Programación marzo, abril y mayo de 2012.

Publicado: 29 febrero, 2012 de Cineclub Alcarreño en 2 - PROGRAMACIÓN

Días 6 y 7 de marzo. 20:30H. Teatro Moderno

“EL NIÑO DE LA BICICLETA” – (Le Gamin Au Vélo)

Director: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne Intérpretes: Cécile De France, Thomas Doret, Jérèmie Renier Título en VO: Le gamin au vélo País: Francia Año: 2011. Fecha de estreno: 28-10-2011 Duración: 87 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne Fotografía: Alain Marcoen. Distribuidora: Wanda Visión.

Cyril, un niño de once años, se escapa del hogar de acogida, donde su padre lo dejó después de prometerle que volvería a buscarlo. Lo que Cyril se propone es encontrarlo. Después de llamar en vano a la puerta del apartamento donde vivían, para eludir la persecución del personal del hospicio, se refugia en un gabinete médico y se echa en brazos de una joven sentada en la sala de espera. Así es como, por pura casualidad, conoce a Samantha, una peluquera que le permite quedarse con ella los fines de semana.

Sergi Sánchez:Rosetta’ (1999) era una película sobre un movimiento hacia adelante, sobre la lucha de un personaje contra la asfixia que le provoca los límites del encuadre. ‘El niño de la bicicleta’ retoma esa rabia que se traduce en una maratón hacia ninguna parte, reencarnando a Rosetta en Cyril, un niño de 11 años en busca de una figura paterna que le rechaza con insistencia. Si Rosetta negaba con hostilidad la ayuda de los demás, Cyril se abraza al primer clavo ardiendo que se cruza en su camino, un ángel de la guarda en forma de peluquera que lo acoge sin condiciones. La bondad o la desesperación existen como acciones que se justifican a sí mismas desde la urgencia y la velocidad de la vida. Es tal la fluidez del relato, es tal la emotividad que nace del doloroso peregrinaje de Cyril, propio del más cruel cuento infantil, que resulta inmediato que nos identifiquemos con él. La capacidad de síntesis de los Dardenne, la falta de sentimentalismo y la catadura moral de su visión del mundo hacen de esta película uno de sus mejores logros, y uno de los más luminosos.”

Una película magistral. No hay juicios morales, lecturas interesadas, pedagogías innecesarias. Llena de ritmo, fuerza, sentimiento y hasta intríngulis.

2011: Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado (Ex-aequo).
2011: Premios del Cine Europeo: Mejor guión. 4 nominaciones, incluyendo mejor película.

Días 13 y 14 de marzo. 20:30H. Teatro Moderno.

“ROUTE IRISH”

Director: Ken Loach Intérpretes: Mark Womack, Stephen Lord, Najwa Nimri, John Bishop Título en VO: Route Irish País: Gran Bretaña Año: 2010. Fecha de estreno: 23-12-2011 Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Paul Laverty Montaje: Jonathan Morris Fotografía: Chris Menges. Distribuye: Alta Films.

Incrédulo ante la versión oficial de los hechos, Fergus (Mark Womack) investiga la muerte en Irak de su amigo Frankie (John Bishop), a quien convenció para que se alistara como agente de seguridad.

Manuel Yáñez Murillo: “Rememoremos aquellos tiempos en que Ken Loach hacía un cine en que el fondo (político) iba de la mano de una forma (también política) dominada por un realismo crudo y poético, con el tiempo, el cine de Loach ha ido renegando del misterio y abrazando una narrativa de fácil lectura, en la que todo queda bien claro. “Route Irish” no supone un gran quiebro respecto a esta tendencia, pero sí nos propone un reencuentro con el Loach más indignado, aferrado a su cámara con la urgencia de antaño. La película retroalimenta su furia gracias a un relato en el que lo personal (la deriva postraumática de un mercenario atormentado por la culpa) se engarza con una funesta realidad social: las miserias del negocio de la guerra, privatizado y normalizado por el libre mercado, con la Guerra de Irak como telón de fondo.”

