noche de los muertos vivientes, ninguna película de zombies (y, dicho sea de paso, tampoco ninguna serie televisiva) había alcanzado las cotas de excelencia de esta producción surcoreana, lo que la llevó incluso a ser seleccionada, con pleno merecimiento, para el último Festival de Cannes, donde este tipo de cintas no suele tener cabida.

El director Sang-Ho Yeon es especialista en cine de animación y eso se nota en la estética de un filme que se presenta como un cómic hiperrealista y cuya principal baza es jugar con todos los clichés del subgénero, sin que falte ni uno solo, para subvertirlos y, de esta forma, reinventarlos y conseguir que aparezcan originales e innovadores. Eso, y un ritmo trepidante, que no da el más mínimo respiro a lo largo de dos horas de metraje que se hacen cortísimas.

Suspense, acción, emoción, humor negrísimo, crítica social, melodrama familiar, notas etológicas sobre el mal intrínseco al ser humano y los inevitables y muy bien dosificados toques gores cohabitan armónicamente en un filme que no hace de los efectos especiales su razón de ser y que, al desarrollarse casi íntegramente en el tren de alta velocidad del título, también remite a clásicos de este otro subgénero, como Alarma en el expreso, El expreso de Chicago o El tren del infierno. A pesar de la irreversible pandemia que presenta, un divertimento sanísimo que también invita a reflexiones nada frívolas sobre la agresividad, el miedo, la racionalidad o la individualidad frente a la colectividad.

Festival de Sitges: Mejor director y Efectos especiales

Días 22 y 23 de mayo: “Fatima” de Philippe Faucon

FATIMA

Dirección: Philippe Faucon Reparto: Soria Zeroual, Zita Hanrot, Kenza Noah Aïche y Chawki Amari Título en V.O.: Fatima Nacionalidades: Canadá y Francia Año: 2015 Fecha de estreno: 03-06-2016 Duración: 79 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guion: Philippe Faucon Fotografía: Laurent Fénart Música: Robert-Marcel Lepage

 

Sinopsis:

Fatima es una musulmana inmigrante de origen árabe que es madre de dos hijas: Souad, una adolescente rebelde de 15 años, y Nesrine, una joven de 18 años que está empezando la Universidad y quiere ser médico.

Crítica de Javier Ocaña para el diario “El País”:

Todos conocemos a una Fatima. Quizá hasta limpie nuestra casa, o lleve y recoja a nuestros hijos del colegio, o se ocupe de lavar, esponja en mano, paciencia callada, a nuestros ancianos padres. O a los de nuestro amigo o vecino. Hay Fatimas en Francia, en España, en cualquier lugar del mundo occidental. La de la película de Philippe Faucon es argelina, pero bien podría ser boliviana o rusa. Heroínas de nuestro tiempo, inseparables del modo de vida de la burguesía europea acomodada; mujeres que, siempre se nos olvida, tienen su propia familia. Y ahí es donde ahonda, con punzante sencillez, credibilidad absoluta, Fatima,sorprendente César a la mejor película de 2015.

Faucon, también guionista, seis largometrajes en su mochila pero hasta ahora inédito en España, está acostumbrado al complejo devenir de la inmigración en Francia. En Samia(2000) ya se había ocupado de una chica emparedada entre las tradiciones y el rigor de su familia musulmana y la moderna vida marsellesa. En Fatimaaquella chica, u otra parecida, elevada a la máxima potencia, es una de las dos hijas de nuestra criatura, la viva demostración de que el capricho no es exclusivo de los niños ricos: “Deja de decir que todo va bien. Esto es un zulo y tú lo único que haces es limpiar. ¡Deja de flipar! Eres una inútil”. La adolescencia. Faucon introduce además una doble intolerancia: la de ciertos franceses, mirando por encima del hombro a los inmigrantes y a sus hijos, y la de ciertos argelinos, que reniegan de los que se integran, en la vestimenta, en la actitud, en las creencias religiosas (o la falta de ellas), en los estudios.

