12 de diciembre: «Mali Twist» de Robert Guédiguian

MALI TWIST – (TWIST À BAMAKO)

Dirección: Robert Guédiguian

Reparto: Stéphane Bak, Dioucounda Koma, Issaka Sawadogo, Alicia Da Luz Gomes, Bakary Diombera

Título en V.O: Twist à Bamako

Nacionalidad: Francia

Año: 2021 Fecha de estreno: 08-07-2022

Duración: 125 min.

Género: drama Color o en B/N: Color

Guión: Robert Guédiguian

Música: Olivier Alary

Fotografía: Pierre Milon

Distribuidora: Caramel

Sinopsis:

Ambientada en la Mali postcolonial de los años 60, cuando los jóvenes de Bamako bailan el rock and roll recién importado de Occidente y sueñan con una renovación política, ‘Mali Twist’ se centra en los personajes de Samba y Lara. Él es un joven socialista que se enamora de la enérgica Lara durante una de sus misiones en la selva. Para escapar de su matrimonio forzado, ella huye en secreto con él a la ciudad. Pero el esposo de Lara no lo permitirá y la Revolución pronto les acarreará dolorosas desilusiones mientras sueñan con un futuro juntos.

Crítica de Pablo Vázquez para FOTOGRAMAS:

A Guédiguian hay que quererlo. Básicamente porque cree firmemente en lo que cuenta y sabe transmitirlo como pocos. Por eso le perdonamos su prurito didáctico, sus excesos ideológicos, su tendencia a la demagogia, su pose de maestrillo.”Mali twist” es puro cine. Y lo es por la universalidad de sus emociones, por el clasicismo de su historia de amor, por el retrato vivo de este Mali postcolonial que se abre a una improbable revolución socialista.

El director, como en sus mejores trabajos, se recrea en la sencillez de un estilo depurado, aunque sabe bien que las buenas intenciones casi siempre desembocan en el cul-de-sac de la fatalidad. Y su crónica de este Bamako que palpita a ritmo de twist y rock and roll recupera, sin buscarlo, la esencia de títulos tan gratos como “Grita” (Jeffrey Hornaday, 1991) o “Rebeldes del swing” (Thomas Carter, 1993). La música como gasolina de una revolución (política, social y romántica) condenada a abismarse, pero tan irresistible como respirar.

28 de noviembre: «La Última Película» de Pan Nalin

LA ÚLTIMA PELÍCULA – (LAST FILM SHOW)

Dirección: Pan Nalin

Reparto: Richa Meena, Rahul Koli, Dipen Raval, Bhavin Rabari, Vijay Mer, Tia Sebastian, Kishan Parmar, Vikas Bata, Bhavesh Shrimali, Shoban Makwa

Título en V.O: Last Film Show

Nacionalidad: India

Año: 2021 Fecha de estreno: 18-03-2022

Género: drama

Color o en B/N: Color

Guión: Pan Nalin

Música: Cyril Morin

Fotografía: Swapnil S. Sonawane

Distribuidora: Karma Films

Sinopsis:

Samay, un niño de 9 años que vive con su familia en un pueblo remoto de la India, descubre el cine por primera vez y queda absolutamente hipnotizado. Contra los deseos de su padre, vuelve al cine día tras día y se hace amigo del proyeccionista que, a cambio de su comida, le deja ver películas gratis. Rápidamente se da cuenta de que las historias se convierten en luz, la luz en películas y las películas en sueños.

Crítica de Oti Rodríguez Marchante para diario ABC:

Encantadora historia del despertar de un niño a la fascinación del cine en un pequeño pueblo de la India y que recuerda en sus resortes emocionales al ‘Cinema Paradiso’ de Tornatore. Aunque se ve y se entiende como un homenaje al viejo cine, a la luz del proyector y a la ilusión y fantasía en los ojos infantiles, la película tiene otra estimable línea de ofrendas: el director, Pan Nalin, describe paisaje, juegos, infancia y aromas familiares con evidentes fragmentos de memoria, y es maravillosa en tono y colores la construcción de esa apenas aldea por la que atraviesa el tren y que supone para los habitantes de Chalala la mayor aventura; en el arranque, en el que se ve al pequeño Samay en su creatividad cotidiana, se extrae también un ligero homenaje, un olorcillo, al Apu de Satyajit Ray, y en esa obsesión del joven protagonista por atrapar la luz, por entenderla, un reconocimiento absoluto al gran maestro del cine indio.