Ken Loach: “Me interesaba explorar la ambigüedad del protagonista. Queríamos que el descenso a los infiernos de Fergus fuera paralelo a una búsqueda de la verdad. Cada giro narrativo debía revelar algo nuevo sobre la Guerra de Irak: la avaricia, la corrupción, el horror… La privatización de la guerra es algo nuevo y siniestro. Hablamos de mercenarios contratados por estados que actúan fuera del alcance de la ley. Es un nuevo eslabón en la lógica del sistema económico. La mayoría de estos mercenarios son ex soldados que, en muchos casos, sufren trastornos de estrés postraumático. Esto los convierte en personajes extremadamente volátiles y peligrosos. En el film se muestran imágenes terribles extraídas de YouTube, que son necesarias para comprender el sentimiento de culpa y desasosiego de Fergus. Nos planteamos la posibilidad de reconstruir esas imágenes, pero pensamos que la verdad hablaba con más locuacidad. Además, la gente iraquí que conocimos durante el rodaje nos pedía que mostrásemos la realidad del conflicto.”

Días 20 y 21 de marzo. 20:30H. Teatro Moderno.

“ARRUGAS”

Director: Ignacio Ferreras País: España Año: 2011. Fecha de estreno: 27-01-2012 Duración: 80 min. Género: Animación Color o en B/N: Color Guión: Ignacio Ferreras, Ángel de la Cruz, Paco Roca, Rosanna Cecchini Producción: Manuel Cristóbal Enrique Aguirrezabala Oriol Ivern. Distribuidora: Wanda Visión.

Emilio y Miguel son dos ancianos recluidos en un geriátrico. Emilio, que acaba de llegar a la residencia en un estado inicial de Alzheimer será ayudado por Miguel y otros compañeros para no acabar en la planta superior de la residencia, el temido piso de los asistidos que es como llaman allí a los desahuciados. Su alocado plan tiñe de comedia y ternura el tedioso día a día de la residencia porque aunque para muchos sus vidas habían acabado, ellos acababan de empezar una nueva.

Adaptación del cómic original de Paco Roca.

Pere Vall: “Umberto D. (Vittorio De Sica, 1952) logró retratar la vejez sin caer en sentimentalismos, como un hábil acróbata que, sin renunciar a las emociones, jamás pone el pie en el suelo de lo lacrimógeno. Herederos espirituales de ese imprescindible film, los responsables de Arrugas, con su animación minimalista, hablan del alzheimer en tono de película de misterio, de intriga: aquí no es tanto una enfermedad, que lo es y siempre lo será, como un intruso invisible e implacable que se interpone entre los dos protagonistas y hace de las suyas a espaldas de uno de ellos, Emilio. Y el otro, Miguel, es el falso culpable en una historia de intriga que incluso termina con un tesoro escondido. En el camino no faltarán los aguijonazos en el corazón… pero muy controlados y precisos.”

Ignacio Ferreras: “Las películas de animación son una pesadilla, requieren muchas noches sin dormir y no estaba muy por la labor de dirigirla, pero al introducirme en las páginas del libro descubrí una gran historia que merecía ser contada en el cine. Hemos incorporado nuevos pasajes que proceden de Emotional World Tour, un pequeño cómic que escribió a modo de making of de Arrugas (ambos editados por Astiberri) y que contaba algunos detalles que quedaron fuera del libro. Nunca he concebido Arrugas como una película sobre el Alzheimer. Precisamente, lo que más me atrajo del cómic fue que, a través de la historia y sus personajes, hablaba del tema sin que esa fuese su motivación principal.”

No hay descubrimientos en lo que oferta ‘Arrugas’ pero sí hay en esta película una mirada inteligente y cálida a la última planta de nuestra estancia en la tierra, además de una estimable voluntad de sortear lo melodramático.

