Días 25 y 26 de mayo: “20.000 Días en la Tierra” de Iain Forsyth y Jane Pollard

Publicado: 19 mayo, 2015 de Cine Club Alcarreño en Sin categoría

20.000-dias-en-la-tierra_cartel20.000 DÍAS EN LA TIERRA – (20.000 Days on Earth)

Dirección: Iain Forsyth y Jane Pollard Reparto: Nick CaveWarren EllisRay WinstoneKylie MinogueEarl CaveArthur CaveBlixa BargeldDarian Leader y Susie Cave Título en V.O.: 20,000 Days on Earth Nacionalidades: Gran Bretaña Año: 2014 Fecha de estreno: 07-11-2014 Duración: 97 min. Género: Documental Color o en B/N: Color Guión: Iain ForsythJane Pollard y Nick Cave Fotografía: Erik Wilson Música: Nick Cave y Warren Ellis Distribuidora: Yedra

Sinopsis:

Drama y realidad se combinan en 24 horas ficticias en la vida del músico e icono cultural internacional Nick Cave. Con ideas sorprendentes y un íntimo retrato del proceso artístico, la película examina lo que nos hace ser lo que somos y celebra el poder transformador del espíritu creativo.

Crítica de Nando Salvá para la revista “Cinemanía”:

emasiados rockumentales existen sólo para darles palmaditas en el hombro a sus protagonistas o para airear sus trapos sucios. La mayoría de ellos se limitan a mezclar imágenes de conciertos trufadas de planos de fans histéricos con un puñado de bustos parlantes. Es decir, casi todas esas películas son iguales. Pero 20.000 días en la Tierra es distinta. Tan distinta que ni debería considerarse un documental.

Aunque tampoco es un trabajo de ficción, sino más bien una mirada impresionista a las cuatro décadas de carrera de Nick Cave como músico, compositor, poeta, predicador y leyenda absoluta, que maneja una serie de peculiares piezas de información –perlas aforísticas, encuentros casuales, visitas fantasmagóricas, momentos de psicoanálisis freudiano, todo ello puntuado por momentos de inspiración creativa– para componer un todo mucho más penetrante respecto a la identidad, la mente y el alma del hombre y de su arte de lo que cualquier documental al uso podría lograr.

En el proceso, los directores Jane Pollard y Iain Forsyth ponen dos temas esenciales sobre la mesa. En primer lugar, puede que la memoria sea un instrumento falible y engañoso –no redescubrimos nuestros recuerdos sino que los reescribimos una y otra vez–, pero en todo caso los recuerdos de nuestras vidas son lo que somos, y esta película es ante todo Nick Cave confrontando su pasado. Su infancia en la Australia rural, su padre, su primera experiencia sexual, sus usos y abusos con las drogas, sus escarceos con la religión y, sobre todo, su miedo a perder todos esos recuerdos.

En segundo lugar, 20.000 días en la Tierra es también una meditación sobre lo que ser un performer implica: Cave admite que al subir al escenario se siente sobrehumano, que se convierte en la persona que siempre quiso ser. Y si asumimos que esta película es para él un escenario más sobre el que deleitarse alargando su propia mitología –de un modo tan irónicamente autocrítico que el efecto nunca es egomaníaco–, entonces habrá que aceptar que todo en ella es construcción, todo es actuación. ¿Le resta eso honestidad? Al contrario, la convierte en la radiografía perfecta de un artista en permanente proceso de configurar y reconfigurar su propia imagen, equilibrio perfecto entre el artificio deliciosamente pretencioso y la autenticidad; y a la vez subraya su poder no sólo como retrato de un músico que explora el significado de su arte, sino como solución para todo aquél que ande necesitado de inspiración.