Escueta, de apenas hora y cuarto, la película de Faucon carece de alharacas formales. Ni siquiera se contagia del extendido método Dardenne con cámara nerviosa, seguimiento angustioso, urgencia cotidiana. Planos fijos no demasiado alargados en el tiempo en las conversaciones grupales; uso del trípode y huida de la cámara al hombro, sobre todo en las secuencias de interior; objetivo en la respiración y la mirada, en los susurros de cariño y los gritos de rebeldía. Hasta conformar el vivísimo retrato de una mujer sostén, de su familia y de la de muchos otros.

3 Premios César: Mejor película, guión adaptado y actriz revelación (Hanrot).

Días 15 y 16 de mayo: “El Juez” de Christian Vincent

 

EL JUEZ – L’Hermine

Dirección: Christian Vincent Reparto: Fabrice Luchini, Sidse Babett Knudsen, Eva Lallier yCorinne Masiero Título en V.O.: L’Hermine Año: 2015 Fecha de estreno: 08-04-2016 Duración: 98 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guion: Christian Vincent Fotografía: Laurent Dailland

Sinopsis:

En una pequeña población francesa, el juez Michel Racine es presidente de un temido tribunal de lo penal. Tan duro consigo mismo como con los demás, es apodado “el juez de las dos cifras”: con él, siempre caen más de diez años. Todo cambia el día en que Racine se topa con Ditte Lorensen-Coteret. Ella es miembro del jurado que va a juzgar a un hombre acusado de homicidio. Seis años antes, Racine estuvo enamorado de esta mujer, prácticamente en secreto. Es quizá la única mujer a la que jamás haya amado.

Crítica de Luis Martínez para el diario “El Mundo”:

El francés Christian Vincent presentó ‘L’Hermine’ y, de golpe, hizo acto de presencia la más sólida candidatura hasta el momento (con permiso de Sokurov) al León de Oro. Con un Fabrice Luchini en estado de gracia secundado por una no menos acertada Sidse Babett Knudsen, la película se limita a contar una historia de amor. No hay más. La gracia, sin embargo, es la precisión.

Con las formas de comedia coral (ácida, pero comedia), la historia se sitúa en un juzgado de un lugar pobre y perdido de Francia. Perderse y empobrecerse suelen ir unidos. Un hombre cae rendidamente enamorado de una de las participantes en un jurado popular. Él es el juez (el detalle importa) y ella, médico (esto es menos relevante). Se buscan, se hablan, se desean y, lo más importante, se miran a los ojos.

Por el camino, la cámara se entretiene en retratar con una perfección irrefutable las esquinas más sucias, más simples, más trágicas y más evidentes de la sociedad en la que ocurre todo. No sólo se trata de una mirada cristalina a las heridas de las relaciones humanas, sino de una acertada y nunca vista antes radiografía del sistema judicial francés. Divertida, profunda y, sencillamente, arrebatadora.

Programación mayo 2017

Días 15 y 16 de mayo. 20:15H. Multicines Guadalajara

 

EL JUEZ – L’Hermine

Dirección: Christian Vincent Reparto: Fabrice Luchini, Sidse Babett Knudsen, Eva Lallier yCorinne Masiero Título en V.O.: L’Hermine Año: 2015 Fecha de estreno: 08-04-2016 Duración: 98 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guion: Christian Vincent Fotografía: Laurent Dailland

Sinopsis:

En una pequeña población francesa, el juez Michel Racine es presidente de un temido tribunal de lo penal. Tan duro consigo mismo como con los demás, es apodado “el juez de las dos cifras”: con él, siempre caen más de diez años. Todo cambia el día en que Racine se topa con Ditte Lorensen-Coteret. Ella es miembro del jurado que va a juzgar a un hombre acusado de homicidio. Seis años antes, Racine estuvo enamorado de esta mujer, prácticamente en secreto. Es quizá la única mujer a la que jamás haya amado.

