Días 19 y 20 de noviembre: “Lady Bird” de Greta Gerwig

LADY BIRD

Dirección: Greta Gerwig Reparto: Saoirse Ronan, Laurie Metcalf, Lucas Hedges , Tracy Letts, Danielle Macdonald, Timothée Chalamet, Beanie Feldstein, John Karna Nacionalidad: USA Año: 2017 Fecha de estreno: 23-02-2018 Duración: 94 Género: Comedia  Guión: Greta Gerwig Distribuidora: Universal Pictures

Sinopsis:

Una joven estudiante que se hace llamar “Lady Bird” se muda al norte de California para pasar allí su último año de instituto. La joven, con inclinaciones artísticas y que sueña con vivir en la costa Este, tratará de ese modo encontrar su propio camino y definirse fuera de la sombra protectora de su madre.

Crítica de Andrea G. Bermejo para la revista “Cinemanía”:

El día que Lady Bird se marcha a la universidad recibe una carta que dice: “Cuando me quedé embarazada de ti fue un milagro porque ya era mayor”. Aunque su madre no se ha atrevido a dársela, su padre se la ha escondido en la maleta. Tampoco ha querido despedirse en el aeropuerto pero luego ha llorado en el coche como quien ve marchar al amor de su vida. Pues de eso va la ópera prima de Greta Gerwig en solitario, del amor entre una madre y una hija.

El esperado debut de la actriz y guionista de Frances Ha ha llegado a la temporada de premios convertido en una bandera. Los Globos de Oro “olvidaron” nominarla en la categoría de mejor dirección revelando un #MeToo tan perverso y más sibilino que el del acoso físico: el que se esconde tras la afirmación de que “Lady Bird es una película pequeña”. Pero ¿qué tiene de pequeña una película que goza de un guión exquisito, una fotografí́a y un color tan medidos que nos transportan a un nostálgico 2003 o las interpretaciones excelentes, conmovedoras, que desbordan la personalidad de sus actores? ¿Acaso es por su caligrafía, tan alejada de la espectacularidad bélica de Nolan o de la épica periodística de Spielberg, competidoras en tal categoría?

Lady Bird arranca con una cita de Joan Didion sobre Sacramento, ciudad en la que las dos artistas nacieron y crecieron. Gerwig ha contado que descubrir ese dato supuso para ella una experiencia de trascendencia espiritual, pues hasta entonces había pensado que el arte debía de tratar solo de las cosas grandes e importantes. Didion le había demostrado que podía escribir sobre lo que quisiera y que lo esencial era saber observar. No es raro, por tanto, que Lady Bird traduzca al cine la prosa cristalina y profunda de la escritora californiana, pero sí que Gerwig tenga que probar otra vez que la narrativa sencilla y clara no es peor que la alambicada. Tampoco cuesta imaginarse por qué su ópera prima es un homenaje a Sacramento, ciudad que Lady Bird sueña con abandonar durante su último curso de colegio y cuyo rechazo sirve de hilo conductor para pelearse con su madre a todas horas.

Para convertirse en Christine McPherson, Lady Bird tiene que enamorarse varias veces, saber valorar lo que implica vivir al otro lado de las vías del tren, perder la virginidad estrepitosamente, defraudar y recuperar a su mejor amiga y odiar Sacramento para poder valorarlo desde Nueva York. Tanto como el amor de su madre, intenso, complejo y demandante en la cercanía, pero inabarcable, real y tierno de lejos. Desde luego, un amor que no cabe en una “película pequeña”.

Globos de Oro: Mejor película comedia o musical y actriz (Saoirse Ronan)

Premios Independent Spirit: Mejor guión

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Días 12 y 13 de noviembre: “La Cámara de Claire” de Hong Sang-soo

 

 

LA CÁMARA DE CLAIRE – (Keul-le-eo-ui Ka-me-la)

Dirección: Hong Sang-soo

Reparto: Isabelle Huppert, Kim Min-Hee , Chang Mi-hee, Young Jung-Jin

Título en V.O: La caméra de Claire Nacionalidad: Corea del Sur Año: 2018 Fecha de estreno: 13-07-2018 Duración: 69 Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Hong Sang-soo Música: Dalpalan Distribuidora: La Aventura Audiovisual

Sinopsis:

Durante un viaje de negocios al Festival de Cannes la joven Manhee (Kim Min-hee), asistente de ventas de una distribuidora, es despedida por su jefa acusada de ser deshonesta, pero en el fondo por una cuestión de celos. Por suerte, conocerá allí a una profesora llamada Claire (Isabelle Huppert), que hace fotos con su cámara Polaroid. Cada una de ellas tiene una peculiar visión de la vida, y juntas lograrán entender sus mundos.

