Días 10 y 11 de diciembre: “La Revolución Silenciosa” de Lars Kraume

 

LA REVOLUCIÓN SILENCIOSA – (Das schweigende Klassenzimmer)

Dirección: Lars Kraume
Reparto: Judith Engel, Sina Ebell, Michael Del Coco, Jonas Dassler
Nacionalidad: Alemania Año: 2018 Fecha de estreno: 20-07-2018 Duración: 111 Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Lars Kraume Fotografía: Jens Harant 

Distribuidora: Karma Films

Sinopsis:

Berlín, 1956. Faltan cinco años para la construcción del muro. Un grupo de estudiantes alemanes decide mostrar su solidaridad con las víctimas de la Revolución Húngara de 1956 con un minuto de silencio durante las clases. 

Crítica de Juan Orellana para el diario “ABC”:

El director alemán Lars Kraume dirige y escribe «La revolución silencios»a a partir de los hechos reales descritos en la novela autobiográfica del recientemente fallecido Dietrich Garstka, «The silent classroom», publicada en 2006.

Ambientada en la ciudad de Stalinstadt (actualmente Eisenhüttenstadt), en Brandenburgo, la película recrea magistralmente un episodio vivido en la Alemania del Este en la época de las revueltas húngaras contra el poder soviético en 1956. Un grupo de jóvenes a punto de graduarse decide guardar dos minutos de silencio en clase en protesta por la represión soviética en Budapest. El resultado es una investigación por parte de las autoridades académicas para destapar a los supuestos cabecillas de semejante acto contrarrevolucionario. La solidaridad entre los compañeros será interpretada como un gesto subversivo antisocialista, y ello tendrá consecuencias desastrosas para los chicos y sus familias.

La película tiene como base un guión de hierro que hila las diversas tramas con un magnífico pulso narrativo, un intenso sentido del suspense y una profunda hondura dramática. A la compleja reflexión política sobre la profunda irracionalidad del totalitarismo, se añaden conflictos morales interesantes relacionados con la culpabilidad, el compañerismo, las relaciones paternofiliales, el sentimiento religioso, el miedo a la verdad o las lealtades excluyentes. A pesar de lo dramático de las situaciones y del sufrimiento de los personajes, la película ofrece una salida esperanzada, no solo por la resolución de la historia, sino por la fe positiva que profesa en el ser humano y en su capacidad de nobleza.

La puesta en escena es muy eficaz, enmarcada en una brillante dirección de arte, y sostenida por un reparto coral excelente, en el que destacan el joven Jonas Dassler en el papel de Erik, Leonard Scheicher en el de Theo, o Lena Klenke en su homónimo papel. Estamos ante una de las mejores películas de la temporada, un excelente ejemplo de cine de revisión histórica del socialismo real, y un buen ejemplo de cine educativo. Para no perdérsela.

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Días 3 y 4 de diciembre: “El Insulto” de Ziad Doueiri

 

 

EL INSULTO – (L’insulte)

Dirección: Ziad Doueiri  
Reparto: Kamel El Basha, Brant Daugherty
Título en V.O: L’insulte
Nacionalidad: Líbano

Duración: 110 Género:Drama Guión: Ziad Doueiri, Joelle Touma Fotografía: Tommaso Fiorilli 

Distribuidora: A Contracorriente Films

Sinopsis:

Toni, cristiano libanés, riega las plantas de su balcón. Un poco de agua se derrama accidentalmente en la cabeza de Yasser, palestino y capataz de una obra. Entonces estalla una pelea. Yasser, furioso, insulta a Toni. Él, herido en su orgullo, decide llevar el asunto ante la justicia. Comienza así un largo proceso en el que el conflicto tomará una dimensión nacional, enfrentando a palestinos y cristianos libaneses. 

Crítica de Javier Ocaña para el diario “El País”:

No pocas veces las vidas se hunden por una nimiedad. Un pequeño accidente, una discusión absurda, una casualidad, un malentendido. Un golpe del destino que, por culpa de nuestro orgullo, terquedad y de un equivocado planteamiento hacia el fácil arreglo, va degenerando en un problema más grande, mucho más complicado de erradicar, que revela prejuicios, traumas interiores, resentimientos del pasado.

