El Festival Panorámico Musical nos invita a conocer a Ian Curtis + el cortometraje “Nombre, Grado, Unidad” de Julián de la Fuente.

 “CONTROL”

Director: Anton Corbijn Intérpretes: Alexandra Maria Lara, Samantha Morton, Sam Riley País: Australia, Gran Bretaña, Japón, USA Año: 2007. Fecha de estreno: 08-04-2009 Duración: 122 min. Género: Biopic. Distribuidora: Yedra Films.

 

Película sobre el final de Ian Curtis, el enigmático cantante líder de la banda Joy Division, icono del post-punk inglés. Un recorrido por los últimos años de Curtis hasta llegar a su trágico suicidio en 1980; el conflicto entre el gran amor que siente por su esposa y una apasionada relación con su amante, sus ataques de epilepsia que cada vez le dejan más deteriorado, su increíble talento y sus arrolladoras actuaciones en directo.

Los casi dos años transcurridos desde su estreno en Cannes de 2007 han contribuido a alimentar la leyenda de una película que nos cuenta la corta y fulgurante vida de Ian Curtis, líder del grupo Joy Division, sin duda uno de los últimos poetas malditos del siglo XX. La evocación de Curtis nace del libro que su mujer, Deborah, escribió como ejercicio expiatorio que le permitiera comprender por qué un hombre de 23 años, en la cima de su gloria, se quita la vida dejando huérfana no solo a su hija de 1 año, sino al grupo que fundó cuatro años atrás y con el que estaba a punto de conquistar el mundo. La música de Joy Division, y las desencantadas y poéticas letras de Curtis, recorren la película desgranándose en el escenario al ritmo de sus movimientos epilépticos, mientras asistimos al drama personal de un casi adolescente, incapaz de soportar la contradicción entre el amor a su mujer y su hija y la pasión por otra mujer. Corbijn ha evitado la tentación esteticista de muchos magos del videoclip y de la publicidad que saltan al largometraje. Sombría, triste y absorbente, un fascinante retrato de un alma atormentada.

Mención Especial en la Cámara de Oro, Premio de la Juventud y Premio Label Europa Cinema en el Festival de Cannes.

ENTRADA GRATUITA PARA TODO EL MUNDO

 

“NOMBRE, GRADO, UNIDAD”

Esta semana, por estar conmemorándose el 20 aniversario de la caída del Muro de Berlín, antes de la película “Control” de Anton Corbjin, enmarcada dentro del Festival Panorámico Musical, se proyectará el último cortometraje de Julián de la Fuente “Nombre, Grado, Unidad”, rodado por la Asociación Cultural BAIDEFEIS Producciones en diciembre de 2006, la película, ambientada a finales de los años ochenta, cuenta la historia de Luisito, un niño de trece años que comienza a experimentar esa etapa revolucionaria de la adolescencia al tiempo que el mundo cambia drásticamente a su alrededor con la caída del muro.

Una mirada a la sensualidad de Oriente

“ROJO ORIENTAL” – Satin Rouge

Director: Raja Amari Intérpretes: Hiam Abbass, Faouzia Badr, Monia Hichri, Maher Kamoun, Hend El Fahem País: Francia, Túnez Año: 2002. Fecha de estreno: 30-07-2009 Duración: 100 min. Género: Drama musical. Distribuidora: Yedra Films.

Lilia es una viuda aún joven que vive con su hija adolescente Salma. Su existencia es enteramente normal, hasta el momento en que, al intentar proteger a su hija, quien mantiene un romance con un músico de cabaret, descubre la vida nocturna en dichos lugares. Allí, un atrayente e inquietante mundo nuevo, lleno de placeres desconocidos, se abre ante la protagonista, quien descubre en ese ámbito, además de la amistad, su gran talento para la danza, a través de la cual recupera su sexualidad reprimida ante la presión social. Así, Lilia pasa de madre ejemplar a deseada mujer de la noche, aunque eso signifique competir con Salma por el amor del mismo hombre.

Ya sea desde Irán o desde el Líbano (Caramel, Nadine Labaki, 2007), por poner algunos ejemplos, las películas críticas con el machismo en la sociedad musulmana nos van llegando en tromba, cuando antes no había nadie que se atreviese a hacerlo. Rojo oriental, mirada de una manera superficial, vendría a sumarse a esta tendencia de reivindicar la libertad de la mujer para amar, trabajar, en fin, vivir. La historia de una madre y una hija enfrentadas por el mismo hombre está desde los mismos orígenes de Hollywood, pero sirve de gancho para que los no muy fans del cine político vean Rojo oriental con otros ojos.

Esta ópera prima de la directora Raja Amari obtuvo el premio al mejor nuevo director en el Festival Internacional de Seattle y el premio del público al mejor film africano en el Festival de Montral. 

Coppola renace con Tetro

“TETRO”

Director: Francis Ford Coppola Intérpretes: Vincent Gallo, Maribel Verdú, Klaus Maria Brandauer, Carmen Maura, Rodrigo de la Serna, Leticia Brédice, Alden Ehrenreich País: Argentina, España, Italia, USA Año: 2009. Fecha de estreno: 26-06-2009 Duración: 127 min. Género: Drama. Distribuidora: Alta Films.

