Días 20 y 21 de noviembre: “La Doncella” de Park Chan-wook

Publicado: 14 noviembre, 2017 de Cineclub Alcarreño en Sin categoría

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LA DONCELLA – (Ah-ga-ssi – The Handmaiden)

Dirección: Park Chan-Wook Reparto: Ha Jung-wooJo Jin-WoongMoon So-riKim Hae-Suk ,Kim Tae-Ri Kim Min-Hee Nacionalidades: Corea del Sur Año: 2016 Fecha de estreno: 02-12-2016 Duración: 145 min. Género: Thriller Color o en B/N: Color Guion: Park Chan-Wook y Jung Seo-kyung Fotografía: Chung Chung-hoon Música: Cho Young-Wuk Distribuidora: Good Films

 

Sinopsis:

Corea, década de 1930, durante la colonización japonesa. Una joven, Sookee, es contratada como criada de una rica mujer japonesa, Hideko, que vive recluida en una gran mansión bajo la influencia de un tirano. Sookee guarda un secreto, y con la ayuda de un estafador que se hace pasar por un conde japonés, planea algo para Hideko.

Crítica de Quim Casas para el diario “El Periódico”:

El último y espléndido trabajo de Park Chan-wook nos reconcilia con el director de ‘Oldboy’ y ‘Thirst’. El grueso de su producción en los últimos años, incluyendo su aventura estadounidense de hace tres años, ‘Stoker’, con algunos puntos de contacto con ‘La doncella‘, no estaban a la misma altura que la mostrada en esta obra bella y perversa.

Es un drama, un relato de intriga y un cuento erótico que se desdobla en dos: la misma historia contemplada desde dos puntos de vista opuestos –pero de concepción formal rigurosamente simétrica– que completan y a la vez desvían y complementan los propios misterios de la narración.

El filme de Chan-wook es también un juego, tan malévolo como a ratos lúdico, en el que dos mujeres desarrollan enemistades, enfrentamientos, atracciones, seducciones y alianzas y saben, así, cómo emanciparse del dominio masculino.

La extrema belleza del filme, ambientado hacia 1930 en una mansión de Corea del Sur que reúne los estilos arquitectónicos británico y japonés, tiene su lógica en uno de los puntos de vista. No se trata de un ejercicio estilístico ni del placer de las imágenes hermosas porque sí. La fascinación que experimenta la doncella al llegar a la mansión de su ama es la misma que debe sentir el espectador ante ese mundo nuevo que se le propone y le acabará desbordando.

Igual de desbordados se encuentran los distinguidos espectadores masculinos que asisten a la excitante y cadenciosa lectura de un cuento erótico en una de las secuencias más importantes de la película; fascinados nos sentimos nosotros por esos planos nocturnos de una carretera iluminada como espectros por los faros del automóvil, y turbados ante ese momento en el que la doncella lima el diente demasiado afilado de su ama con un dedal mientras se contemplan, cara a cara, rozándose, en el anuncio de uno de los muchos pliegues que tendrá la historia.

Festival de Sitges: Premio del Público

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Días 13 y 14 de noviembre: “Al Otro Lado de la Esperanza” de Aki Kaurismäki

Publicado: 7 noviembre, 2017 de Cineclub Alcarreño en Sin categoría

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AL OTRO LADO DE LA ESPERANZA – (Toivon Tuolla Puolen)

Dirección: Aki Kaurismäki Reparto: Kati OutinenTommi KorpelaSakari KuosmanenJanne HyytiäinenIilkka Koivula y Kaija Pakarinen Título en V.O.: Toivon tuolla puolen Nacionalidades: Finlandia Año: 2017 Fecha de estreno: 07-04-2017 Duración: 98 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guion: Aki Kaurismäki Fotografía: Timo Salminen Distribuidora: Golem

Sinopsis:

Helsinki. Dos destinos se cruzan. Wikhström, de 50 años, decide cambiar su vida y abrir un restaurante. Khaled es un joven refugiado sirio que llega a la capital finlandesa por accidente. Su solicitud de asilo es rechazada pero decide quedarse de todos modos. Una tarde, Wikhström se lo encuentra en la puerta de su restaurante y, emocionado, decide ofrecerle su ayuda.

