Días 18 y 19 de febrero: “Un Día Más Con Vida” de Raúl de la Fuente

 

UN DÍA MÁS CON VIDA – (Another day of life)

Dirección: Raúl de la Fuente, Damian Nenow Título en V.O:  Another Day of Life Nacionalidad: España/Polonia Año: 2017 Fecha de estreno: 26 de octubre de 2018 Duración: 80 min. Género: Animación

Color o en B/N: Color Guión: Niall Johnson, Raúl de la Fuente, David Weber, Amaia Remírez Distribuidora: Golem

Sinopsis:

Relato autobiográfico de Ryszard Kapuściński que narra los últimos días de Angola como colonia portuguesa en 1975, y las terribles consecuencias de esta descolonización: una guerra civil que asoló la región hasta hace muy poco. Coproducción polaco-española de animación para adultos.

Crítica de Toni Vall para CINEMANÍA

El cine continúa vivo, inquieto, ávido de experimentar. Es esperanzador comprobar que existen películas nuevas, con lenguajes y semánticas que apuestan por híbridos y mixturas. Así es Un día más con vida, que recrea un episodio de la vida del gran periodista Ryszard Kapuściński –su estancia y pesquisas en Angola en 1975– a través de la animación para mezclar ficción y documental, para poner en diálogo narrativas presuntamente impermeables y demostrar cómo son de porosas. La película de Raúl de la Fuente y Damian Nenow es, en este sentido, apasionante. No recuerdo un ejemplo parecido, con igual ambición y resultado visual tan bien conseguido.

Se le achaca que sea hagiográfica en exceso, que no incluya matices en el retrato casi heroico del protagonista. Bueno, si fuera un documental al uso, ortodoxo y académico, tal vez sería este un defecto notorio. Pero el propio registro expresivo, la misma personalidad fronteriza que nutre su ADN, conlleva esta aura de cierta mitificación, de loa a los evidentemente extraordinarios logros de Kapuściński. No llega pues a molestar y contribuye además a reconocer la labor profesional y humana de tan relevante reportero. Te quedas de largo con la experiencia de haber quedado sumergido en una historia de colonialismo, guerra, destrucción y periodismo comprometido. Todo contado como nunca antes. Una obra especial, fecundada de talento, inconformismo e instinto fabulador.

Premios del Cine Europeo: Mejor film de animación 2018.

Festival de San Sebastián 2018: Premio del Público.

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Días 11 y 12 de febrero: “Hotel Salvación” de Shubhashish Bhutiani

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HOTEL SALVACIÓN – (Hotel Salvation)

Dirección: Shubhashish Bhutiani Reparto: Adil Hussain, Lalit Behl, Geetanjali Kulkarni, Palomi Ghosh, Navnindra Behl,Anil K. Rastogi Título en V.O: Hotel Salvation Nacionalidad: India Año:2018 Fecha de estreno:24-08-2018 Duración: 102 min.

Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Shubhashish Bhutiani, Asad Hussain Música: Tajdar Junaid Distribuidora: Karma Films

Sinopsis:

En una extraña y última petición vital, un anciano indio obliga a su hijo a que deje el trabajo y le acompañe a la ciudad santa de Benarés (Varanasi), para morir allí. Ante tal demanda, al hombre no le queda otra opción que embarcarse con él en el viaje.

Crítica de Jordi Costa para diario EL PAÍS.

La vida es una ola destinada a disolver su singularidad en el océano de la existencia. Así contempla el hinduismo el tránsito hacia la muerte: no como un final, sino como la culminación de un proceso donde la salvación certifica la desaparición del ego en la unidad de todas las cosas. En una reveladora secuencia de Hotel Salvación, opera prima del director indio Shubhashish Bhutiani, la lectura de una necrológica —que escribió el propio difunto antes de morir— hace que sus familiares pasen del dolor al súbito estallido de la risa. En otro momento de la película, un personaje, que transporta sobre los hombros el cuerpo muerto de su padre, se une a las mujeres de la familia que, con una sonrisa en sus rostros, convierten la despedida en una ceremonia gozosa.