Días 18 y 19 de mayo: “Leviatán” de Andrey Zvyagintsev

Publicado: 5 mayo, 2015 de Cine Club Alcarreño en Sin categoría

Leviatan-2014_cartelLEVIATÁN

Dirección: Andrey Zvyagintsev Reparto: Elena LyadovaVladimir VdovichenkovAleksey SerebryakovRoman Madyanov y Anna Ukolova

Título en V.O.: Leviafan Nacionalidades: Rusia Año: 2014 Fecha de estreno: 01-01-2015 Duración: 141 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Oleg Negin y Andrey Zvyagintsev Fotografía: Mikhail Krichman Distribuidora: Golem

Sinopsis:

Kolia vive en un pueblito a orillas del mar de Barents, al norte de Rusia. Tiene un taller de mecánica al lado de su casa, donde vive con su joven esposa y su hijo, fruto de una relación anterior. El alcalde del pueblo está decidido a apropiarse de la casa y del taller de Kolia a toda costa. Primero intenta comprar el terreno, pero Kolia no está dispuesto a vender.

 

Crítica de Javier Ocaña para el diario “El País”:

Leviathan, del ruso Andrei Zvyagintsev, autor de las potentísimas El regreso, León de Oro en Venecia 2003, y Elena, Premio Especial del Jurado de Una Cierta Mirada, en Cannes hace dos años.

Escalofriante visión de la Rusia contemporánea, ahogada en vodka, corrupción y violencia, la película aborda la clásica lucha entre el héroe anónimo y el (anti)sistema por no vender un trozo de tierra que ha sido hogar durante generaciones, necesario para el aprovechamiento propio y el manejo de dinero por parte de un mafioso oligarca que no es sino el alcalde del pueblo. Con la particularidad de que en realidad ese típico luchador anónimo es otro alcohólico atroz, como todos los personajes de la película, y padre violento, que nada tiene de héroe, lo que acaba configurando la historia como un paradójico western del Este.

Un trabajo imponente a base de planos casi fijos de enorme carga simbólica, en el que se cita explícitamente el mito bíblico del Leviatán, asociado a la figura de Satán (¿es el alcalde, es el propio protagonista, es Rusia como poder maléfico?), y, sin citarlo, al Leviatán de Hobbes, que también suele verse como una justificación del estado absoluto, sin separación de poderes (¿otra denuncia de la Rusia actual?).

Días 4 y 5 de mayo: “Mommy” de Xavier Dolan

Publicado: 28 abril, 2015 de Cine Club Alcarreño en Sin categoría

Mommy_cartelMOMMY

Dirección: Xavier Dolan Reparto: Anne DorvalAntoine Olivier PilonSuzanne Clément,Patrick HuardAlexandre Goyette y Isabelle Nelisse Título en V.O.: Mommy

Nacionalidades: Canadá Año: 2014 Fecha de estreno: 05-12-2014 Duración: 134 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Xavier Dolan Fotografía: André Turpin Música: Eduardo Noya Distribuidora: Yedra Films

Sinopsis:

En una Canadá ficticia, se aprueba un ley que permite que los padres incapaces de controlar a sus hijos problemáticos les internen en un centro especial. Sin embargo, Diane “Die” Despres, una madre viuda con carácter, decide educar ella misma a su hijo adolescente Steve, que padece ADHD y que puede llegar a resultar violento. Kyla, la vecina de enfrente de su casa, le ofrece su ayuda a Die. La relación entre los tres se hará cada vez más estrecha, surgiendo preguntas sobre el misterio de su vida.

 

 

Crítica de Oti Rodríguez Marchante para el diario “ABC”:

Con veintipocos años y media docena de películas, el canadiense Xavier Dolan se convierte con la extraordinaria «Mommy» en el oxímoron, o mejor, en la paradoja de un director maduro en su inmadurez. Aún el sustento argumental y emocional de esta película es una penosa y profundísima relación maternofilial, como en la estela de su primera «Yo maté a mi madre», pero que alcanza aquí un descorazonador desequilibrio dramático que la convierte en un lamento ponderado, en un estertor ecuánime? Una película que se llena y se vacía no sólo de un modo sentimental, sino también físico, geométrico, cuya pantalla se ensancha y se estrecha al compás del corazón de su protagonista, un adolescente con un severo trastorno que igual mueve a la bofetada que al abrazo sin cambiar de plano.