Crítica de Luis Martínez para el diario “El Mundo”:

Cuenta Chaplin que el primer gag de su vida lo vivió cuando apenas era un crío. Al lado de la casa en la que vivían su madre, su hermano Sydney y él había un matadero. Un día un cordero se escapó y una nube de adultos, carniceros adustos, corrió tras él sin conseguir nada más que tropezarse entre ellos. Y al suelo. El que luego fuera Charlot no podía parar de reír. Y así hasta que el animal fue finalmente capturado. “Entonces”, recuerda, “me di cuenta de que iba todo eso”. Y, en ese momento, arrancó a llorar sin consuelo. “Me pregunto”, escribe en sus memorias, “si aquel episodio no puso los cimientos de mis futuras películas: la combinación de lo trágico y lo cómico”.

The other side of hope, de Aki Kaurismäki, básicamente es eso: una accidentada carrera al matadero. Tan gracioso. Tan lamentable. La mejor, más triste y más divertida película hasta ahora proyectada en la sección oficial de la Berlinale no hace otra cosa que contar la disparatada historia de un hombre solo, perdido y, por ello, acosado. De nuevo, el finlandés acierta a dibujar, entre el pánico y el silencio, la desolación de todo esto. Es Chaplin con la mirada huidiza de Keaton y la profundidad trágica, por disparatada, del mismo Beckett. O Buñuel incluso. Es Kaurismäki.

“Soy muy modesto. Quiero cambiar el mundo, pero como no tengo dinero. Me conformo con cambiar de momento Europa. Luego es el turno de Asia”, dice el director a modo de declaración de intenciones. Y se calla. Hay quien se ríe. Su película cuenta la historia de un refugiado sirio. Es decir, un hombre que huye. Por el camino pierde a su hermana, su única familia, hasta llegar a un lugar extraño donde la víctima es rápidamente señalada como una amenaza. Hasta ahí hemos llegado. Es Europa, pero podría ser Arizona. O el infierno.

De nuevo, la estrategia del autor de Nubes pasajeras consiste en desnudar la cotidianidad de todas sus incongruencias hasta hacerlas evidentes y profundamente extrañas. Otra vez, los personajes se mueven a tientas por un universo tan reconocible en su tristeza que se diría único. Y, de nuevo, el resultado es una película tan cautivadora como cruda, tan desesperada como, ya puestos, necesaria.

Se supone que la cinta es la segunda parte de una trilogía por venir. El viaje empezó en Le Havre, sin duda uno de sus trabajos más líricos y profundos, y vive ahora su segunda parada en otro puerto. Como siempre (esto es lo único imputable en el debe: su negativa a moverse del sitio), el cine de Kaurismäki quiere ser cuento moral, pero sin moraleja. Es más, ni siquiera es cuento. Se trata más bien de un ejercicio de vaciado en el que lo único audible es la risa, pero la risa de la hiena.

Festival de Berlín: Oso de Plata – Mejor director

Días 6 y 7 de noviembre: “Omega” de Gervasio Iglesias y José Sánchez-Montes

Publicado: 31 octubre, 2017 de Cineclub Alcarreño en Sin categoría
Omega_cartelEN COLABORACIÓN CON EL FESTIVAL DE MÚSICA KE KAÑA

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Dirección: Gervasio Iglesias José Sánchez-Montes Nacionalidades: España Año: 2016 Fecha de estreno: 18-11-2016 Género: Documental Color o en B/N: Color Guion: José Sánchez-Montes Distribuidora: Avalon

 

Sinopsis:

Documental sobre el revolucionario disco de flamenco-rock “Omega”, compuesto por el maestro Enrique Morente y el grupo granadino Lagartija Nick en 1996. Un disco rompedor y de gran impacto en el panorama musical nacional e internacional en el que Morente adaptó temas del cantautor canadiense Leonard Cohen y puso música a poemas de Federico García-Lorca.

Crítica de Javier Ocaña para el diario “El País”:

Teatro Albéniz de Madrid, año 1996. Concierto de Enrique Morente con el patio de butacas repleto de amantes de la pureza del cante, de flamencólicos, en terminología del cantaor granaíno. A pesar de que Morente suele salirse de la senda de la ortodoxia, todo se desarrolla según unos cánones más o menos establecidos. Es una noche flamenca al uso. Sin embargo, en los bises, se apagan las luces, el maestro sale de nuevo entre la penumbra, suelta un quejíoarrebatador y, de pronto, se abren en carnes todos los sentidos: el escenario se ilumina de rojo, la descarga eléctrica de guitarras y bajo, y el violento golpeo de una batería, taladran los oídos de los puros. La energía punk de Lagartija Nick se ha fundido con el duende en la presentación pública de los primeros arrebatos deOmega. Y se arma el taco.