En Hotel Salvación, un anciano cree sentirse preparado para abandonar la vida y le pide a su hijo, sumergido en un infierno laboral de gestiones y constantes e intempestivas llamadas de negocios, que le acompañe a la ciudad sagrada de Varanasi, a orillas del Ganges, para completar al ciclo. El establecimiento en el que se alojarán da título a la película: un hotel para esperar a la muerte en el que sólo se puede permanecer un máximo de quince días. Si la muerte no ha llegado en ese momento, el responsable del local permite a los huéspedes cambiar de nombre e identidad para alargar la estancia. Uno de los personajes secundarios más memorables de la película —una mujer viuda que llegó con la intención de morir en compañía de su esposo— lleva trece años en el lugar

Shubhashish Bhutiani cuenta su historia con delicadeza, sin vender folklore para la exportación y sin que el acercamiento emocional entre ese padre y ese hijo suene a fórmula de guión. El tono oscila entre el drama y la comedia con la misma muda suavidad con la que una vela se mece en las aguas del Ganges. El modo en que la fe y el ritual se intersectan con lo cotidiano inspira algunos de los momentos más brillantes de este certero debut.

Días 4 y 5 de febrero: “Las Distancias” de Elena Trapé

 

LAS DISTANCIAS – (Les distàncies)

Dirección: Elena Trapé Reparto: Alexandra Jiménez, Isak Ferriz, Bruno Sevilla, María Ribera, Miki Esparbé Título en V.O: Les distàncies Nacionalidad: España Año: 2017 Fecha de estreno: 17-04-18 Duración: 99 min.

Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Elena Trapé, Miguel Ibáñez Monroy, Josan Hatero Fotografía: Julian Elizalde Distribuidora: A Contracorriente Films

Sinopsis:

Olivia, Eloy, Guille y Anna viajan a Berlín para visitar por sorpresa a su amigo Comas que cumple 35 años. Este no los recibe como ellos esperaban y durante el fin de semana sus contradicciones afloran y la amistad se pone a prueba. Juntos descubrirán que el tiempo y la distancia pueden cambiarlo todo.

Crítica de Jordi Costa para diario EL PAÍS:

Este Berlín de puertas entreabiertas, ventanas cerradas, habitaciones donde el aire se adensa y vagabundeos callejeros sin brújula que preside el imaginario de Las distancias, segundo largometraje de Elena Trapé, no parece la misma ciudad que algunas recientes producciones con presencia o autoría española abordaron como espacio de la transformación: ya viniera esta propiciada por un encuentro azaroso –Victoria (2015), de Sebastian Schipper, protagonizada por Laia Costa- o por el estado de tránsito entre viejos y nuevos afectos durante el proceso de aprendizaje –el caso de la sobresaliente Júlia ist (2017), de Elena Martín-. En Las distancias, un grupo de antiguos compañeros de universidad visita, por sorpresa, al amigo que fijó su residencia en la ciudad alemana. El motivo aparente es la celebración del cumpleaños del anfitrión a la fuerza, aunque cada uno de los visitantes carga con sus propias expectativas, que la mirada de Trapé irá revelando sin necesidad de verbalizar demasiado, dejando que su cámara no pase por alto ni un gesto, ni un silencio revelador. La inesperada fuga del homenajeado hará que la carga de tensiones del frustrado reencuentro vaya minando una cohesión grupal que quizá haya sido siempre ilusoria.