Bennie Tetrocini llega a Buenos Aires para buscar a su hermano desaparecido hace diez años. El joven Bennie y su familia, (emigrantes italianos en Argentina) se habían mudado a Nueva York debido a la exitosa carrera del padre Carlo, un renombrado director de orquesta sinfónica. Cuando Bennie por fin encuentra a su hermano mayor, el poeta brillante y melancólico ‘Tetro,’ se da cuenta de que es todo lo contrario a lo que él esperaba. En lugar de ser el hermano maravilloso que fue el ídolo de su infancia, el Tetro de ahora es un hombre distante y desilusionado que cambió su nombre, no quiere saber nada de su familia, y ya no escribe. Durante el tiempo que Bennie pasa con su hermano y la novia de éste, Miranda, los dos vuelven a vivir las experiencias tormentosas de su pasado y se revela un secreto terrible.
El nombre de Francis Ford Coppola activa la memoria de todo cinéfilo, los recuerdos de títulos como la trilogía de El Padrino, Apocalypse Now, La ley de la calle, Rebeldes y Drácula de Bram Stoker, entre otros. Actualmente el director confiesa que “estoy intentando tener una nueva carrera y la primera película de esa carrera fue Youth Without Youth (2007), película no estrenada todavía en España, y Tetro es la segunda. Todas las películas que voy a hacer a partir de ahora van a tener un guión escrito por mí, van a ser historias originales. No voy a hacer películas de encargo, y el objetivo no es intentar hacer películas que den mucho dinero. De alguna manera, voy a seguir el modelo de Woody Allen.” También confiesa haber dodado en Buenos Aires porque “En Estados Unidos no tenemos un Ministerio de Cultura y, por tanto, no contamos con subvenciones. La única manera de levantar un proyecto consiste en que un estudio de Hollywood te dé dinero para hacerlo. Pero a Hollywood solo le interesa que tu película dé dinero, no les preocupa en absoluto la dimensión cultural de lo que haces. Por tanto, he querido poner en marcha este proyecto tal y como lo haría un cineasta europeo. Busqué un país en el que el cambio de moneda no nos resultara desfavorable: me fui allí solo, con la idea de reclutar a la mayor parte del equipo entre los profesionales del lugar. Hubo, pues, un motivo económico importante para la elección, pero también quería que la ciudad donde se iba a desarrollar la acción tuviese una gran tradición cultural, tanto en literatura como en teatro y música.” Es bueno ver a Coppola de vuelta en forma.

Hayao Miyazaki, Maestro de la animación

“PONYO EN EL ACANTILADO” – Gake no Ue no Ponyo (Ponyo on the Cliff by the Sea)

Director: Hayao Miyazaki País: Japón Año: 2008. Fecha de estreno: 24-04-2009 Duración: 100 min. Género: Animación. Distribuidora: Aurum.

 

Ponyo, una menuda pero poderosa princesa de los mares, ansía escapar del control de su padre y conocer el mundo exterior. Así es como conoce a Sosuke, un muchacho de 5 años, del que se enamorará y por el que decidirá convertirse en humana.

Libre adaptación de “La sirenita” que obtuvo muy buena acogida de la crítica en el Festival de Venecia 2008, es la cinta de Miyazaki menos visionaria, más conservadora y, pese a ello, deslumbra con buenos e imaginativos dibujos y una historia llena de ternura y buen rollo. Cuando la animación digital parece haber convertido su obsesión fotorrealista, Hayao Miyazaki apuesta por una radical vuelta a los orígenes, un regreso a la animación tradicional como perfecta representación de la mirada de la infancia. Así las cosas esta película es, por un lado, su película más sencilla desde Mi vecino Totoro, y por otro, la declaración de principios de un artista que piensa que el mouse aún no le ha ganado la batalla al lápiz como artífice de la imaginación. Miyazaki demuestra, otra vez, lo bien que conviven dos mundos en apariencia opuestos (lo humano y lo mitológico, cogidos de la mano), la armoniosa belleza de los elementos naturales, los colores pastel y los diseños de línea clara, y la contagiosa expresividad de unos personajes dibujados con el corazón. 

Nos vamos a Génova, quién se apunta?

“GENOVA”

Director: Michael Winterbottom Intérpretes: Colin Firth, Catherine Keener, Hope Davis, Willa Holland , Perla Haney-Jardine País: USA Año: 2008. Fecha de estreno: 08-05-2009 Duración: 94 min. Distribuidora: Nirvana.

La ciudad italiana de Génova brinda a Joe y a sus dos hijas la posibilidad de reiniciar sus vidas tras la muerte de la madre. Mientras Kelly ahonda en el misterioso nuevo mundo, Mary se encuentra con el fantasma de su madre deambulando por las calles.

Génova parece nacer del punto de encuentro entre La habitación del hijo (Nanni Moretti, 2001) y Amenaza en la sombra (Nicolas Roeg, 1973). De la primera absorbe su capacidad para mostrar el dolor de la pérdida y la pesada culpa que lo acompaña sin caer en sentimentalismos baratos. De la segunda recoge el ominoso, inquietante influjo de una ciudad italiana que se convierte en un laberinto que separa y oscurece el destino de los personajes.

La intención de Winterbottom era “hacer una película sobre un padre y sus hijas, la muerte de la madre no es más que un punto de partida para estudiar la relación entre el padre y las niñas, cómo se comportan, cómo se relacionan entre ellos y con los demás. Y sobre todo me interesaba centrarme en la hija pequeña, que vive la tragedia con un tremendo complejo de culpabilidad y un trauma por la pérdida.” El director no elude la asociación con la película de Roeg, “Cuando empezamos a escribir el film (a cuatro manos con Laurence Coriat, su guionista en Wonderland) era consciente de la conexión con Amenaza en la sombra. Creo que nuestra película sería el reverso de aquella. De hecho, tardamos en decidir si tiraríamos por el lado del terror psicológico o si hablaríamos de relaciones familiares. Al final lo enfocamos por este lado, pero sí es cierto que el guión mantiene toques de tensión y elementos propios del terror.” En el film, la ciudad de Génova es una especie de limbo, un tránsito hacia una nueva vida.