“Nos iban a matar, tardamos varias horas en poder salir de los camerinos”, recuerda Antonio Arias, líder de Lagartija, en el estupendo Omega, documento musical de José Sánchez-Montes y Gervasio Iglesias que da cuenta de la revolución que supuso el mítico disco de título homónimo, con el cantaor y la banda, que adaptaba temas de Leonard Cohen y ponía música a poemas de Federico García Lorca. Una película con estructura cronológica y puesta en escena convencional, con mezcla de entrevistas actuales y del pasado con todos los implicados en la impactante propuesta, y reveladores documentos audiovisuales de la época, entremezclados con ritmo y didáctica, información y análisis. El fabuloso manifiesto del funámbulo y genial proceso creativo de una obra abierta, que hoy es historia de la música pero que podría haber llevado, como decía Morente, a que se vendiesen ocho discos y Borja Casani, el productor, lo hubiese “asesinado al amanecer”.

La vanguardia de Lorca, la de Poeta en Nueva York, la transgresora de obras como El público, la búsqueda de nuevos caminos de Morente, la melancolía de Cohen y la distorsión sonora de Lagartija (“¡Conmigo crece el caos!”, reza uno de sus mejores temas ajenos a Omega) se funden en una obra hija del bullicio de una ciudad única, capaz de parir hermanos musicales tan dispares desde las comidas en la Terraza de Juanillo y las interminables copas en El Local. Sin embargo, la película también da cuenta de las enormes dificultades, de las caídas, del abandono del baterista Eric Jiménez, de los desajustes en los primeros conciertos. Señal de que la apertura de nuevos caminos necesita también de sufrimiento.

La huella de Omega quedó marcada para siempre. Luego llegó la colaboración entre Morente y Sonic Youth. Y sus continuadores: los discos con palos flamencos de Los Planetas, el de Soleá Morente y Los Evangelistas. La huella de un pequeño vals de furia y ruido amamantado no en Viena, sino en Granada.

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Días 30 y 31 octubre: “GoodBye Berlin” de Fatih Akin

Publicado: 29 octubre, 2017 de Cineclub Alcarreño en Sin categoría

Días 30 y 31 de octubre. 20:15H. Multicines Guadalajara

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GOODBYE BERLIN – (Tschick)

Dirección: Fatih Akin Reparto: Anand BatbilegTristan GöbelNicole Mercedes Müller,Aniya Wendel Julius Felsberg Uwe Bohm Título en V.O.: Tschick Nacionalidades: Alemania Año: 2016 Fecha de estreno: 19-05-2017 Duración: 93 min. Género: Comedia y Drama Color o en B/N: Color Guion: Fatih Akin y Hark Bohm Música: Vince Pope Distribuidora: Golem

Sinopsis:

Maik, un muchacho de 14 años marginado por su clase, crece en el seno de una familia rica y disfuncional en Berlín. Durante las vacaciones veraniegas, su alcohólica madre ingresa en rehabilitación mientras su padre se ausenta con su joven ayudante por un presunto viaje de negocios. Maik está solo en casa, en su piscina, hasta que un nuevo compañero de clase llamado Tschick, joven inmigrante ruso, aparece con un coche robado. Juntos se lanzan a la carretera sin plan aparente.

Crítica de Jordi Costa, en El País, 19 mayo 2017

¿Cómo reaccionaría Wim Wenders ante la posibilidad de una road moviealemana cuyos protagonistas emprendiesen su viaje de autodescubrimiento a los sones azucarados de Richard Clayderman? Quizá con la misma hostilidad con la que, en Goodbye Berlin, un profesor recibe la redacción del protagonista, en la que este habla sin dolor, pero sin tapujos, del alcoholismo de su madre. Basada en una novela juvenil de Wolfgang Herrndorf, la película es la comedia, ligera y adolescente, con la que Fatih Akin intenta resarcirse del chaparrón crítico que le cayó por su discutible manejo de las palabras mayores —la memoria del genocidio armenio— en su anterior El padre (2014).

Goodbye Berlin no se arruga ante el deber de poner en movimiento una serie de insistentes tópicos en la especialidad del relato de iniciación juvenil de última hora: hay aquí dos desclasados del régimen de afectos y popularidades de instituto que se convertirán en contrastados compañeros de viaje a bordo de un coche robado y que, por el camino, hallarán alguna que otra complicidad, al tiempo que irán descubriéndose en sus respectivas otredades. La narración en primera persona posibilita puntuales difuminaciones de la frontera entre lo real y lo imaginario –el tiroteo del padre y su amiga, el idealizado acercamiento de Tatjana, objeto de deseo romántico del protagonista, ofreciendo la invitación a su cumpleaños- que Akin ejecuta con rutinario automatismo, lejos de toda estilística libertad de vuelo.