Hay en Las distancias una posible voluntad de diagnóstico generacional que en ningún momento sepulta la capacidad de construir minuciosos retratos de personajes que esquivan el arquetipo: ni siquiera ese treintañero que ha vuelto a casa de sus padres y que alivia su soledad sentimental sirviéndose de aplicaciones de contactos que no necesariamente conducen al alivio sexual suena a cliché. Trapé y sus coguionistas Josan Hatero y Miguel Ibáñez Monroy también habilitan espacio en el relato para que el espectador logre empatizar y comprender a todos los personajes, incluido ese Guille que, en un principio, parece tener en la hostilidad su única vía de comunicación y cuyas fragilidades se acaban desvelando de una manera nada forzada.

Las distancias nace de la perfecta sincronía entre la puesta en escena de Trapé, que aquí favorece el plano largo en continuidad, y un afinado reparto donde Alexandra Jiménez y Miki Esparbé se revelan tan precisos en la sutil inflexión dramática como lo han sido en los registros cómicos que les consolidaron en ese género. La lucha territorial del personaje de Jiménez con una expareja de su anfitrión y la imagen de Esparbé escuchando sus mensajes brillan en esta inmersión en los infiernos, cotidianos y generacionales, de la incomunicación.

Festival de Málaga 2018: Premios a Mejor Película, Dirección y Actriz (A. Jiménez)

Días 28 y 29 de enero: “Viaje al Cuarto de Una Madre” de Celia Rico

 

VIAJE AL CUARTO DE UNA MADRE

Dirección: Celia Rico

Reparto: Anna Castillo, Lola Dueñas, Pedro Casablanc, Adelfa Calvo, Marisol Membrillo

Título en V.O: Viaje al cuarto de una madre Nacionalidad: España Año: 2018 Fecha de estreno: 05-10-2018 Género: Drama Duración: 90 min. Color o en B/N: Color Guión: Celia Rico Fotografía: Santiago Racaj Distribuidora: Alfa Pictures.

Sinopsis:

Leonor (Anna Castillo) quiere marcharse de casa, pero no se atreve a decírselo a su madre. Estrella (Lola Dueñas) no quiere que se vaya, pero tampoco es capaz de retenerla a su lado. Madre e hija tendrán que afrontar esa nueva etapa de la vida en la que su mundo en común se tambalea.

Crítica de Luis Martínez para diario EL MUNDO:

Era San Juan de la Cruz el que advertía, antes que sólo decir, aquello de que “no viajamos para ver, sino para no ver”. En su máxima con aspecto de jeroglífico, el poeta santo daba, sin saberlo, la mejor descripción posible de la película de Celia Rico (da escalofríos pensar que sólo es la primera) Viaje al cuarto de una madre. En el limitado espacio de un piso de los de mesa camilla, gotelé en las paredes y espejos con marcos dorados, una madre y una hija juegan a esconderse una de la otra. Y hasta de sí mismas.

Tras la muerte del padre, la pareja vive consumida por la certeza de que están condenadas a separarse para poder seguir juntas, para continuar queriéndose. La idea es esconder a la mirada casi todo. La directora se las arregla para, desde un universo perfectamente reconocible y hasta familiar, sembrar cada rincón de la pantalla de secretos, de enigmas que anuncian mundos. No importa tanto lo que se ve o se escucha como el pautado recuento de silencios y frases apenas pronunciadas. Y todo ello, sin renunciar ni a la carcarcaja ni al llanto, los dos profundamente melancólicos. Lola Dueñas, perfecta y descomunal en su tristeza, recibe una réplica cerca del milagro de una Anna Castillo que crece a cada paso que da. Y juntas aciertan a dibujar lo más parecido a la desolación. Y a la gracia. Efectivamente, se trata de un viaje hasta lo más profundo. Hasta lo sagrado quizá. Se viaja, en definitiva, para no ver, que al fin y al cabo es la única forma de acercarse a lo misterioso, a lo relevante, a lo cierto; el único modo real de ver. Tan tensa, tan precisa, tan honda.

Festival de San Sebastián 2018: premio de la Juventud.