Premios Goya: Mejor película de animación y mejor guión adaptado.

Días 27 y 28 de marzo. 20:30H. Teatro Moderno.

“LA FUENTE DE LAS MUJERES” – (La Source Des Femmes)

Director: Radu Mihaileanu Intérpretes: Hafsia Herzi, Leïla Bekhti, Zinedine Soualem, Sabrina Ouazani, Malek Akhmiss, Saad Tsouli Título en VO: La source des femmes País: Bélgica Año: 2011. Fecha de estreno: 09-12-2011 Duración: 135 min. Género: Comedia dramática Color o en B/N: Color Guión: Radu Mihaileanu, Alain-Michel Blanc Fotografía: Glynn Speeckaert Música: Armand Amar. Distribuidora: Vértigo Films.

En un pequeño pueblo, en algún lugar entre el norte de África y Oriente Medio, la tradición exige que las mujeres busquen agua en la fuente que nace en lo alto de una montaña, bajo un sol ardiente. Leila, una joven casada, propone al resto de mujeres una huelga de sexo: no mantendrán relaciones sexuales hasta que los hombres colaboren en el traslado del agua hasta la aldea.

Javier Ocaña: “Un texto previo da una idea de intenciones y tono: “Esto no es más que un cuento”. Pero añade una coda: “O quizá no”. ¿Un deseo? ¿Una premonición? La fuente de las mujeres: en un pueblo árabe, una joven encabeza una rebelión sobre su situación respecto de los hombres; una huelga de sexo, nada menos. Desde luego, tiene aureola de fábula. De esas unidireccionales, con la moraleja clara y los personajes estereotipados. También un aire de falta de verosimilitud, con los tiempos que corren, con condenas a muerte por adulterio, con latigazos por participar en películas así. Y, sin embargo, hay dos aspectos que la redimen de su condición de bienintencionado cuento chino. El primero, interno, la fuerza del relato: delicado, tierno, bello, sensible. ¿Demasiado? Quizá sí, pero, ¿no estábamos ante una fábula?

El segundo, externo, del que nunca se habla en la película, es el que da que pensar: en 2003, Leymah Gbowee movilizó y organizó a las mujeres para poner fin a una larga guerra en Liberia y garantizar su participación en las elecciones. Fue el principio del fin de la contienda. Le han dado el Premio Nobel este año. Y lo consiguió gracias a… una huelga de sexo. ¿Cuento? ¿Qué cuento?”

El director cree que una revolución no se inicia en las calles. Para que se alcance una sociedad justa e igualitaria, la democracia tiene que llegar antes al hogar y cambiar algunas costumbres y actitudes. Por ello, la huelga sexual de las mujeres tiene mucho de gesto político, aunque por encima de todo es un grito de amor por parte de un grupo de mujeres que le dicen a sus hombres: amadnos y miradnos. Porque el amor empieza siempre con una mirada.

En el reparto destaca la presencia de intérpretes como la israelí Hiam Abbass (Los limoneros) o las francesas Hafsia Herzi (Cuscús) y Leïla Bekhti (Un Profeta).

Días 10 y 11 de abril. 20:30H. Teatro Moderno

“MELANCHOLIA”

Director: Lars von Trier Intérpretes: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Charlotte Rampling, John Hurt, Stellan Skarsgård, Alexander Skarsgård, Brady Corbet, Cameron Spurr, Udo Kier Título en VO: Melancholia País: Alemania, Francia, Italia, Suecia Año: 2011. Fecha de estreno: 04-11-2011 Duración: 130 min. Género: Ciencia ficción, Drama, Thriller Color o en B/N: Color Guión: Lars von Trier Fotografía: Manuel Alberto Claro. Distribuidora: Golem.

Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg interpretan a dos hermanas que, mientras celebran una fiesta junto a sus maridos ajenas a la inminente colisión entre la Tierra y otro planeta, se darán cuenta que sus vidas están tan a la deriva como el propio universo. Su director, Lars von Trier la ha definido como “una bella película sobre el fin del mundo”.

