Tras la Asamblea General celebrada este jueves 24 de mayo de 2018, se ha procedido a renovar los distintos cargos que componen la Junta Directiva de la Asociación, quedando como siguen:
Presidenta: Belén Sánchez
Vicepresidente y Portavoz: Javier Valdés
Secretaria: Eva Poudereux
Tesorero: Juan Antonio Saiz
Vocal: MªÁngeles Serrano
Vocal: Aurora González-Perabá
Vocal: Richard Muela
Vocal: Alberto Sanz
Por lo que la nueva Presidenta del Cineclub Alcarreño desde hoy mismo es Belén Sánchez, quién ya formaba parte de dicha Junta Directiva desde hace diez años ocupando el cargo de Vicepresidenta.
Sinopsis: Steven es un eminente cirujano casado con Anna, una respetada oftalmóloga. Viven felices junto a sus dos hijos, Kim y Bob. Cuando Steven entabla amistad con Martin, un chico de dieciséis años huérfano de padre, a quien decide proteger, los acontecimientos dan un giro siniestro. Steven tendrá que escoger entre cometer un impactante sacrificio o arriesgarse a perderlo todo.
Crítica de Javier Ocaña para el diario “El País”:
“Aquel a quien los dioses quieren destruir, primero lo vuelven loco”. Bien lo sabe la tragedia griega, que se alimentó de esta sentencia, habitualmente atribuida a Eurípides, para componer decenas de castigos divinos sobre los mortales que caían en la desmesura. Como el de Agamenón, mortificado por la deidad Ártemis con el sacrificio de su hija Ifigenia por haber matado a un ciervo en un bosque sagrado y alardear de ello. O como el camino de expiación que ha armado el director griego Giorgos Lanthimos en El sacrificio de un ciervo sagrado, una perturbadora tragedia contemporánea, inspirada en la perversidad de los poetas de la Antigüedad, y dotada de su habitual toque surreal.
La vehemencia de las notas musicales de viento de los primeros segundos del relato apunta hacia una obra insolente, radical, valiente y, desde luego, compleja. Como un mortal que se rebela ante los dioses con su orgullo y su vanidad, pero también con su talento, Lanthimos despliega su hipnótico y aterrador volcán de sensaciones con una puesta en escena en la que domina el gran angular, nunca caprichoso, siempre ajustado a una composición del plano cuidada hasta el último detalle, incluso en el color. Desde que sorprendiera al mundo con Canino(2009), el griego ha utilizado el surrealismo para ir marcando el estado de la sociedad y de su núcleo, la familia, con un bisturí de degradación y podredumbre, radiografiando el deseo desde una óptica deformada —de ahí el perfecto encaje de esos ojos de pez visuales, oníricos, vitriólicos—. Y en su nueva película se atreve a fundir algunas de las bases del surrealismo, con Luis Buñuel siempre en mente, con el más legendario modo de narración de su tierra: la tragedia.
El sacrificio de un ciervo sagrado no es solo un estudio sobre el sexo y sus actitudes, aunque, como es habitual en su autor, estas adquieran unas líneas oblicuas de enfermizo descontrol. Tampoco es solo una obra sobre la venganza, aunque su estructura general, y su base, un error médico con resultado de muerte, invite a calificarla de este modo. La película de Lanthimos es, sobre todo, una alegoría sobre el desapego y la mentira familiar y sus consecuencias, marcada, además de por la puesta en escena, por un tipo de interpretación distanciada que hace que cada frase se pronuncie sin el menor énfasis pero con el mayor de los corajes.
Como Buñuel, que también utilizaba los animales y la comida como particular bestiario con el que epatar y descontrolar el ojo, el ánimo y las tripas del espectador, Lanthimos nos lleva hasta un cruel estado de desolación interna, acuciado además por la insoportable sensación de desamparo que provoca su dilema moral. Y son los ojos ensangrentados de un niño al que ha castigado un perverso dios adolescente los que guían una película esquinada y desoladoramente bella.
Festival de Cannes: Mejor guión (ex aequo)
Festival de Sitges: Premio de la Crítica (ex aequo)
¡EL LUNES 21 CONTAREMOS CON LA PRESENCIA DEL DIRECTOR JULIO PÉREZ Y HAREMOS UN COLOQUIO TRAS LA PROYECCIÓN!
Dirección: Carles Bover Martínez , Julio Pérez del CampoTítulo en V.O.: Gas the Arabs Nacionalidades: España Año: 2017Duración: 70 min. Género: Documental /Conflicto árabe-israelíColor o en B/N: Color Música: Pere Campaner
Sinopsis:
Tras la última agresión israelí sobre la Franja de Gaza, una vez cesan los bombardeos, la realidad del conflicto desaparece de los medios de comunicación. El documental es un grito para combatir ese olvido, un viaje por el drama diario de quienes sufren las amenazas y la privación por vivir en los territorios ocupados de Gaza y Cisjordania. Un viaje a Gaza en el que a través de diversos personajes conocemos la vulneración de derechos humanos que sufren diariamente y la situación de bloqueo y posguerra por la que trata de sobrevivir la población palestina en la Franja de Gaza. Un viaje a través de sus ciudades, sus gentes y también, de alguna manera, su historia bajo la ocupación de Israel.