Días 21 y 22 de enero: “Tres Caras” de Jafar Panahi

 

TRES CARAS – (Three Faces)

Dirección: Jafar Panahi

Reparto: Jafar Panahi, Behnaz Jaffari, Maedeh Erteghaei, Narges Delaram, Marziyeh Rezaei

Título en V.O: Three Faces Nacionalidad: Irán Año:2018 Fecha de estreno: 23-11-2018 Duración: 100 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Jafar Panahi, Nader Saeivar Fotografía: Amin Jaferi Distribuidora: Golem

Sinopsis:

Una famosa actriz iraní recibe el video inquietante de una joven pidiendo su ayuda para escapar de su familia conservadora. Entonces pide a su amigo, el director de cine Jafar Panahi, que le ayude a entender si se trata de una manipulación. Juntos, emprenden camino hacia la aldea de la chica en las remotas montañas del Noroeste, donde las tradiciones ancestrales continúan rigiendo la vida local.

Crítica de Javier Ocaña para diario EL PAÍS:

Tres caras comienza con una impactante secuencia grabada con un móvil, que da paso a un primer tercio casi de thriller criminal y de investigación. Pero lo esencial son los modos de Panahi, que articula una ficción a partir de algunas de las esencias del documental: la actriz Behnaz Jafari y el propio Panahi se interpretan a sí mismos, como también los lugareños de las remotas aldeas, casi en la frontera con Azerbaiyán, que tanto recuerdan a las de otra gran película iraní contemporánea: La pizarra, de Samira Makhmalbaf, también protagonizada por Jafari.

Como Taxi Teherán, el relato se convierte en una road movie con abundantes conversaciones en un coche que, sin embargo, Panahi compone con un muy meritorio sentido de la imagen, por lo que se entrevé en los caminos y por el encuadre y la composición del plano. Un paisaje físico y un paisaje humano que desfilan ante la cámara del director para ir abrazando una reflexión sobre la hipocresía de la masa, que ama e idolatra a las estrellas de la televisión mientras es cruel e intolerante con una joven adolescente aspirante a actriz, a la que tildan de frívola.

Así, entre el machismo y el patriarcado, con buena parte de la joven generación de hombres siendo aún más retrógrada que la de sus padres, Panahi esculpe un drama sobre el desprecio a “los comediantes”, con esenciales matices políticos en torno a la revolución islámica y sus consecuencias, que culmina con una metafórica curva al final del camino: el del incierto destino de los personajes, y el del propio cineasta. Una película furtiva que se atreve incluso con el metalenguaje, con el guiño sarcástico. Para sus espectadores y, sobre todo, para sus verdugos. “Me dijiste que pensabas hacer una película sobre el suicidio y que contarías conmigo”, dice la actriz y personaje Fahari. Esa película es esta: Tres caras. Y es sobre un doble suicidio: el de una chica y el de un país.

Festival de Cannes 2018: Premio mejor guión (ex equo).

Días 14 y 15 de enero: “El Taller de Escritura” de Laurent Cantet

 

EL TALLER DE ESCRITURA – (L’atelier)

Dirección: Laurent Cantet

Reparto: Marina Foïs, Matthieu Lucci, Florian Beaujean, Mamadou Doumbia, Mélissa Guilbert

Título en V.O: L’atelier Nacionalidad: Francia Año: 2017 Fecha de estreno: 18-05-2018 Duración: 114 Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Robin Campillo, Laurent Cantet Fotografía: Pierre Milon Música: Bedis Tir Distribuidora: Golem

Sinopsis:

La Ciotat, sur de Francia. Antoine acude a un taller de escritura en el que un grupo de jóvenes ha sido seleccionado para escribir un thriller policiaco con la ayuda de Olivia, una famosa novelista. El proceso creativo hace hincapié en el pasado industrial del pueblo, un tipo de nostalgia que deja indiferente a Antoine. Más preocupado por los temores del mundo moderno, el joven pronto chocará con el grupo y con Olivia.