Carlos Boyero: “La empanada mental de Von Trier está en su apogeo, pero consigue crear un clima tan inquietante que te resulta muy difícil desentenderte de lo que está narrando. Te engancha su misterio, te contagia la ansiedad, el desequilibrio y los terrores que dominan a esos personajes. El clima de amenaza está muy bien descrito mediante una cámara en continuo movimiento, utilizada frecuentemente a mano, no ya siguiendo las directrices estéticas del movimiento Dogma, apadrinado en su bautizo por el gurú Von Trier, sino en el inmediatamente identificable estilo visual del creador de Dogville. Ese lenguaje magnético logra que el tiempo corra rápido aunque haya cosas que no entiendo. El apocalipsis personal y colectivo que plasma Trier no me conmueve especialmente, pero durante más de dos horas me tiene en tensión, me introduce en la angustiosa trama.”

En la película se presenta la inexistencia de Dios y el anhelo por el fin del mundo como cuestiones inherentes a la naturaleza humana. Lars von Traer comenta: “Lo que sé es que el romanticismo alemán, y en particular la historia de Tristán e Isolda, según la ópera de Wagner, tiene que ver con la purificación del espíritu a través del sufrimiento y la muerte. Por otra parte, la melancolía puede ser muy tentadora, porque nos ofrece una forma dulce de dolor y tormento. No es tan diferente a la sensación de estar enamorado. En la película, la colisión de la Tierra con el planeta Melancolía alude a ese deseo: la tentación de dejarse atrapar y ser absorbido por una dulce condena.”

2011: Premios del Cine Europeo: Mejor película, fotografía y diseño de producción. 2011: Festival de Cannes: Mejor actriz (Kirsten Dunst).

Días 17 y 18 de abril. 20:30H. Teatro Moderno

“HABEMUS PAPAM”

Director: Nanni Moretti Intérpretes: Michel Piccoli, Nanni Moretti, Margherita Buy, Jerzy Stuhr, Renato Scarpa, Roberto Nobile, Massimo Dobrovic Título en VO: Habemus Papam País: Italia Año: 2011. Fecha de estreno: 04-11-2011 Duración: 104 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Nanni Moretti, Francesco Piccolo, Federica Pontremoli Fotografía: Alessandro Pesci Música: Franco Piersanti. Distribuidora: Vértigo Films.

Tras la muerte de un Papa, obispos, arzobispos y cardenales de todo el mundo se reúnen en Cónclave para elegir a su sucesor. Después de varias votaciones infructuosas, que se anuncian con la salida de una humareda negra, se ve, por fin, la “fumata bianca” que indica que “habemus papam”. Los fieles que se han congregado en la Plaza de San Pedro esperan con entusiasmo y fervor que el nuevo pontífice, siguiendo la tradición, se asome a una de las ventanas que dan a la plaza. Sin embargo, esperan en vano. Por alguna razón, el nuevo Papa no parece estar en condiciones de soportar el peso de tal responsabilidad. Mientras la inquietud se apodera del mundo católico, en el Vaticano, se busca desesperadamente una solución para superar la crisis.

Sergi Sánchez: “Habría sido muy sencillo meterse con el Vaticano desde la vitriólica rabia que Nanni Moretti exhibió contra Berlusconi en Il Caimano (2006). Si las altas esferas eclesiásticas se descalifican a sí mismas ante los escándalos sobre corrupción y pederastia, ¿para qué echar más leña al fuego? ¿Por qué no examinar, desde la distancia consensuada de la empatía, qué le ocurre a un hombre que siente todo el poder del mundo sobre sus hombros? Moretti quema su vena satírica en el primer tercio de metraje, cuando se enfrenta a sí mismo como psiquiatra intentando psicoanalizar a un Papa que no quiere serlo. Lo más atractivo y atrevido de Habemus Papam es que la película escoge deliberadamente otro camino, más doloroso y melancólico: el del hombre que no acaba de creer en los fastos del viejo orden del poder vaticano. Por eso el vagabundeo de Melville por una Roma que no reconoce su santidad y su revelador encuentro con una compañía de intérpretes que representa La Gaviota, de Chéjov, son tan conmovedores: porque, en esa errancia, el nuevo Papa demuestra que solo es un actor secundario en el teatro del mundo.”