La relación de Samay con el mundo ingenuo del proyeccionista, incluso la relación hipnótica de la mirada con las imágenes del cine popular indio al ritmo de aventura o del baile de Bollywood es equiparable a la fascinación de la cámara de Nalin por el fervor gastronómico de la madre, en un genial intercambio de alimento: comida por cine gratis. El guion de Pan Nalin es modélico y se apaña con los pequeños conflictos o travesuras para untar la rebanada con macizos sentimientos, todos ellos a pie de infancia, es decir, sin apenas alzar la mirada al mundo adulto y sus problemas al lado de esa vía de tren provisora de trabajo y vida que va y viene.

Además del imán natural del niño protagonista, Bhavin Rabari, que tiene en su propia mirada la luz que busca apresar fuera, la película se muestra magnífica en dos apartados, en el modo en que negocia lo sentimental, con gran tiento y equilibrio, y el modo en que se ofrece visualmente con la combinación del ‘caramelo’ y resplandores de la sala de proyección y los efectos candil sobre la pantalla, y los paisajes exteriores, exóticos y como impregnados con los fluidos de la memoria.

‘La última película’ no agota, probablemente, sus posibilidades de magia e hipnosis sobre el corazón del espectador, pero sí ofrece un gratificante maniatado al drama y un horizonte feliz a las ilusiones y potencias de la infancia, a los cambios sociales y cinematográficos y a la memoria de la cinefilia y de algunos cineastas que la han regado.

21 de noviembre: «Abou Leila» de Amin Sidi-Boumédiène

ABOU LEILA

Dirección: Amin Sidi-Boumédiène

Reparto: Slimane Benouari, Lyès Salem, Azouz Abdelkader, Fouad Megiraga, Meriem Medjkrane, Hocine Mokhtar, Samir El Hakim

Título en V.O: Abou Leila

Nacionalidad: Argelia

Año: 2019 Fecha de estreno: 26-08-2020

Duración: 130 min.

Género: drama

Color o en B/N: Color

Guión: Amin Sidi-Boumédiène

Fotografía: Kaname Onoyama

Distribuidora: Flamingo Films

Sinopsis:

Argelia, 1994. Dos amigos de la infancia se cruzan en pleno en desierto en la búsqueda de Abou Leila, un terrorista muy peligroso. A medida que se alejan de la ciudad, todo será cada vez más extraño y la realidad irá cediendo paso a la violencia.

Crítica de Javier Ocaña para diario EL PAÍS:

Las guerras civiles producen monstruos: físicos, en forma de seres humanos transformados en alimañas; y mentales, cuando las tragedias han penetrado de tal modo en la inconsciencia de hombres y mujeres que la realidad y el sueño, lo palpable y lo onírico, acaban siendo indistinguibles. Y esa ha sido la base dramática, e incluso formal, del interesantísimo director argelino Amin Sidi-Boumédiène para su ópera prima, Abou Leila, acercamiento al drama de la guerra civil argelina que enfrentó al gobierno y a los rebeldes islamistas durante la práctica totalidad de la década de los noventa, desde el punto de vista más mental que físico de dos amigos de la infancia que acabaron como policías en dos cuerpos bien distantes —uno en las fuerzas especiales antiterroristas; otro como guardia de tráfico—, y que ahora siguen la pista de un líder terrorista, el Abou Leila del título, a través del desierto.

Más atmosférica que narrativa, con continuos recodos de onirismo surrealista, la película de Sidi-Boumédiène tiene una estructura diabólica que provoca que prácticamente toda la información sobre los personajes se acumule en la segunda mitad, a través de flashbacks y cuando uno de ellos ha muerto en una terrible secuencia que ejerce de punto de inflexión, y que la mitad inicial sea un misterio acerca de las preguntas más básicas en un relato: ¿quiénes son estos dos tipos, qué es lo que quieren, adónde van?.

El reto para el espectador es mayúsculo, y no pocas veces hay que debatirse entre la solidez extrema de las imágenes, los ambientes y la temática, y sus esquivos modos de narración, que te colocan contra la pared. Pero siempre hay algo, una frase, una metáfora, una salvaje secuencia de ferocidad, que te invita a seguir.

Con una bravísima utilización de la poética de la violencia, Abou Leila, presentada en la Semana de la Crítica de Cannes de 2019 y ganadora de la sección Nuevas Olas del Festival de Sevilla, acaba abrazando en el lecho de sus imágenes su frase central: “Las malas lenguas dicen que este país es un manicomio gigante”. Pero, como en todas las guerras civiles, aquí también hay culpables e inocentes. O al menos unos más que otros.

14 de noviembre: «Mi Mejor Amigo» de Ferit Karahan

MI MEJOR AMIGO – (OKUL TIRAÇI)

Dirección: Ferit Karahan

Reparto: Samet Yildiz, Ekin Koç, Mahir Ipek, Melih Selcuk, Cansu Firinci, Nurullah Alaca, Münir Can Cindoruk, Dilan Parlak, Ertan Gu

Título en V.O: Okul Tıraşı

Nacionalidad: Turquía

Año: 2021

Fecha de estreno: 01-07-2022

Duración: 85 min.