Crítica de Federico Marín Bellon para diario ABC

En La Ciotat, localidad de pasado industrial cercana a Marsella, que no es el mejor lugar del mundo para según qué cosas, Olivia (excelente Marina Foïs) imparte un taller de escritura. Entre los alumnos destaca Antonie por su sensibilidad artística, pero también por su capacidad para encender al variopinto grupo. El chico, un manojo de contradicciones, esconde a la vez la atracción que siente por la escritora y su fascinación por las armas. Entre todos tratan de sacar adelante una novela negra, contexto propicio para que se disparen los instintos.

Laurent Cantet, uno de los grandes cineastas franceses nacidos en los años sesenta, compone una película sencilla y atípica, que reflexiona menos sobre el proceso de creación que sobre el germen de la violencia. A la escritora los chicos le hacen plantearse la autenticidad de su obra, mientras que estos son incapaces de instaurar fronteras entre realidad y ficción.

El mayor mérito de Cantet, que vuelve a trabajar con el guionista Robin Campillo (también conocido por la serie Les revenants ), es lograr que su película, a la fuerza discursiva y pedante, no aburra ni peque de académica. Los personajes están vivos y logran implicarnos en sus sentimientos, quizá porque los autores saben retratar a la juventud francesa actual, tan multiracial, cultural, religiosa…

Días 7 y 8 de enero: “Call Me By Your Name” de Luca Guadagnino

 

CALL ME BY YOUR NAME

Dirección: Luca Guadagnino  Reparto: Timothée Chalamet, Armie Hammer, Michael Stuhlbarg, Amira Casar, Esther Garrel

Título en V.O: Call Me by Your Name Nacionalidad: Italia Año: 2017. Fecha de estreno: 26-01-2018 Duración: 130 Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: James Ivory, Luca Guadagnino Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom Música: Sufjan Stevens

Distribuidora: Sony Pictures

Sinopsis:

Elio Perlman (Timothée Chalamet), un joven de 17 años, pasa el cálido y soleado verano de 1983 en la casa de campo de sus padres en el norte de Italia. Se pasa el tiempo holgazaneando, escuchando música, leyendo libros y nadando hasta que un día el nuevo ayudante americano de su padre llega a la gran villa. Oliver (Armie Hammer) es encantador y, como Elio, tiene raíces judías; también es joven, seguro de sí mismo y atractivo. Al principio Elio se muestra algo frío y distante hacia el joven, pero pronto ambos empiezan a salir juntos de excursión y, conforme el verano avanza, la atracción mutua de la pareja se hace más intensa.

Crítica de Roger Salvans en FOTOGRAMAS

La indolencia de los veranos, la inseguridad del tránsito a la madurez o el vértigo y placer irrefrenable del primer amor correspondido. De todo esto nos habla Guadagnino con ‘Call Me by Your Name’, el cierre de su trilogía del deseo: que empezó con ‘Yo soy el amor’ (2009), y continuó con ‘Cegados por el Sol’ (2015) y su film más completo. Una cinta en la que el italiano se olvida de su estilo, estridente y excesivo en ocasiones, para abrazar, con Elio y Oliver, la sensualidad más sencilla, y por eso, compleja.

Una historia de amor universal, especial y singular, pero también sobre la forma de entenderlo, vivirlo, recordarlo y crecer con él, como se explicita en un diálogo padre-hijo estremecedor y bellísimo. Un canto a la vida imprescindible. Y también un baile, como los de Armie Hammer y, sobre todo, Thimothée Chalamet: un prodigio en la construcción de la identidad y el juego de miradas que rompe las fronteras del sexo y se regocija en el imparable ímpetu que da saberse querido o la tristeza inabarcable del amor perdido.

Oscar 2017: Premio a mejor guion adaptado (James Ivory)

Premios del Cine Europeo 2018: Premio del Público al mejor film europeo.