Nanni Moretti: “Yo no soy católico, pero mi película no ataca a los creyentes. Me siento como Buñuel, que decía: Soy ateo, gracias a Dios. El Vaticano ni obstaculizó ni apoyó el film. Recreamos los escenarios en un estudio. En la película no quise reflejar la fe, ni la Iglesia tal cual es. Creo que les hice un buen servicio al no mostrar su realidad.

Días 24 y 25 de abril. 20:30H. Teatro Moderno

“EVA”

Director: Kike Maíllo Intérpretes: Daniel Brühl, Alberto Ammann, Marta Etura, Claudia Vega, Ana Canovas, Lluís Homar Título en VO: Eva País: España Año: 2011. Fecha de estreno: 28-10-2011 Duración: 100 min. Género: Ciencia ficción, Thriller Color o en B/N: Color Guión: Sergi Belbel, Cristina Clemente, Aintza Serra, Martí Roca Fotografía: Arnau Valls. Distribuidora: Paramout Pictures.

En un futuro próximo en el que los seres humanos viven junto a criaturas mecánicas, Alex, un reputado ingeniero cibernético, regresa a Santa Irene con el encargo específico de la Facultad de Robótica de crear un niño robot. En estos diez años de ausencia, la vida ha seguido su curso para su hermano David y para Lana que, tras la marcha de Alex, rehízo su vida. La rutina de Alex se verá alterada de forma inesperada por Eva, la hija de Lana y David, una niña especial y magnética, que desde el primer momento establece una relación de complicidad con Alex. Juntos emprenderán un viaje que les precipitará a un final revelador.

Carlos Boyero: “Eva es el primer largometraje que ha dirigido Kike Maíllo y desprende una agradecible solidez, la sensación de que el autor tiene muy claro lo que pretende contar y la forma de hacerlo. No hay balbuceos, ni exhibicionismo, ni la pretensión de demostrar que eras el más listo y transgresor de la clase, sino que utiliza un lenguaje muy clásico que comunica con el espectador, que le implica en las venturas y desventuras de los personajes. Tiene un mérito suplementario, ya que en ese universo conviven los seres humanos con los robots. Recuerdo con especial ternura algunos robots que ha inventado el cine, como el perdido y acorralado crío de Inteligencia artificial, aquel tan redicho que acompañaba a los héroes de La guerra de las galaxias y esa criatura maravillosa del cine de animación llamada Wall-E. Y memorizo con terror a alguno especialmente malvado como el del primer e insuperable Alien. A partir de Eva puedo añadir a mi galería otro tan inteligente como conmovedor. Ayuda a esa empatía la vulnerabilidad que desprenden Daniel Brühl y Marta Etura. Pero el descubrimiento para mí más grato es la niña Clàudia Vega, en un personaje que te hace recordar a la maravillosa Natalie Portman de Beautiful girls.”

2011: 3 Premios Goya: Mejor director novel, actor secundario (Homar) y efectos especiales.
2011: Festival de Sitges: Mejor efectos especiales.
2011: 5 Premios Gaudí, incluyendo mejor película en lengua catalana y actor secundario (Homar).