La historia es la de este joven con su madre viuda, que han de encajar en la misma vida como si fueran personajes de obras distintas, pero unidas por un raro control de la anarquía y de la histeria?, y ese interior del alma de la película le da sentido al exterior anárquico e histérico con el que Dolan recubre su narración, incontables veces atravesada por lasensación molesta del grito, la violencia, la incomodidad, la incomprensión y el apunte de una soledad de abismo. El trabajo del joven actor Antoine-Olivier Pilon (protagonista de su videoclip sobre Indochine) es descomunal, de enorme desgaste físico y de sutilísima armonía en la creación de odio y de afecto, o de necesidad de afecto; y enfrente está la actriz dolaniana Anne Dorval, que domina lo áspero de su personaje también disléxico en su función de obstáculo y de regazo, y con la flecha de su brújula orientada entre la tragedia y la comedia. Y aún le cabe a Xavier Dolan un tercer hilo que mover, una fuerte tensión que controlar, la del personaje de la vecina, Kyla, estremecedor y fundamental, que interpreta incluso por arriba de las circunstancias Suzanne Clément, que pone el alma en su circunstancial tartamudez y boba vida.

No es difícil encontrarse rodeado de esta película agresiva, enojosa y perturbadora; o sea, tener que defenderse de ella (el protagonista lo hace con cascos y música especial que escuchamos), pero Dolan sublima su terrible historia con elementos narrativos fabulosos, como el de la pantalla como un estado de ánimo, incluso con el «pegote» de la vida que nunca será? Es cuestión de opiniones, pero ésta es que «Mommy» le devuelve a la idea de mal rato una dignidad, entraña y sensibilidad que sublima y merece el esfuerzo.

Blackfish_cartelBLACKFISH

Dirección: Gabriela Cowperthwaite Nacionalidades: USA Año: 2013 Fecha de estreno: 31-10-2013 Duración: 83 min. Género: Documental Color o en B/N: Color Guión: Gabriela Cowperthwaite y Eli B. Despres Fotografía: Jonathan Ingalls y Chris Towey

Música: Jeff Beal Distribuidora: karma Films

Sinopsis:

Tilikum es una orca que fue responsable de la muerte de tres personas, entre ellas una experimentada entrenadora. “Blackfish” muestra las consecuencias, a veces devastadoras, de mantener a esas inteligentes y sensibles criaturas en cautiverio.

 

Crítica de Javier Ocaña para el diario “El País”:

El punto de partida provocador del conflicto dramático en la extraordinaria De óxido y hueso era uno de esos accidentes que a veces se producen cuando el hombre juega a meter baza en el desarrollo natural de la Tierra: a una mujer, a una veterana entrenadora de orcas en un espectáculo para niños y grandes, el animal le comía ambas piernas. Una imagen que, asociada desde entonces al trabajo de la inmensa Marion Cotillard, abandona el terreno de la ficción más o menos basada en hechos reales para adentrarse ahora en el área del documental con Blackfish, impactante trabajo de la estadounidense Gabriela Cowperthwaite, con el que se reflexiona sobre este tipo de accidentes. El hombre y el animal. La naturaleza y la cautividad. Lo natural y lo artificial. El trabajo y la muerte.

La secuencia de arranque, más auditiva que visual, es brutal: la llamada real de un trabajador del (presunto) espectáculo a policía y ambulancias, abordando un tema nada baladí: “La orca se ha comido a su cuidadora”. Espeluznante. A partir de ahí, Cowperthwaite va abordando todos los frentes: los entrenadores, cómo empezaron, cómo aprendieron, cómo convivieron con el respeto y el miedo, cuándo sospecharon que el drama estaba al acecho; también las grandes empresas dedicadas al asunto, los intereses económicos; la caza de ballenas; los juicios posteriores… Todo ello acompañado de grabaciones con diversos momentos de amor-odio entre el hombre y el monstruo. Pero ¿quién es el monstruo? ¿Quién es el inteligente en este caso? “¿Cómo hicieron para soltar… el, ya sabe…”. Incluso las conversaciones telefónicas entre policía y trabajadores dan para una tesis psicológica. “¿El brazo?”. “Sí, el brazo”. “No lo soltó, se lo tragó”.