Género: drama

Color o en B/N: Color

Guión: Gülistan Acet, Ferit Karahan

Fotografía: Türksoy Gölebeyi

Distribuidora: Flamingo Films

Sinopsis:

Yusuf y Memo, su mejor amigo, son alumnos de un internado para niños y adolescentes kurdos en las montañas de Anatolia. Cuando Memo cae misteriosamente enfermo, Yusuf debe luchar con numerosos obstáculos para intentar ayudar a su amigo.

Crítica de Sergi Sánchez para diario LA RAZÓN:

“Mi mejor amigo” parece la perfecta película de laboratorio. Aglutina con finura tres de las grandes tendencias que predominan en el cine de autor internacional desde la primera década del siglo, si hablamos de cómo los nuevos realismos se han adaptado a las crisis morales de la civilización del malestar. Cultiva una puesta en escena claramente deudora del cine de los Dardenne, pegada a su protagonista, atenta a los obstáculos que tiene que vencer para que su culpa se apague; se adscribe a los presupuestos del Nuevo Cine Rumano, que confronta la dignidad ética con la corrupción del sistema; y mira hacia la obra de Farhadi al concebir la realidad como una partida de ajedrez en la que el azar mueve pieza para desencadenar la fatalidad.

Con todo, su condición derivativa no empaña sus logros, tal vez porque la fuerza de la mirada de un niño kurdo que quiere salvar a toda costa la vida de su mejor amigo en un entorno tan hostil como un internado estatal en una remota, nevada región del este de Turquía, impregna de verdad todo el relato. No importa que la villanía de las figuras de autoridad esté algo subrayada, tampoco que algunos recursos de guion resulten demasiado evidentes (los adultos siempre resbalan al entrar en la enfermería, los niños no). Lo que importa es ese niño, Samet Yildiz, y, decíamos, su mirada, y cómo la filma Ferit Karahan, en una película que se confiesa autobiográfica: ahí encontramos la verdad de la infancia que había en cineastas como Kiarostami, De Sica o Rossellini.

7 de noviembre: «La Tierra de los Hijos» de Claudio Cupellini

LA TIERRA DE LOS HIJOS – (LA TERRA DEI FIGLI)

Dirección: Claudio Cupellini

Reparto: Leon De La Vallée, Paolo Pierobon, Maria Roveran, Fabrizio Ferracane, Maurizio Donadoni, Franco Ravera,

Título en V.O: La terra dei figli Nacionalidad: Italia Año: 2021 Fecha de estreno: 17-12-2021 Duración: 120 min. Género: drama Color o en B/N: Color

Guión: Claudio Cupellini, Guido Iuculano, Filippo Gravino.

Novela gráfica: Gian AlfonsoPacinotti

Música: Francesco Motta

Fotografía: Gergely Pohárnok

Distribuidora: A Contracorriente

Sinopsis:

El final de la civilización ha llegado. Un padre y su hijo se encuentran entre los supervivientes. El hijo es criado como un niño salvaje, pues su padre considera que es la única forma de sobrevivir. Cuando el padre muere, el hijo decide emprender un viaje a lo largo del río, en busca de alguien que pueda leer el diario que su padre escribió a lo largo de su vida.

Crítica de Rubén Romero Santos para CINEMANÍA:

Mientras esperamos el gran apagón, el apocalipsis zombie o el amanecer nuclear, seguiremos viendo fábulas sobre quiénes somos y qué hacemos por estos andurriales. Es lo que propone Claudio Cupellini con notable acierto en esta adaptación de la novela gráfica de ciencia-ficción prospectiva de Gipi (publicada en español por Salamandra).

Haciendo virtud de su falta de presupuesto, opta por una puesta en escena minimalista, con ecos de la infravalorada La carretera, de John Hillcoat, especialmente en la aridez metálica de su fotografía. Pero sería injusto entroncarla únicamente con el cine hollywoodiense. Hay algo profunda y esencialmente italiano en el filme. No parece casual que se haya rodado en el delta del Po, cuyos juncos y lodazales fueron escenario de otro apocalipsis, no soñado, sino muy real, como fue la Segunda Guerra Mundial.

Ahí filmóRoberto Rossellini su magistral sexto episodio de Paisà, que parece la referencia más obvia de Cupellini para sus movimientos de cámara. Esa referencia al pasado no es solo una cita culta. En el debate entre boomers y zoomers, el filme toma partido por el papel y la escritura (y, por extensión, la cultura) como depositarias de una memoria que nos diferencia de los animales. A fin de cuentas, mientras no llegue el gran apagón (y podamos pagar la factura de la luz), los proyectores seguirán encendidos para avisarnos de que podemos cambiar la historia.