Días 8 y 9 de mayo. 20:30H. Teatro Moderno. Festival de Poesía Arriversos

“JANE EYRE”

Director: Cary Joji Fukunaga Intérpretes: Mia Wasikowska, Michael Fassbender, Jamie Bell, Judi Dench Título en VO: Jane Eyre País: Reino Unido, USA Año: 2011. Fecha de estreno: 02-12-2011 Duración: 120 min. Género: Drama, Romance Color o en B/N: Color

En esta historia enmarcada en el siglo XIX, Jane Eyre (Mia Wasikowska) huye súbitamente de Thornfield Hall, la vasta y apartada hacienda donde trabaja como institutriz de Adèle Varens, la niña bajo la custodia del intimidatorio amo de Thornfield, Edward Rochester (Michael Fassbender).

Desirée De Fez: “En una película muy distinta a Sin nombre (2009), su aplaudido debut, un thriller realista y de denuncia, el californiano Cary Fukunaga firma una adaptación fiel del clásico de Charlotte Brontë. No encierra su film voluntad modernizadora, no es una jugada a lo María Antonieta (2006), sin intención de desmerecer la magnífica cinta de Sofia Coppola. Y, pese a la distancia en el tiempo de la historia que explica y lo específico de su marco, esta adaptación de Jane Eyre resulta cercana en lo emocional por una razón sencilla: el director y su guionista no se demoran en explicaciones contextuales, y reproducen con fidelidad el cuerpo sentimental de la novela, ya moderno en el momento en que fue escrita. Lo hacen a partir del texto, con una descripción poderosa de los personajes (el reparto no puede ser más perfecto) y de sus emociones confesas y reprimidas. Y mediante la puesta en escena. Con el apoyo del director de fotografía, Fukunaga, que rueda con elegancia y brío, se lleva a un plano formal las emociones de la historia, filtra en la atmosfera el deseo, el secreto, la resignación sentimental, el desamparo y el miedo de los personajes. En relación a esto último, Jane Eyre flirtea con tanta sutileza como lucidez con el terror.”

Cary Fukunaga: “Decidí volver a adaptar el relato de Brontë porque son historias eternas que se pueden explicar una y otra vez, y siempre parecen nuevas. Cada cinco o diez años vuelven a revisarse obras clásicas de Austen, Dickens, Shakespeare o las hermanas Brontë. Cada nueva generación debe conocer estos libros porque, como pasa con Jane Eyre, siguen siendo obras modernas que hablan de cómo somos, de lo que sentimos. ¿Lo novedoso de esta versión? Lo primero de todo… yo mismo. Cuando la BBC me propuso el proyecto les dije que yo no era el realizador-tipo que se ajustaba a su estilo clásico, pero precisamente querían a alguien con un look diferente a la hora de plasmar la historia. Y eso he hecho: no es un film romántico, ni gótico. Es un ensayo sobre la muerte y la soledad.

Días 15 y 16 de mayo. 20:30H. Teatro Moderno

“JUAN DE LOS MUERTOS”

Director: Alejandro Brugués Intérpretes: Alexis Días de Villegas, Jorge Molina, Andros Perugorría, Andrea Duro, Jazz Vila, Eliecer Ramírez País: España Año: 2011. Fecha de estreno: 13-01-2012 Duración: 100 min. Género: Comedia de terror Color o en B/N: Color Guión: Alejandro Brugués Distribuidora: Avalon.

50 años después de la Revolución Cubana, otra nueva Revolución llega a La Habana. Una misteriosa infección está convirtiendo a sus habitantes en muertos vivientes sedientos de carne humana. Juan, como buen cubano, decide montar un negocio para sacar partido de la situación eliminando a los infectados. Muy a su pesar, Juan se va a convertir en un nuevo héroe.