Comentario y entrevista de Cristina Castellanos para “Cadena Ser”:
Una hora de incomodidad sobre la butaca del cine es lo que se puede sentir al ver el documental ‘Gas the arabs’,dirigido por Carles Bover y Julio Pérez del Camposobre las consecuencias de la ocupación israelí en la Franja de Gaza.
Tras las problemáticas para el rodaje en un territorio controlado por Israel, sus directoresnos descubren la realidad de la vulneración de derechos humanosque la población palestina vive diariamente en la Franja de Gaza.
Largometraje sobre el corto “Gaza” ganador del Premio Picazo al Mejor Cortometraje Español del Festival de Cine Solidario de Guadalajara (FESCIGU) 2017.
Sinopsis: Una pareja que atraviesa un divorcio debe aunar fuerzas para encontrar a su hijo, desaparecido tras una de sus peleas.
Crítica de Javier Ocaña para el diario “El País”:
El ruso Andréi Zvyagintsev lleva ya 15 años con su estudio y representación de los padres terribles. Y, sobre todo, con su reflexión alrededor de la herencia del mal, de la inoculación de la conducta entre generaciones sucesivas. Así, a las magníficasElregreso(2003),Izgnanie(2007) yElena(2011), se une ahora la no menos formidableSin amor,Premio del Jurado en el Festival de Cannes y reciente candidata al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Con su habitual poder simbólico y su mayúscula capacidad para la conmoción visual y sonora. Sin piedad con sus criaturas.
Año 2012. La irrisoria creencia de que, por influencia del calendario maya, en el mes de diciembre llegará el fin del mundo, quizá acompañado de una transformación espiritual que dé comienzo a una nueva era, alimenta las primeras ensoñaciones simbólicas del director. El apocalipsis físico está cerca, pero el moral hace tiempo que yace entre nosotros, en forma de paternidades y maternidades tan egoístas como carentes de afecto con sus hijos. Y el virus se hereda. De la abuela se dice que es “una Stalin con faldas”. Los padres, de clase media alta, buenos hogares, nivel económico, se desprecian mutuamente mientras se debate quién se queda con su hijo tras el divorcio. Ninguno de los dos lo quiere a su lado. Y el niño desaparece.
Zvyagintsev presenta un universo adulto en el que solo funciona el sexo. Y aunque parezca centrarse en la búsqueda del crío, lo esencial es el panorama ético que presenta en la sociedad. Bestial en todos los ámbitos. El de la gélida burocracia policial, el de la voracidad sentimental de las mujeres, el de la incompetencia infantil de los hombres, el de la desorientada adolescencia. Utilizando una banda sonora muy vehemente, entre la gravedad orquestal y la terrible nota constante, repetida, molesta, perturbadora y fascinante, el creador deLeviatánnos hace experimentar un viaje al fin de la noche sin respuestas explícitas pero con evidentes desafíos morales.
Hasta un epílogo, casi tres años después, en el que no por casualidad estalla la guerra en el Donbáss entre Ucrania y las milicias separatistas prorrusas. Macroconflictos, microconflictos: Putin, el padre más terrible de todos.Sin amor,película sobre el resentimiento y la condena, culmina así con otra imagen metafórica, la de una mujer que corre y corre sin avanzar un milímetro, que huye de su pasado para construir un presente y un futuro que no es sino su propio pretérito. Generación tras generación.
Li Xuelian monta un falso divorcio para obtener un segundo apartamento, pero su marido se vuelve a casar inesperadamente. Después de recurrir al juzgado sin éxito, Li emprende un absurdo periplo de diez años.
Crítica de Luis Martínez para el diario “El Mundo”:
Como los pobres prisioneros de la caverna de Platón, el espectador es condenado a ver sólo una parte de Yo no soy Madame Bovary. La mayor parte del tiempo la pantalla queda reducida a un ojo de buey sin esquinas ni aristas por el que asoma un mundo tan delirante y ridículo como, admitámoslo, cruel. El artificio intriga, desconcierta y, finalmente, fascina. Lo que propone el chino Feng Xiaogang es una sátira sobre la burocracia de su país que quiere ser a la vez melodrama sobre el absurdo de todo esto. El director insiste en sus siempre originales composiciones para proponer ahora un juego muy cerca de la hipnosis. Bien reducida a un círculo, bien en formato cuadrado o en pantalla completa, la historia de la mujer a la que da vida Fan BingBing avanza por la retina como un cuento mágico situado en un lugar impreciso entre la imaginación y el caos.