Crítica de Luis Martínez para el diario “El Mundo”:

Hace tiempo que Hong Sang-soo ha hecho de su constante actividad una forma de explicarse y de explicar el propio cine. El mismo año en que el coreano competía en Cannes con The Day After, presentaba fuera de concurso La cámara de Claire. La primera en blanco y negro; la segunda en color. Una, soportada por largos planos detenidos en su amargura más íntima; la otra, luminosa, radiante, feliz incluso. Las dos con la actriz Kim Min-hee y a vueltas con los celos, el desprecio y consigo mismo.

Digamos que se trata de un díptico perfecto, grave y liviano con la misma claridad. El mejor resumen de Sang-soo. Lo que vemos ahora es una de las partes. Rodada durante el propio festival con la complicidad y sabiduría de Isabelle Huppert, la cinta narra el encuentro entre dos mujeres. Una ha sido despedida tras una relación con su jefe y la otra consuela, escucha y sana las heridas. Lo que sigue es un delicado ejercicio de cine a la vez vital y muy enfermo. Casi terminal. El cine se duplica en cada instantánea de la cámara de Claire. Y muta. Nunca es el mismo. Perfecta.

La imagen que ofrece de Cannes lejos del bullicio del festival resulta tan extraña como irrenunciable. Luminoso retrato de cine en femenino.

Día 7 de noviembre: “La Muerte en la Alcarria” de Fernando Pomares. Documental sobre Los Hermanos Cubero en el Teatro Moderno.

EN COLABORACIÓN CON EL FESTIVAL MUSICAL KE KAÑA, podremos disfrutar del arte de Los Hermanos Cubero en el Teatro Moderno.

 

 

“MUERTE EN LA ALCARRIA”

Dirección y Guión: Fernando Pomares. Reparto: Enrique y Roberto
Cubero.Fotografía: Albert Badia. Productora: Travelogue Studio. Duración: 83’.

Sinopsis:

Dos hermanos músicos viajan a través de sus orígenes en un western musical en tierras alcarreñas, y durante el viaje interpretarán sus canciones, que evocan un mundo de raíces que fue pero que ya no es. Un poema al arte de Los Hermanos Cubero y el mundo que desprenden de sus canciones. Una película de sentidos, de paseos, de silencios y de buena música popular, intensa y personal.

Las palabras son cansancio. Por allá andan los dos hermanos Cubero, trajeadas anomalías del bluegrass y la música tradicional, y se les acaba de estropear el buga en mitad de la Alcarria. Sin abrir boca –exceptuando la cadena de piezas que interpretan en directo- los hermanos empiezan a andar, héroes de un filme en blanco y negro que es puro cine de autor. Como un París, Texas en mudo y castellano. Como Jim Jarmusch con eco de bandurrias. Extraviados en la estepa, los Cubero cantan y topan con espectros, seres enigmáticos, miedos nocturnos, olivos, pueblos fantasma y carreteras desiertas. Sacristías y hierbajos. Almuerzan a la sombrita y luego siguen a pata, fundas de instrumento en mano y zapatos polvorientos. El espectador no sabe si es un sueño; las caras de los protagonistas no dejan traslucir emoción alguna. Solo cuando se acercan a los micrófonos; entonces sí se les oye, y cómo. Un paseo por el limbo castellano, de la mano del dúo más singular de la música popular española.

 

Aquí os dejamos, por si os apetece revisitarlo, el enlace de su actuación musical que tuvo lugar en la puerta del Teatro, cuando colaboraron con la Asociación Amigos del Moderno para su reapertura.