El insignificante chispazo de El insulto, interesantísima parábola político social de Ziad Doueiri, lo produce el canalón de una casa. Uno de esos conflictos vecinales donde el absurdo cotidiano puede llevar a la perdición. Un chorro de agua mal encauzado desde el balcón de la casa de un cristiano libanés, que acaba cayendo sobre el capataz de una obra, y palestino. Un cuento de horror histórico y religioso, una tragedia familiar, un drama judicial que, desde lo más pequeño, alcanza lo más grande. Una disputa de corto alcance que trasluce un ancestral combate entre pueblos. Y, como toda fábula, con una enseñanza moral: la disculpa es una muestra de decencia y no un motivo de debilidad.

Expuesta de un modo sencillo y explícito, la película de Doueiri adquiere una enorme trascendencia en múltiples vertientes. En la política, con cargos electos que solo se implican en los problemas reales de la gente cuando no hay temor a mancharse. En la histórica del conflicto entre palestinos e israelíes, y su influencia en países vecinos, como Líbano, con una frase insultante como detonante —“Ojalá Ariel Sharon hubiera acabado con todos los palestinos” —, y variadas tragedias detrás: del Septiembre Negro jordano en 1970, a la masacre de Damour, durante la guerra civil libanesa, en enero de 1976. En la judicial, con algo tan actual y tan universal —también aquí, en España— como el delito de odio, su necesidad, y también su peligro: “¿Qué será lo próximo, penar los pensamientos, castigar los sueños?”. E incluso en una vertiente perteneciente a la filosofía del Derecho: la violencia como hecho natural, o como hecho histórico.

Doueiri, con películas importantes alrededor del conflicto de Oriente Medio —West Beirut, de 1998; El atentado— expone su relato de un modo en el que todos los personajes, en su ideología, en su formación, en su religión, acaban encontrando razones convincentes para su comportamiento. Y, más allá de su evidente humanismo y de su voluntad regeneradora, deja que sea el espectador el que, en su vaivén emocional, acabe siendo juez. El árbitro de las pequeñas grandes tragedias de nuestra existencia.

Seminci de Valladolid: Premio del público

Días 26 y 27 de noviembre: “Matar a Jesús” de Laura Mora Ortega

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MATAR A JESÚS

Dirección: Laura Mora Ortega
Reparto: Natasha Jaramillo, Giovanny Rodríguez, Camilo Escobar, Carmenza Cossio, Juan Pablo Trujillo
Título en V.O: Matar a Jesús
Nacionalidad: Colombia Año: 2017 Fecha de estreno: 13-04-2018 Duración: 95 Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Alonso Torres, Laura Mora Ortega Fotografía: James L. Brown 

Distribuidora: El Sur Films

Sinopsis:

Paula, una joven estudiante de 22 años, presencia el asesinato de su adorado padre, un popular profesor de ciencias políticas de una universidad pública de la ciudad de Medellín. Desde la distancia, logra ver al asesino mientras se aleja a toda velocidad en una motocicleta. Devastados por el dolor tras los hechos, Paula y su familia tendrán que enfrentar la indolencia oficial. Las autoridades no harán ningún esfuerzo por esclarecer lo ocurrido y el caso pronto quedará archivado y suspendido.

Crítica de Javier Ocaña para el diario “El País”:

Dar clase en la Universidad de Medellín y recomendar a los alumnos criterio propio, o que luchen contra la injusticia, la desigualdad y la corrupción, puede costar la vida. Lo sabe uno de los personajes de Matar a Jesús, debut en el cine de Laura Mora, y lo sabe la propia directora, que ha compuesto una película con dolorosos ecos autobiográficos, en forma narrativa de thriller clásico de infiltración, pero con modos de cine de guerrilla, intérpretes no profesionales y rotunda verosimilitud ambiental.

En la ciudad colombiana el asesinato sale barato, entre las sutiles pero contundentes denuncias de corrupción policial y judicial, entre la amplia red de criminalidad donde nadie deja huella de quién pagó a quién para que le encargara a un tercero que le descerrajara cinco tiros a un cuarto. Demasiado complicado, sobre todo cuando hay unos cuantos con semejante modelo cada semana.

Mora, que ya había dirigido televisión, se introduce en las vidas de víctimas y de verdugos con el humanismo y los deseos de reconciliación por bandera, mostrando en qué ambientes se desenvuelve cada uno y cuáles son sus razones para el desastre.