Documental de denuncia social, e incluso política, Blackfish, siempre interesante, ejerce la labor que a veces debe articular el cine documental: poner sobre la mesa hechos dados como naturales en la vida diaria (llevar a nuestros hijos a tal o cual sitio), desarrollarlos como conflicto y motivar la reflexión.

Días 20 y 21 de abril: “Timbuktu” de Abderrahmane Sissako

Publicado: 14 abril, 2015 de Cine Club Alcarreño en Sin categoría

Timbuktu_cartelTIMBUKTU

Dirección: Abderrahmane Sissako Reparto: Abel JafriHichem YacoubiKettly NoëlPino Desperado yToulou Kiki Título en V.O.: Timbuktu Nacionalidades: Dinamarca Año: 2014 Fecha de estreno: 06-02-2015 Duración: 100 min. Color o en B/N: Color Guión: Abderrahmane Sissako y Kessen Tall Fotografía: Sofian El Fani Música: Amin Bouhafa Distribuidora: Golem

Sinopsis:

Año 2012, la ciudad maliense de Tombuctú ha caído en manos de extremistas religiosos. Kidane vive tranquilamente en las dunas con su esposa Satima, su hija Toya e Issam, un niño pastor de 12 años. Pero en la ciudad los habitantes padecen el régimen de terror impuesto por los yihadistas: prohibido escuchar música, reír, fumar e incluso jugar al fútbol. Las mujeres se han convertido en sombras que intentan resistir con dignidad. Cada día, unos tribunales islamistas improvisados lanzan sentencias tan absurdas como trágicas. El caos que reina en Tombuctú no parece afectar a Kidane hasta el día en que accidentalmente mata a Amadou, un pescador que ha acabado con la vida de su vaca favorita. Ahora debe enfrentarse a las leyes impuestas por los ocupantes extranjeros.

 

Crítica de Carlos Boyero para el diario “El País”:

Es Timbuktu el retrato más escalofriante y con sensación de veracidad que he visto sobre el yihadismo; las imágenes y la atmósfera son de primera clase, condición indispensable para que cualquier historia merezca ser contada. Y no está dirigida por la propaganda occidental, con sus infinitos medios y su capacidad para que las denuncias, amañadas o no, verdaderas o manipuladas, lleguen a infinito público, sino desde el corazón de ese infierno, con gente que parece no interpretar sino que han vivido en su propia piel esa barbarie. La dirige el mauritano Abderrahmane Sissako y está claro que sabe de lo que habla. También consigue transmitir al espectador la furia reposada de los verdugos, el miedo de los habitantes de Tombuctú ante esos invasores que van a prohibirles sus eternas costumbres en nombre de Alá, y porque tienen el poder de las armas o simplemente el poder, la insumisión imaginativa de algunas víctimas y la desesperada resignación de otros, la necesidad de sobrevivir a pesar de los pesares.

La imagen inicial y la que cierra la película son las de una gacela perseguida por sus divertidos cazadores. Vale como símbolo, pero la realidad todavía es más cruda. Tal vez no acabe en la muerte, pero sí en la humillación cotidiana, la imposición de cosas con aroma surrealista. A saber: las mujeres no sólo irán encapuchadas en público, sino que será obligatorio el uso de calcetines y guantes (por si la carne roza algo impuro, imagino), estará prohibido fumar (del alcohol ni hablemos, siempre ha sido y será cosa de jeques), cantar, tocar ningún instrumento musical, jugar al fútbol, escuchar música y más cosas que cualquier cerebro mínimamente amueblado juzgará como demenciales. Con lo de follar los talibanes son más comprensivos (imagino que con el exclusivo propósito de crear guerreros para el Altísimo), pero si las tentaciones de la carne ceden al adulterio, enterrarán en un hoyo a los fornicadores y se los cargarán a pedradas.