También os recordamos que podremos volver a disfrutar de su música en directo en Guadalajara, será el sábado 10 a partir de las 20:00 horas en el Espacio TYCE, dentro de los conciertos del propio Festival.

Días 5 y 6 de noviembre: “Custodia Compartida” de Xavier Legrand

 

CUSTODIA COMPARTIDA – (Jusqu’â la Garde)

Dirección: Xavier Legrand Reparto: Léa Drucker, Denis Ménochet, Thomas Gioria, Mathilde Auneveux, Coralie Russier Título en V.O: Jusqu’à la garde Año: 2017 Fecha de estreno: 20-04-2018 Duración: 90 Género: Drama Color o en /N:Color Guión: Xavier Legrand Distribuidora: Golem

Sinopsis:

Myriam y Antoine Besson se han divorciado, y ella solicita la custodia exclusiva de su hijo Julien para protegerlo de un padre al que acusa de violento. Antoine defiende su caso como un padre despreciado, y la juez del caso sentencia a favor de la custodia compartida. Rehén del creciente conflicto entre sus padres, el joven Julien se ve empujado al límite.

Crítica de Carlos Boyero para el diario “El País”:

Resulta intolerable ser testigo del sufrimiento de los niños, su machaque, su terror. Y nadie en su sano juicio certificaría que todos ellos son ángeles, sabemos que en ocasiones pueden ser crueles entre ellos, abusar de los más débiles, cebarse sin piedad con los que padecen taras físicas o psíquicas. Pero también representan la vulnerabilidad extrema, la ausencia de culpa, la inocencia amenazada.

La película francesa Custodia compartida, meritoriamente dirigida por el principiante Xavier Legrand, habla inicialmente de algo tan frecuente y lamentablemente rutinario como un divorcio y el consecuente proceso judicial para lograr la custodia de los hijos. Es una secuencia muy larga en la que las abogadas de las dos partes utilizan ante la jueza la esgrima verbal para lograr que sus representados se lleven la mejor parte en la custodia de los hijos. Y comparto la opinión de un amigo de que en esa vistilla en la que los litigantes permanecen callados hay un fallo de casting. La apariencia de él es amenazante, la de ella excesivamente cándida. A partir de ahí se narra una historia progresivamente inquietante y que acaba en estado de puro terror.

Por supuesto, todo el mundo sufre en estas siniestras movidas y posee sus razones. Incluso la obcecada bestia, incapaz de admitir el definitivo naufragio de su matrimonio, el distanciamiento y el miedo que sienten hacia él sus hijos y la que fue su esposa. Y lamento el calvario que sufre esta y la hija adolescente, pero lo que más me impresiona es el llanto, el horror y la parálisis del niño pequeño. Su madre y su hermana poseen defensas, también hombres que las quieren, pero la intemperie emocional del crío, su continuo temor a las volcánicas explosiones del padre, a la permanente amenaza que late en él me provocan dolor y piedad.

Es una película áspera, incómoda, sin concesiones sentimentales, con un tono voluntariamente terroso, apegado a la realidad. Y te asalta el escalofrío con la tenebrosa estadística que esta te ofrece. Que se repite en cualquier lugar la aparición de enloquecidos o fríos salvajes que asesinan a su pareja y a los hijos que engendraron ejerciendo la venganza más sádica. Y luego se suicidan o lo intentan. Y podrías entender los motivos de su desesperación, que se sientan acabados al perder a los suyos. O sea, que se maten. Lo cual puede ser tan razonable como trágico. Pero que dejen en paz a los demás. No son gente desolada. Son la encarnación del mal.

Festival de Venecia: Mejor director y Mejor ópera prima

Festival de San Sebastián: Premio del Público al Mejor film europeo

Días 29 y 30 de octubre: “Casi 40” de David Trueba

CASI 40

Dirección: David Trueba Reparto: Lucía Jiménez, Fernando Ramallo, Vito Sanz, Carolina África, Julio César Tortuero Título en V.O: Casi 40 Nacionalidad: España

Año: 2018 Fecha de estreno: 29-06-2018  Duración: 87 Guión: David Trueba

Distribuidora: Avalon

 

Sinopsis:

Una modesta gira de conciertos vuelve a reunir a dos amigos de juventud. Ella, cantante de éxito, ya retirada de la escena. Él, que sobrevive como vendedor de productos cosméticos, pretende relanzar la carrera musical de quien fue su amor de adolescencia.