Con la cámara siguiendo a sus criaturas a un palmo de la piel, la directora utiliza recursos que, aunque nada nuevos, siempre resultan eficaces, como esos juegos de sonido ambiental y diálogo que se escapa, evidenciando sensación de universo emocional paralelo, sacados de la secuencia del bautizo criminal de Michael Corleone en El padrino. Y aunque la apuesta por los actores no profesionales a veces conlleve peligrosas derivas de credibilidad, Matar a Jesús encuentra sus mejores momentos en la descripción de los alrededores del sicario. En esas casas a medio hacer, pero de fiesta continua; en la religión como pantalla para el sufrimiento, alimentada por ingenuos cánticos y bombillas horteras; en el alcohol y un dios de saldillo como manto de abrigo para la pobreza.

Festival de San Sebastián: Premio de la Juventud

Festival de La Habana: Premio Coral Especial del Jurado (Ópera Prima)

Días 19 y 20 de noviembre: “Lady Bird” de Greta Gerwig

LADY BIRD

Dirección: Greta Gerwig Reparto: Saoirse Ronan, Laurie Metcalf, Lucas Hedges , Tracy Letts, Danielle Macdonald, Timothée Chalamet, Beanie Feldstein, John Karna Nacionalidad: USA Año: 2017 Fecha de estreno: 23-02-2018 Duración: 94 Género: Comedia  Guión: Greta Gerwig Distribuidora: Universal Pictures

Sinopsis:

Una joven estudiante que se hace llamar “Lady Bird” se muda al norte de California para pasar allí su último año de instituto. La joven, con inclinaciones artísticas y que sueña con vivir en la costa Este, tratará de ese modo encontrar su propio camino y definirse fuera de la sombra protectora de su madre.

Crítica de Andrea G. Bermejo para la revista “Cinemanía”:

El día que Lady Bird se marcha a la universidad recibe una carta que dice: “Cuando me quedé embarazada de ti fue un milagro porque ya era mayor”. Aunque su madre no se ha atrevido a dársela, su padre se la ha escondido en la maleta. Tampoco ha querido despedirse en el aeropuerto pero luego ha llorado en el coche como quien ve marchar al amor de su vida. Pues de eso va la ópera prima de Greta Gerwig en solitario, del amor entre una madre y una hija.

El esperado debut de la actriz y guionista de Frances Ha ha llegado a la temporada de premios convertido en una bandera. Los Globos de Oro “olvidaron” nominarla en la categoría de mejor dirección revelando un #MeToo tan perverso y más sibilino que el del acoso físico: el que se esconde tras la afirmación de que “Lady Bird es una película pequeña”. Pero ¿qué tiene de pequeña una película que goza de un guión exquisito, una fotografí́a y un color tan medidos que nos transportan a un nostálgico 2003 o las interpretaciones excelentes, conmovedoras, que desbordan la personalidad de sus actores? ¿Acaso es por su caligrafía, tan alejada de la espectacularidad bélica de Nolan o de la épica periodística de Spielberg, competidoras en tal categoría?

Lady Bird arranca con una cita de Joan Didion sobre Sacramento, ciudad en la que las dos artistas nacieron y crecieron. Gerwig ha contado que descubrir ese dato supuso para ella una experiencia de trascendencia espiritual, pues hasta entonces había pensado que el arte debía de tratar solo de las cosas grandes e importantes. Didion le había demostrado que podía escribir sobre lo que quisiera y que lo esencial era saber observar. No es raro, por tanto, que Lady Bird traduzca al cine la prosa cristalina y profunda de la escritora californiana, pero sí que Gerwig tenga que probar otra vez que la narrativa sencilla y clara no es peor que la alambicada. Tampoco cuesta imaginarse por qué su ópera prima es un homenaje a Sacramento, ciudad que Lady Bird sueña con abandonar durante su último curso de colegio y cuyo rechazo sirve de hilo conductor para pelearse con su madre a todas horas.

Para convertirse en Christine McPherson, Lady Bird tiene que enamorarse varias veces, saber valorar lo que implica vivir al otro lado de las vías del tren, perder la virginidad estrepitosamente, defraudar y recuperar a su mejor amiga y odiar Sacramento para poder valorarlo desde Nueva York. Tanto como el amor de su madre, intenso, complejo y demandante en la cercanía, pero inabarcable, real y tierno de lejos. Desde luego, un amor que no cabe en una “película pequeña”.