Con nueva película en la selección oficial del festival de Cannes –Aus Dem Nichts, protagonizada por Diane Kruger y con el terrorismo como telón de fondo de su propuesta dramática-, Akin ha compuesto con Goodbye Berlin su particular película picnic: una propuesta ligera ideal para tomarse unas vacaciones de sí mismo, que, si bien no descubre nada nuevo bajo el sol, cumple decentemente sus modestos objetivos.

Días 23 y 24 de octubre: “Verano 1993” de Carla Simón

Publicado: 14 octubre, 2017 de Cineclub Alcarreño en Sin categoría

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VERANO 1993 – (Estiu 1993)

Dirección: Carla Simón Reparto: Bruna Cusí Laia ArtigasPaula Robles y David Verdaguer Título en V.O.: Estiu 1993 Nacionalidades: España Año: 2017 Fecha de estreno: 30-06-2017 Duración: 94 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guion: Carla Simón Fotografía: Santiago Racaj Música: Ernest Pipó Distribuidora: Avalon

 

Sinopsis:

Frida (Laia Artigas), una niña de seis años, afronta el primer verano de su vida con su nueva familia adoptiva tras la muerte de su madre. Lejos de su entorno cercano, en pleno campo, la niña deberá adaptarse a su nueva vida.

Crítica de Jordi Costa para el diario “El País”:

Un grupo de niños juega durante la verbena de San Juan, cuando, de repente, aflora una pregunta desconcertante: “Y tú, ¿por qué no lloras?”. Que Frida no esté llorando parece una incongruencia. Por lo menos a los ojos de quien no esté familiarizado con los, a veces, contradictorios procesos de gestión del dolor en una infancia que, de repente, ha dejado de ser adjetivada como tierna para convertirse en territorio de indefensión. Frida parece la antítesis de Ponette, la niña que lidiaba con la muerte de su madre vaciándose de lágrimas durante hora y media en la homónima película de Jacques Doillon. Frida también acaba de perder a su madre, víctima del sida como antes lo fue su padre, aunque la sobresaliente ópera prima de Carla Simón tiene el pudor de manejar los riesgos sensacionalistas de ese dato con encomiable cautela. Entre otras cosas, porqueEstiu 1993 es una película extremadamente rigurosa con la elección de su punto de vista, que no es otro que el de los ojos de Frida: esos ojos que pasarán de la sequedad al desbordamiento, a lo largo de un verano marcado por la aclimatación a un nuevo territorio físico y afectivo.

En Estiu 1993, la directora debutante canaliza sus propios recuerdos de infancia a través de un intrincado trabajo de depuración, que tiene su principal fortaleza en un estilo visual, tan elaborado como libre de todo exhibicionismo, que se subordina al registro naturalista de su dirección de actores. Las niñas Laia Artigas y Paula Robles no parecen estar interpretando, sino habitar desde siempre en esa ficción tan verosímil, mientras se transparentan todas las corrientes subterráneas de su nada cómoda relación.

Sin enfatizar nada, la película mantiene una constante tensión en su sucesión de brillantes ideas y afortunados detalles: las asquerosas frases condescendientes escuchadas en la carnicería del pueblo, el juego infantil que delata toda la intrahistoria en la vieja relación entre la madre muerta y la hija, la irreflexiva ferocidad excluyente en el gesto de una madre protectora cuando su hija se acerca a una herida ajena, la expeditiva frase con la que Frida remata su intento de fuga nocturna… Estiu 1993, ritual de duelo bajo la luz cegadora del verano, no es un prometedor debut, sino una de las películas españolas más impresionantes en lo que va de año, madurísima destilación de unas reminiscencias de infancia asimiladas a través de una virtuosa representación.

Festival de Berlín: Mejor ópera prima, Gran Premio del Jur. Int. (Secc. Gen. KPlus)

Festival de Málaga: Biznaga de oro, Premio Feroz de la crítica

Cine y Alimentación: “Una Pasteleriá en Tokio”, “El Fundador” y “Mañana”

Publicado: 10 octubre, 2017 de Cineclub Alcarreño en Sin categoría

Multicines Guadalajara, Fescigu y Cineclub Alcarreño presentan este ciclo de Cine y Alimentación con tres películas, todas ellas en Versión Original con subtítulos en castellano, a un precio de 4 euros por película para todo el mundo.