Crítica de Javier Ocaña para el diario “El País”:

David Trueba recupera dos personajes de su juventud y, ya en la madurez, la de ellos, casi 40, y la del propio director, casi 50, nueve largometrajes en la espalda, le hace una peineta a la sociedad con su calma y su sonrisa habitual.

Con el mismo tono de amarga comedia romántica que ya tenía la película original, La buena vida (1996), su excelente debut como director, Casi 40 se convierte en una road movie con apuntes de musical en directo que, de un modo sutil, advierte de los saltos y los tumbos que han dado las vidas de sus dos protagonistas en estas dos décadas y pico, y se desdobla hasta la visión de un presente aparentemente dispar para cada uno de ellos, pero en el fondo quizá igual de áspero.

Con una puesta en escena directa, más asentada en la elegancia del encuadre que en los movimientos de cámara y el montaje, Trueba articula una visión de España y los españoles en su relativa madurez, con la que parece que estés leyendo sus columnas en este periódico, pero sin que la sucesión de temas parezca impostada, como una especie de lista de la compra de la vida, que la emparenta claramente, tanto desde fuera como desde dentro, con la, en cierto modo, película hermana: Antes del atardecer, la segunda entrega del proyecto vital y artístico de Richard Linklater, Ethan Hawke y Julie Delpy.

Sosegada y sencilla, profunda y crítica, Casi 40, Premio Especial del Jurado en el Festival de Málaga, provocará la introspección del espectador, del que está pasando por esa edad, del que pasó y del que pasará. Algunos se sentirán amparados; otros, concernidos, y algunos más, criticados, aunque solo si estos son lo suficientemente inteligentes para leer entre líneas o para escuchar en los silencios. Porque la película nunca es sectaria, a machamartillo con su visión del mundo, sino abierta. Como tampoco es reaccionaria ni nostálgica, sino esperanzadora con un presente en calma y en equilibrio, pese a la sabiduría de que seguramente eso sea imposible. Y esa certeza de improbabilidad ya es un modo de ser más sabio que el de los demás.

Festival de Málaga: Biznaga de Plata

Días 22 y 23 de octubre: “En la Sombra” de Fatih Akin

 

EN LA SOMBRA – (Aus dem Nichts)

Dirección: Fatih Akin

Reparto: Diane Kruger, Siir Eloglu, Denis Moschitto, Numan Acar, Ulrich Tukur

Título en V.O: Aus dem Nichts Nacionalidad: Alemania

Año: 2017 Fecha de estreno: 23-02 2018

Duración: 100

Género: Drama

Color o en B/N: Color Guión: Fatih Akin, Hark Bohm  Distribuidora: Golem

Sinopsis:

La vida de Katja se hunde cuando su marido y su hijo mueren en un atentado con bomba. Tras el duelo y la injusticia, llegará el tiempo de la venganza. 

Crítica de Federico Marín Bellón para el diario “ABC”:

Se tiene o no se tiene, y a Fatih Akin le sobra pulso narrativo. Sabe contar una historia y atrapar al espectador pese a no darle la menor satisfacción. En esta película todos los personajes sufren, nunca pasa nada agradable. Ni siquiera la boda del arranque proporciona felicidad. Pero no teman, que tampoco es el típico dramón lacrimógeno en el que solo suceden desgracias.

El cineasta aprieta, pero su intención es contar un caso real de violencia neonazi, recorrer un largo camino, de la cárcel al infierno, para el que no necesita el sensacionalismo de escenas escabrosas. La puesta en escena es impecable, eficaz, siempre a la velocidad necesaria, con un buen uso de la banda sonora y de los silencios. En diez minutos pasan más cosas que en varias películas juntas.