Globos de Oro: Mejor película comedia o musical y actriz (Saoirse Ronan)

Premios Independent Spirit: Mejor guión

Días 12 y 13 de noviembre: “La Cámara de Claire” de Hong Sang-soo

 

 

LA CÁMARA DE CLAIRE – (Keul-le-eo-ui Ka-me-la)

Dirección: Hong Sang-soo

Reparto: Isabelle Huppert, Kim Min-Hee , Chang Mi-hee, Young Jung-Jin

Título en V.O: La caméra de Claire Nacionalidad: Corea del Sur Año: 2018 Fecha de estreno: 13-07-2018 Duración: 69 Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Hong Sang-soo Música: Dalpalan Distribuidora: La Aventura Audiovisual

Sinopsis:

Durante un viaje de negocios al Festival de Cannes la joven Manhee (Kim Min-hee), asistente de ventas de una distribuidora, es despedida por su jefa acusada de ser deshonesta, pero en el fondo por una cuestión de celos. Por suerte, conocerá allí a una profesora llamada Claire (Isabelle Huppert), que hace fotos con su cámara Polaroid. Cada una de ellas tiene una peculiar visión de la vida, y juntas lograrán entender sus mundos.

Crítica de Luis Martínez para el diario “El Mundo”:

Hace tiempo que Hong Sang-soo ha hecho de su constante actividad una forma de explicarse y de explicar el propio cine. El mismo año en que el coreano competía en Cannes con The Day After, presentaba fuera de concurso La cámara de Claire. La primera en blanco y negro; la segunda en color. Una, soportada por largos planos detenidos en su amargura más íntima; la otra, luminosa, radiante, feliz incluso. Las dos con la actriz Kim Min-hee y a vueltas con los celos, el desprecio y consigo mismo.

Digamos que se trata de un díptico perfecto, grave y liviano con la misma claridad. El mejor resumen de Sang-soo. Lo que vemos ahora es una de las partes. Rodada durante el propio festival con la complicidad y sabiduría de Isabelle Huppert, la cinta narra el encuentro entre dos mujeres. Una ha sido despedida tras una relación con su jefe y la otra consuela, escucha y sana las heridas. Lo que sigue es un delicado ejercicio de cine a la vez vital y muy enfermo. Casi terminal. El cine se duplica en cada instantánea de la cámara de Claire. Y muta. Nunca es el mismo. Perfecta.

La imagen que ofrece de Cannes lejos del bullicio del festival resulta tan extraña como irrenunciable. Luminoso retrato de cine en femenino.

Día 7 de noviembre: “La Muerte en la Alcarria” de Fernando Pomares. Documental sobre Los Hermanos Cubero en el Teatro Moderno.

EN COLABORACIÓN CON EL FESTIVAL MUSICAL KE KAÑA, podremos disfrutar del arte de Los Hermanos Cubero en el Teatro Moderno.

 

 

“MUERTE EN LA ALCARRIA”

Dirección y Guión: Fernando Pomares. Reparto: Enrique y Roberto
Cubero.Fotografía: Albert Badia. Productora: Travelogue Studio. Duración: 83’.

Sinopsis:

Dos hermanos músicos viajan a través de sus orígenes en un western musical en tierras alcarreñas, y durante el viaje interpretarán sus canciones, que evocan un mundo de raíces que fue pero que ya no es. Un poema al arte de Los Hermanos Cubero y el mundo que desprenden de sus canciones. Una película de sentidos, de paseos, de silencios y de buena música popular, intensa y personal.

Las palabras son cansancio. Por allá andan los dos hermanos Cubero, trajeadas anomalías del bluegrass y la música tradicional, y se les acaba de estropear el buga en mitad de la Alcarria. Sin abrir boca –exceptuando la cadena de piezas que interpretan en directo- los hermanos empiezan a andar, héroes de un filme en blanco y negro que es puro cine de autor. Como un París, Texas en mudo y castellano. Como Jim Jarmusch con eco de bandurrias. Extraviados en la estepa, los Cubero cantan y topan con espectros, seres enigmáticos, miedos nocturnos, olivos, pueblos fantasma y carreteras desiertas. Sacristías y hierbajos. Almuerzan a la sombrita y luego siguen a pata, fundas de instrumento en mano y zapatos polvorientos. El espectador no sabe si es un sueño; las caras de los protagonistas no dejan traslucir emoción alguna. Solo cuando se acercan a los micrófonos; entonces sí se les oye, y cómo. Un paseo por el limbo castellano, de la mano del dúo más singular de la música popular española.