Días 22 y 23 de mayo. 20:15H. Multicines Guadalajara

 

FATIMA

Dirección: Philippe Faucon Reparto: Soria Zeroual, Zita Hanrot, Kenza Noah Aïche y Chawki Amari Título en V.O.: Fatima Nacionalidades: Canadá y Francia Año: 2015 Fecha de estreno: 03-06-2016 Duración: 79 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guion: Philippe Faucon Fotografía: Laurent Fénart Música: Robert-Marcel Lepage

Sinopsis:

Fatima es una musulmana inmigrante de origen árabe que es madre de dos hijas: Souad, una adolescente rebelde de 15 años, y Nesrine, una joven de 18 años que está empezando la Universidad y quiere ser médico.

Días 29 y 30 de mayo. 20:15H. Multicines Guadalajara

 

TRAIN TO BUSAN

Dirección: Yeon Sang-ho Reparto: Jung Yu-Mi, Kim Soo-an , Ahn So-hee , Ma Dong-seok yGong Yoo Nacionalidades: Corea del Sur Año: 2016 Fecha de estreno: 05-01-2017 Duración: 118 min. Género: Fantástica y Terror Color o en B/N: Color Guion: Yeon Sang-ho Fotografía: Lee Hyung-Deok Música: Jang Young Gyu

Sinopsis:

Un virus letal se expande por Corea del Sur, provocando violentos altercados. Los pasajeros de un tren KTX que viaja de Seúl a Busan tendrán que luchar por su supervivencia.

Días 24 y 25 de abril: “Hedi” de Mohamed Ben Attia

 

HEDI, UN VIENTO DE LIBERTAD

Dirección: Mohamed Ben Attia Reparto: Omnia Ben Ghali , Hakim Boumessoudi, Sabah Bouzouita,Rym Ben Messaoud y Majd Mastoura Título en V.O.: Inhebek Hed Nacionalidades: Bélgica, Francia y Túnez Año: 2016 Fecha de estreno:17-02-2017 Duración: 88 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guion: Mohamed Ben Attia Fotografía: Frédéric Noirhomme

Sinopsis:

Túnez, tras la primavera árabe. Hedi es un chico de 25 años que trabaja en un concesionario de coches y está a punto de contraer matrimonio con una chica elegida por su familia. Pero se enamora de una guía turística y se planteará rebelarse contra los que han diseñado su vida.

Crítica de Jordi Costa para el diario “El País”:

Hedi sueña con ser dibujante de historietas, pero trabaja como comercial para Peugeot y no tarda demasiado en darse cuenta de que su vida permanece encerrada por unos límites más severos que los que encierran a un personaje dibujado en el interior de una viñeta. Lo que delimita el espacio vital de Hedi –y también sus posibilidades de futuro- es el entramado de sumisiones -laborales, sociales, familiares- que condicionan la vida de todo joven tunecino mientras la promesa de la Primavera Árabe parece haberse manifestado solo en forma de ese desencanto del que también podría hablar algún joven europeo anclado en la tierra de nadie del presente. A Hedi le quita el aire el peso de la tradición –que determina su matrimonio concertado-, le oprime el yugo materno –esa mujer siempre dispuesta a utilizar los supuestos logros vitales y profesionales del hermano mayor como unidad de medida- y le coloca contra las cuerdas la presión profesional de percibir que el supuesto horizonte de progreso y libertad que le prometieron cristaliza en forma de perpetua urgencia neoliberal.

La opera prima del tunecino Mohamed Ben Attia, producida por los hermanos Dardenne en lo que parece reconocimiento de una filiación directa –tanto ética como estética-, es un retrato de personaje en plena encrucijada. La película posee la singularidad de centrarse en la asfixia masculina en una sociedad de tradición musulmana, frente a tantos otros trabajos recientes que han optado por atender a la más flagrante situación de la mujer en similares contextos. Precisamente, en este juego de inversiones, será un personaje femenino –Rim, un animadora deresort turístico- quien abra las puertas de una posible emancipación de Hedi, anticipada por la propia resistencia bartlebyana de éste al tomar la decisión de desatender sus obligaciones laborales en la ciudad de Mahdia.