Una mujer exige a las autoridades que reconozcan que ella les engañó. En efecto, tiempo atrás fingió que se divorciaba para poder tener un piso. Cuando sea abandonada por su marido poco puede hacer para retenerle. La película se resuelve en el laberinto de unos despachos y unos jerarcas que nada entienden puesto que no se entienden entre sí. Entusiasma el contraste entre una puesta en escena cerca del milagro y la torpe vulgaridad de las aventuras de la protagonista. Desesperan, en cambio, los momentos en los que el filme se exige a sí mismo algo más grave, por rutinarios y melodramáticos. Sea como sea, queda la originalidad sin duda gratuita de una fotografía inolvidable. Y hasta platónica.
Festival de San Sebastián: Mejor película y actriz (Fan Bingbing)
Festival de Toronto: Premio FIPRESCI (sección “Special Presentations”)
París, principios de los años 90. Un grupo de jóvenes activistas intenta generar conciencia sobre el SIDA. Un nuevo miembro del grupo, Nathan, se quedará sorprendido ante la radicalidad y energía de Sean, que gasta su último aliento en la lucha.
Crítica de Alberto Luchini para el diario “El Mundo”:
París, principios de los años 90. La comunidad gay está siendo diezmada por el sida. Ante la inacción y la desidia de los responsables políticos y sanitarios, un grupo de jóvenes homosexuales (algunos de los cuales son seropositivos, pero no todos) decide coger el toro por los cuernos y poner en marcha una asociación, Act Up, para organizar actividades que conciencien a la población sobre los peligros de la pandemia y, de paso, exigir soluciones.La película de Robin Campillo sigue el día a día de varios de los miembros de Act Up, que se divide entre las asambleas donde deciden los pasos a seguir y los actos públicos de guerrilla que llevan a cabo. Es decir, nos encontramos ante un filme que combina lo discursivo, con los largos debates digamos legislativos, con la acción y cierto suspense en la ejecución pura y dura de las decisiones acordadas en los mismos (algunas más poéticas, otras más violentas).
Ambas partes tienen prácticamente el mismo peso en la narracióny ambas están tratadas por Campillo con la misma energía y la misma positividad porque lo que pretende la película, al fin y al cabo, es exaltar la vida… aunque la muerte flote permanentemente por encima de cada fotograma. El filme se mueve en todo momento en el límite del exceso y del descontrol, porque su director, con total premeditación, prefiere el trazo grueso, la explicitud exagerada y caer en la obviedad a la indiferencia, pues su objetivo es provocar, remover conciencias e intentar que también los corazones de los espectadores se pongan a 120 pulsaciones por minuto. Y en algunos momentos, lo consigue.
Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado
Premios del Cine Europeo: Mejor montaje
Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
Críticos de Los Ángeles: Mejor película extranjera
En el año 1983, cuando Georgia era una de las Repúblicas Socialistas Soviéticas, un grupo de jóvenes pertenecientes a familias de la élite intelectual intenta huir de la URSS y escapar a Occidente secuestrando un avión. Basada en una historia real.
Crítica de Javier Ocaña para el diario “El País”:
Los periódicos occidentales daban cuenta el 23 de noviembre de 1983 de un “extraño” suceso. Cinco chicos y tres chicas, que viajaban de vacaciones tras la boda de dos de ellos, habían secuestrado un avión georgiano con dramáticas consecuencias: siete muertos, entre ellos uno de los raptores, apenas veinteañeros, y la detención del resto de jóvenes, todos ellos hijos de la élite intelectual del país, cuya supuesta intención era huir a Turquía.
Acallado durante días por las autoridades georgianas, y también por los medios de comunicación de la URSS, el ataque tiene una historia fascinante detrás, en lo individual y en lo colectivo. Un relato que ahora rescata otro joven, el director Rezo Gigineishvili, de 35 años (es decir, un año de edad cuando acaeció la masacre), con la intención de analizar tanto la situación social y política de esos insólitos criminales en su viaje de bodas, recluidos por el comunismo y su ausencia de libertad, como la lamentable gestión del suceso por parte de las autoridades de Tiflis.
Gigineishvili divide claramente en tres partes su relato. En la primera, jugando de forma muy efectiva con la fotografía (tonos marrón, sepia y verde oscuro para las secuencias protagonizadas por los personajes mayores o las autoridades; modulaciones azules y blancas para los instantes de fugaz libertad de los protagonistas, entre los discos prohibidos de los Beatles y las puntuales evasiones de amor y sexo), narra su día a día y los preparativos del secuestro. La segunda, la del avión, es seca y brutal, de una desmañada violencia, representada por el director sin exhibicionismo alguno. Y la tercera, quizá la más débil, con el juicio y las consecuencias.
“No me hables como si no tuvieses la oportunidad de ser feliz aquí”, le viene a decir uno de los padres a su hijo, sin siquiera sospechar lo que preparaban para unos días después. Ser feliz aquí. En Georgia. En 1983. ¿Una cárcel o un paraíso? Gigineishvili no juzga, pero muestra la desesperación. También los efectos de esa angustia, los errores, la muerte de inocentes. Cine político para tiempos políticos.