 

Aquí os dejamos, por si os apetece revisitarlo, el enlace de su actuación musical que tuvo lugar en la puerta del Teatro, cuando colaboraron con la Asociación Amigos del Moderno para su reapertura.

También os recordamos que podremos volver a disfrutar de su música en directo en Guadalajara, será el sábado 10 a partir de las 20:00 horas en el Espacio TYCE, dentro de los conciertos del propio Festival.

Días 5 y 6 de noviembre: “Custodia Compartida” de Xavier Legrand

 

CUSTODIA COMPARTIDA – (Jusqu’â la Garde)

Dirección: Xavier Legrand Reparto: Léa Drucker, Denis Ménochet, Thomas Gioria, Mathilde Auneveux, Coralie Russier Título en V.O: Jusqu’à la garde Año: 2017 Fecha de estreno: 20-04-2018 Duración: 90 Género: Drama Color o en /N:Color Guión: Xavier Legrand Distribuidora: Golem

Sinopsis:

Myriam y Antoine Besson se han divorciado, y ella solicita la custodia exclusiva de su hijo Julien para protegerlo de un padre al que acusa de violento. Antoine defiende su caso como un padre despreciado, y la juez del caso sentencia a favor de la custodia compartida. Rehén del creciente conflicto entre sus padres, el joven Julien se ve empujado al límite.

Crítica de Carlos Boyero para el diario “El País”:

Resulta intolerable ser testigo del sufrimiento de los niños, su machaque, su terror. Y nadie en su sano juicio certificaría que todos ellos son ángeles, sabemos que en ocasiones pueden ser crueles entre ellos, abusar de los más débiles, cebarse sin piedad con los que padecen taras físicas o psíquicas. Pero también representan la vulnerabilidad extrema, la ausencia de culpa, la inocencia amenazada.

La película francesa Custodia compartida, meritoriamente dirigida por el principiante Xavier Legrand, habla inicialmente de algo tan frecuente y lamentablemente rutinario como un divorcio y el consecuente proceso judicial para lograr la custodia de los hijos. Es una secuencia muy larga en la que las abogadas de las dos partes utilizan ante la jueza la esgrima verbal para lograr que sus representados se lleven la mejor parte en la custodia de los hijos. Y comparto la opinión de un amigo de que en esa vistilla en la que los litigantes permanecen callados hay un fallo de casting. La apariencia de él es amenazante, la de ella excesivamente cándida. A partir de ahí se narra una historia progresivamente inquietante y que acaba en estado de puro terror.

Por supuesto, todo el mundo sufre en estas siniestras movidas y posee sus razones. Incluso la obcecada bestia, incapaz de admitir el definitivo naufragio de su matrimonio, el distanciamiento y el miedo que sienten hacia él sus hijos y la que fue su esposa. Y lamento el calvario que sufre esta y la hija adolescente, pero lo que más me impresiona es el llanto, el horror y la parálisis del niño pequeño. Su madre y su hermana poseen defensas, también hombres que las quieren, pero la intemperie emocional del crío, su continuo temor a las volcánicas explosiones del padre, a la permanente amenaza que late en él me provocan dolor y piedad.

Es una película áspera, incómoda, sin concesiones sentimentales, con un tono voluntariamente terroso, apegado a la realidad. Y te asalta el escalofrío con la tenebrosa estadística que esta te ofrece. Que se repite en cualquier lugar la aparición de enloquecidos o fríos salvajes que asesinan a su pareja y a los hijos que engendraron ejerciendo la venganza más sádica. Y luego se suicidan o lo intentan. Y podrías entender los motivos de su desesperación, que se sientan acabados al perder a los suyos. O sea, que se maten. Lo cual puede ser tan razonable como trágico. Pero que dejen en paz a los demás. No son gente desolada. Son la encarnación del mal.

Festival de Venecia: Mejor director y Mejor ópera prima

Festival de San Sebastián: Premio del Público al Mejor film europeo