Sissako habla con enorme poder de observación, con un realismo doloroso, aunque también sepa utilizar inteligentemente la elipsis ante determinadas salvajadas, de este catálogo de infamias impuestas. Lo hace rodeando la historia de una entrañable familia de tuaregs condenados a la tragedia, aceptada con determinismo y sin gestos enfáticos.

Es gozoso que esta película la haya realizado un musulmán tan inteligente como indignado, tan humano como representativo de que no todo está perdido en la rebeldía de muchos fieles del islam contra la intolerancia y el deber de derramar sangre impura. La exhibición de esta película ha sido amenazada. Normal, misión cumplida. Y sobre todo, con arte.

Días 13 y 14 de abril: “Frances Ha” de Noah Baumbach

Publicado: 31 marzo, 2015 de Cine Club Alcarreño en Sin categoría

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FRANCES HA

Dirección: Noah Baumbach Reparto: Greta GerwigMickey SumnerMichael EsperAdam Driver yMichael Zegen Título en V.O.: Frances ha Nacionalidades: USA Año: 2014 Fecha de estreno: 04-04-2014 Género: Comedia y Drama

Color o en B/N: Color Guión: Noah Baumbach y Greta Gerwig Fotografía: Sam Levy Distribuidora: Yedra

Sinopsis:

Frances (Greta Gerwig), una joven de 27 años, ha decidido, a pesar de su edad, cumplir su sueño de ser bailarina en una compañía de danza de Nueva York. Vive con una amiga y disfruta de la vida con alegría y despreocupación, a pesar de que desea mucho más de lo que tiene. Una fábula moderna sobre la juventud, la amistad, la ambición, la lealtad y el optimismo.

 

Crítica de Javier Ocaña para el diario “El País”:

La influencia de Woody Allen en el cine contemporáneo no tiene fin. Y, sin embargo, a pesar del reflejo, a pesar de la evidencia, de vez en cuando sale un aparente simulador que, paradójicamente, revela una maravillosa autenticidad. Por ejemplo, Noah Baumbach.

En Frances Ha, el autor de las magníficas Una historia de Brooklyn(2005) y Margot y la boda (2007), excéntricas, luminosas y, al mismo tiempo, desesperanzadoras películas alrededor de la familia, y coguionista de Life aquatic y de Fantástico Mr. Fox, ambas dirigidas por Wes Anderson, se centra esta vez en una veinteañera neoyorquina que bien podría ser la sosias del joven Woody de Annie Hall, Manhattan yRecuerdos: una chica maravillosamente descentrada, amorosamente torpe, fundamentalmente excéntrica, ni guapa ni fea sino todo lo contrario, de la que te acabas enamorando sin remedio.

Las letras blancas sobre fondo negro que inician la película, tipografía casi exacta, y las que van dando paso a los distintos capítulos de la odisea por la ciudad de la protagonista, enmarcados cada uno en un cambio de casa, en un cambio de barrio, remiten de forma clarísima al cine de Allen. También el tono de comedia con tintes complejos e incluso dramáticos, armada sobre las excentricidades de su joven criatura. Pero siempre hay algo que se separa de Allen para convertirlo en puro Baumbach. Como esa insólita, casi mágica, utilización de la banda sonora, nada acomodaticia, siempre pertinente con el tono de la secuencia, aunando elegancia y estrambote para acabar conformando un universo cómico con un afilado matiz dramático alrededor del doloroso devenir de una joven bailarina sin la suficiente brillantez para dejar de ser una suplente, de una chica que a veces ni siquiera sabe controlar su simpatía, de una mujer guapa pero no tanto, de una persona con aspiraciones de primera, siempre relegada al segundo plano, de un ser que ambiciona la independencia mientras quiere estar rodeada de amistad, que busca y busca la cúspide. Una contradicción. Quizá como todos nosotros. Una chica que borda Greta Gerwig, musa del llamado cine mumblecore, algo así como la puesta al día del cine de guerrilla de palabrería e identificación.