Con su lenguaje en perpetuo presente –la cámara inestable siguiendo en todo momento al protagonista, a la Dardenne-, Hedi corre el riesgo de parecer una película ya vista y casi preprogramada. Resultaría injusto pasar por alto los pequeños detalles que la singularizan: en especial, los trazos, aparentemente casuales, que dibujan la paradoja medular de ese Túnez donde la Primavera Árabe triunfó para mantener un pulso quizá perpetuo con el integrismo. Y, también, la meritoria labor del actor Majd Mastoura, galardonado en la pasada Berlinale, sosteniendo la muy particular alienación de este personaje en su nerviosa trayectoria hacia un desenlace que deviene realmente demoledor.

Días 17 y 18 de abril: “Tony Erdmann” de Maren Ade

 

TONI ERDMANN

Dirección: Maren Ade Reparto: Peter Simonischek, Sandra Hüller, Lucy Russell, Hadewych Minis y Trystan Pütter Nacionalidades: Alemania Año: 2016 Fecha de estreno: 20-01-2017 Duración: 162 min. Género: Comedia Color o en B/N: Color Guion: Maren Ade Fotografía: Patrick Orth

Sinopsis:

Inès trabaja en una gran empresa alemana establecida en Bucarest. Su vida está perfectamente organizada hasta que su padre Winfried llega de improvisto y le pregunta ”¿eres feliz?”. Tras su incapacidad para responder, sufre un profundo cambio. Ese padre que a veces estorba y que la avergüenza un poco le va a ayudar a dar nuevamente sentido a su vida gracias a un personaje imaginario: el divertido Toni Erdmann…

Crítica de Carlos Boyero para el diario “El País”:

En la última edición del festival se filtró que existía en la sección oficial una muy divertida, original y extravagante comedia alemana. Se titula Toni Erdman y la firmaba la directora Maren Ade, de la que no tenía referencias. De entrada, es inevitable mostrarte escéptico ante la posibilidad de encontrarte con una hilarante comedia alemana, ya que este género no forma parte de la tradición del cine alemán. O al menos, yo no recuerdo haberme partido de risa o sonreír en exceso con esa filmografía, que posee muchos meritos, pero que no se ha distinguido ancestralmente por su sentido del humor. Sin embargo, tengo muy clara la tradición y el significado de las grandes comedias del cine norteamericano (aunque gran parte de ellas fueran realizadas por directores europeos, como sus Majestades Ernst Lubitsch y Billy Wilder), inglés e italiano.

Los que anticipaban la gracia y el encanto de Toni Erdmann tenían razón. Es una comedia insólita en el mejor sentido, habitada por gags esplendidos y situaciones que provocan risa, dotada de poder de observación, retratando personajes muy creíbles, mezclando realismo y surrealismo, esperpento y soterrada ternura. Y tiene defectos. Por ejemplo: su excesiva duración. Hubiera sido aconsejable que alguien con criterio e inmejorables intenciones le hubiera sugerido a la directora que acortase esos excesivos 162 minutos, que hay momentos en el centro de la trama que se tornan repetitivos, secuencias fatigosamente rematadas. Pero remonta en la parte final, todo vuelve a fluir en una fiesta insólita y jocosa en la que su alborotada protagonista decide que todos los estupefactos invitados acudan desnudos.

Esta agridulce película describe la finalmente salvadora relación entre un padre más que histriónico y aficionado a los disfraces con su hija, una triunfadora profesional y social que en el fondo está muy solita y no lo sabía, incapaz de exprimir las alegrías que a veces ofrece la vida. El padre también está solo, ha perdido a su perro, su respiración es angustiosa, pero no ha perdido humanidad ni su afición a montar números. Y su farsa permanente motivará que su brillante, pragmática y gélida hija ese al borde del ataque de nervios viendo peligrar su carrera, pero también aprenderá a sentir, a reír, a vivir. No existe énfasis en esta relación, ni a la redimida dama le espera en el futuro el paraíso, paro algo habrá aprendido mediante el amor y el cuidado que le dedica ese padre destroyer. Ha sido grato y a rato delicioso acompañarles en su disparatado viaje. Pero repito: podía ser más corto.

Premios del Cine Europeo: Mejor película, director, guión, actor y actriz

Festival de Cannes: Premio FIPRESCI (Fed. Int. de Críticos de Cine)

Premios Independent Spirit: Mejor película extranjera