Diane Kruger no tiene tanto protagonismo en esta página como en la cinta, en el que quizá sea su mejor papel. En Cannes lo tuvieron claro. La actriz brilla como un piano perfectamente afinado, capaz de clavar cualquier nota, las blancas y las negras. Con Akin de intérprete, da un recital al lado de un reparto elegido con astucia. El abogado «bueno» es bueno, pero el malo es muchísimo mejor, como decía Mae West de sí misma. La calidad del villano, nos lo enseñó Hitchcock, es esencial, aunque la cinta bordea el maniqueísmo y llega a un desenlace discutible.

El dilema moral que plantea sí puede causar incomodidad, como si el arte no estuviera obligado a eso.

Festival de Cannes: Mejor actriz (Diane Kruger)

Globos de Oro: Mejor película de habla no inglesa

Satellite Awards: Mejor película de habla no inglesa y Actriz (Kruger)

Días 15 y 16 de octubre: “Invitación de Boda” de Annemarie Jacir

 

INVITACIÓN DE BODA (WAJIB)

Dirección: Annemarie Jacir  Reparto: Saleh Bakri, Mohammed Bakri, Maria Zreik
Título en V.O: Wajib Nacionalidad: Francia, Palestina Año: 2017 Fecha de estreno: 27-04-2018 Duración:96 Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Annemarie Jacir Fotografía: Antoine Héberlé  Distribuidora: Festival Films

Sinopsis:

Abu Shadi, de 60 años, vive en Nazareth, y es padre divorciado y profesor de escuela. Su hija se va a casar y Abu tiene que vivir solo hasta que su hijo, un arquitecto que vive en Roma desde hace muchos años, llegue para ayudarlo con la preparación de la boda. Como exige la tradición palestina local, tienen que entregar la invitación a cada invitado personalmente. Mientras padre e hijo, apenas unos desconocidos, pasan unos días juntos, su frágil relación se verá puesta a prueba. 

Crítica de Javier Ocaña para el diario “El País”:

Nazaret, la ciudad de Israel con mayor población árabe, es el escenario perfecto para una película de carretera en la que los personajes avanzan en lo moral mientras no dejan de dar vueltas en lo físico. Los conflictos internos, de familia, entre un padre y un hijo que reparten invitaciones de boda, entregadas en mano, sin mediación, como manda la tradición palestina, ejercen de metonimia ideal de los conflictos externos, los que surgen entre las diferentes tradiciones de la ciudad, en lo político, en lo religioso, en lo social.

En su tercer largometraje, Annemarie Jacir, palestina de Belén, ha compuesto con Invitación de vida una road movie clásica en la que no es necesario salir de la ciudad para que se cumplan sus esencias. Como mandan los cánones del subgénero, cada encuentro, cada visita a amigos y familiares, muestra una microhistoria personal, un modelo de relación entre iguales y entre diferentes, un prototipo de los conflictivos vínculos en una ciudad diversa, trascendiendo de este modo desde lo particular hasta lo universal.

Jacir, que ha dado un gran salto de calidad desde su ópera prima, La sal de este mar (2008), también estrenada en España, logra una película fascinante ambientada durante buena parte de su metraje en el interior de un coche. Un reducto donde padre e hijo reflexionan sobre la oportunidad de marcharse y la necesidad de quedarse en una ciudad que nunca los acogió, pero que también es suya. Tradición y modernidad, en continua pugna, aunque entrelazadas como los dedos de dos personas que se aman, que saben mirarse a los ojos y comprender lo que hay dentro. Una fuerza del cariño comandada por dos actores excelentes, Mohammad y Saleh Bakri, padre e hijo en la vida real, forjadores de una bella calma entre el nervio de una ciudad (im)posible.

Sin las desorientaciones de verosimilitud de La sal de este mar, historia de amor que ya se centraba en el mismo subtexto —la colisión entre el que aspira a respirar fuera del conflicto-palestino israelí y el que aún cree que se pueden cambiar las cosas desde dentro—, Invitación de boda, drama con apuntes de comedia premiado en Locarno y Mar del Plata, es una de esas películas para vivir, aprender y soñar. De apariencia sencilla y mensaje complejo, que se escucha y se huele, y que se mantiene firme sobre una línea de corte humanista, tan necesaria en estos tiempos de constante desequilibrio.

Festival de Mar del Plata: Mejor película y actor (Mohammed Bakri)