En glorioso blanco y negro, Frances Ha, prima hermana gamberra de la alemana Oh boy, se constituye así como un soplo de autenticidad salido de un terreno tan reconocible como el del Woody de finales de los años setenta, de conversaciones de apariencia intrascendente que esconden una gran complejidad, de charlas sobre los grandes temas del ser humano desplegadas sin alharacas. Una película de apariencia sencilla y espectacular armazón emocional.

Días 30 y 31 de marzo: “Magical Girl” de Carlos Vermut

Publicado: 30 marzo, 2015 de Cine Club Alcarreño en Sin categoría

Magical-Girl_cartelMAGICAL GIRL

Dirección: Carlos Vermut Reparto: José SacristánBárbara LennieLuis BermejoJavier Botet,Elisabet GelabertLucía Pollán y Israel Elejalde Nacionalidades: España y Francia Año: 2014 Fecha de estreno: 17-10-2014 Duración: 127 min.

Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Carlos Vermut Fotografía: Santiago Racaj

Distribuidora: Yedra

Sinopsis:

Luis (Luis Bermejo), profesor de literatura en paro, trata de hacer realidad el último deseo de su hija Alicia (Lucía Pollán), una niña de 12 años enferma de cáncer terminal: tener el vestido oficial de la serie japonesa de dibujos animados “Mágical Girl Yukiko”. El elevado precio del vestido llevará a Luis a intentar encontrar el dinero de forma desesperada cuando conoce a Bárbara (Bárbara Lennie), una atractiva joven casada que sufre trastornos mentales, a su vez relacionada con Damián (José Sacristán), un profesor retirado con un tormentoso pasado. Los tres quedarán atrapados en una oscura red de chantajes, en la que instinto y razón entran en conflicto.

Crítica de Jordi Batlle Caminal para el diario “La Vanguardia”:

Magical girl es un drama seco y desencantado regido por el número tres (tres personajes centrales y un relato escurridizo dividido en tres actos: Mundo, Demonio y Carne) y filtrado por el tamiz del thriller. Los tres protagonistas son criaturas castigadas por la vida, almas perdidas de inciertos horizontes. Uno (Luis Bermejo) es un profesor en paro forzoso, padre de una niña enferma de leucemia adicta al manga. Otro (José Sacristán) es también profesor y por alguna razón que no descubriremos hasta mucho más tarde ha pasado un tiempo entre rejas. El tercer personaje (o primero: la importancia de cada uno es intercambiable a lo largo del metraje) es mujer (Bárbara Lennie), o mujer fatal, enganchada a las pastillas a causa de angustias o depresiones. La película introduce cada personaje gradualmente a través de una estructura narrativa sutil y persuasiva, como si de tres historias independientes se tratara, para poco a poco ir enlazándolas a veces de modo casual: un vómito, por ejemplo, ata los destinos del primer y el tercer personaje citados.

Llegados a este punto, los críticos debemos callar: el rompecabezas que es Magical girl va poniendo sus piezas en orden (significativamente un puzle al que le falta una pieza aparece a media función) con impecable precisión, y sería imprudente desvelar más senderos. Lo que urge constatar es la sabiduría con que está elaborada la obra, el sereno equilibrio de una puesta en escena y un tono que hacen pensar en Fritz Lang, la riqueza de detalles, la magnífica labor de sus intérpretes, la desbordante, perturbadora y a la postre fascinante complejidad psicológica de los personajes. Méritos que certifican el talento de Carlos Vermut, autor previamente de Diamond Flash, instantánea cult movie macerada no tanto en salas comerciales como en plataformas alternativas y a quien hay que situar ya en la formación de francotiradores del nuevo cine español como Javier Rebollo, Jaime Rosales o Manuel Martín Cuenca.