El 100% de la recaudación será donada a “El Rincón Lento, porque “en el Rincón Lento defendemos y difundimos un consumo responsable, concretado en diversas vías: comercio justo, grupo de consumo con cestas de productos semanales en nuestro propio Rincón, fomento de la producción ecológica, apoyo a la producción local… Cada mes renovamos el listado de verduras y hacemos pedidos puntuales de fruta y otros alimentos ecológicos.”

Las películas que se podrán ver, además del documental “Empatía” de este pasado lunes y martes, son:

Jueves 12 a las 20: 30 horas:

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UNA PASTELERÍA EN TOKIO

Ficción | 113 min. | 2015 | Japón

Dirigida por Naomi Kawase

Sentarō, un hombre de mediana edad, dirige una pequeña tienda de dorayakis, frecuentada por gente local. Cuando pone un cartel buscando un socio, aparece Tokue, una señora de setenta y tantos años que siempre quiso trabajar en una tienda de dorayakis. Sentarō rechaza inicialmente su solicitud, hasta que prueba su pasta de judías y decide contratarla, porque su sabor y textura son muy superiores a la de la pasta de soja industrial que hasta la fecha había estado utilizando.

Viernes 13 a las 20:30 horas:

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EL FUNDADOR

Ficción | 115 min. | 2016 | EEUU

Dirigida por John Lee Hancock

Ray Kroc es un vendedor de Illinois que, en 1950, conoce a los hermanos Mac y Dick McDonald, propietarios de una hamburguesería en San Bernardino, al sur de California. Impresionado por la velocidad de su sistema de cocina, Ray no tarda en ver el potencial de convertir el restaurante en una franquicia, y con habilidad se posiciona para arrebatar el control a los hermanos y crear lo que hoy en día es el gigante de la comida rápida McDonalds.

Sábado 14 a las 20:30 horas:

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MAÑANA

Documental | 118 min. | 2015 | Francia

Dirigida por Cyril Dion y Mélanie Laurent

Tras la publicación de un estudio que anuncia la posible desaparición de parte de la humanidad en 2100, Cyril Dion y Mélanie Laurent visitan diez países para investigar las causas de la catástrofe y, sobre todo, la forma de evitarla. Durante su viaje, se encuentran con pioneros que reinventan la agricultura, la energía, la economía, la democracia y la educación. Terminado su trabajo, empiezan a vislumbrar la posibilidad de que surja un nuevo mundo: el mundo del mañana.

Días 9 y 10 de octubre: “Empatía” de Ed Antoja

Publicado: 8 octubre, 2017 de Cineclub Alcarreño en Sin categoría

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EMPATÍA

Dirección: Ed Antoja Nacionalidades: España Año: 2017 Fecha de estreno: 07-04-2017 Duración: 75 min. Género: Documental Color o en B/N: Color Distribuidora: Begin Again Films

 

Sinopsis:

Documental que intenta aproximarse a un modo de vida más responsable con respecto a los animales, utilizando un lenguaje que mezcla ficción, estilo publicitario y documental. ‘Empatía: Una historia sobre el respeto animal contada por un escéptico’ pretende concienciar sobre la realidad de los animales y los hábitos de consumo diario de la población.

Crítica de Pere Vall para la revista “Fotogramas”:

Populares documentalistas de estos tiempos de cólera como Michael Moore (‘Fahrenheit 9/11’) o Morgan Spurlock (‘Super Size Me’) no han dudado en explotar su extroversión y dotes para el entretenimiento para ponerse delante de una cámara y transmitir al espectador sus mensajes y denuncias. Ed Antoja, procedente del mundo de la publicidad, parece seguir la misma senda, y hay que reconocer que, dentro de un registro  actoral más contenido, sale más que airoso del reto. En ‘Empatía’, Antoja asume el papel del público descreído (digamos que ese egoísta y despreocupado ‘cárnico’ de toda la vida) para hacer con él el viaje hacia el veganismo.

Independientemente de que el realizador y la asociación que está detrás del proyecto consigan convencernos o no, se tiene que admitir que el artefacto, a nivel de narración, portavoces de la tesis de la película y estética, funciona. Aunque uno eche en falta en el puzle algunas voces socialmente más humildes o incluso contrarias al mensaje (y la madre del propio Antoja, a pesar de tener unas intervenciones muy divertidas, no cuenta).