Jesús Palacios: Los muertos vivientes se aclimatan a cualquier lugar. Pero lo que hace de estos zombis un producto internacional no es tanto el horror, como el humor. La comedia zombi, inextricable combinación de risa y susto, gore y diversión, que invita al culto catártico a los muertos vivientes considerados como apocalíptica broma cósmica, es universal. Ahora, llega el turno a unos expertos en reírse de sí mismos: los cubanos. ‘Juan de los Muertos’ juega su mejor baza no gracias a unos eficaces efectos especiales, que los tiene. Ni a sus escenas de acción, más que aceptables. No la tiene en sus muertos, sino en sus vivos. En la figura de ese Juan de los Muertos y su grupo de pícaros supervivientes. Que también lo son de la fracasada utopía socialista y el Periodo Especial. Un puñado de personajes extraídos de la realidad cubana, dotados de un sano cinismo vitalista, antídoto perfecto a los insoportables y tristones supervivientes del estilo de la serie The Walking Dead. En muchas comedias zombi, lo más divertido son los muertos; aquí, son los muy, pero que muy vivos cubanos libres, comandados por un héroe a su medida… y quizás a la nuestra.”

Jordi Costa: “Juan de los Muertos no es una película redonda, pero sí una rareza a celebrar: una extravagancia capaz de hermanar al espectador interesado en las modulaciones exóticas de lo zombi y a quien quiera contemplar la deriva apocalíptica de ese humor costumbrista cubano que aquí cristaliza en arquetipos tan irresistibles como el antihéroe protagonista o la aguerrida travesti que forma parte de su séquito.”

2011: Festival de Sitges: Sección oficial largometrajes a concurso.
2011: Fantastic Fest: Premio del público.

Días 22 y 23 de mayo. 20:30H. Teatro Moderno

“VERBO”

Director: Eduardo Chapero-Jackson Intérpretes: Alba García, Miguel Ángel Silvestre, Verónica Echegui, Víctor Clavijo, Macarena Gómez, Adam Jezierski, Fernando Soto Título en VO: Verbo País: España Año: 2010. Fecha de estreno: 04-11-2011 Duración: 88 min. Color o en B/N: Color Guión: Eduardo Chapero-Jackson Montaje: Elena Ruiz Fotografía: Juan Carlos Gómez Distribuidora: Aurum.

Sara (Alba García) es una chica de 15 años con un sexto sentido. Una joven y tímida heroína del siglo XXI que empieza a intuir que en el mundo tiene que existir algo más que lo que ven nuestros ojos, algo escondido que empieza a obsesionarle. Guiada por su instinto, comienza a encontrar en su gris existencia una serie de inquietantes mensajes y pistas que le empujan a entrar en una nueva dimensión, peligrosa y terrorífica, en la que deberá iniciar un viaje para salvar su vida. En el transcurso de este devenir perturbador pero lleno de aventuras, Sara encontrará un nuevo reto: el modo de cambiar el mundo.

Antonio Trashorras: “Qué sencillo resulta apedrear con vil cinismo esta cinta pura, atrevida y disidente, de tan audaz fragilidad como esa voz única, sin miedo al ridículo, casi ahogada en la manada, y cuyo mensaje, dirigido a quien jamás lo escuchó antes, encima, es VERDAD. En tiempos de personas-ganado en los que el sentimiento de colmena vende al escolar desde la última bazofia dulce al teléfono sin el cual no podrá vivir, días de zombis sociales, en que la conjura mediática fomenta lo grupal como anestesia de insatisfacciones y vacíos, un film así, dedicado al cómo y por qué de forjarse una identidad, parece condenado al sarcasmo fácil, abusón y, sí, inhumano. Cuando hasta el más infeliz piensa como esnob pero se comporta como sumiso, Verbo propone rechazar la tribu que te crió. Duele, pero se aprende.”

Debutante, pero no recién llegado. Eduardo Chapero-Jackson, cumplió los 40 en abril, es madrileño de madre norteamericana, se formó en Estados Unidos y rodó tres cortometrajes que suman más de 150 premios en todo el mundo.

Eduardo Chapero-Jackson: “Era el momento de hacer un largometraje, vital y profesionalmente hablando. Después de los tres cortometrajes, y de haberme formado en Interpretación, Dirección de actores o Dramaturgia, sentía que ya estaba listo.
Verbo utiliza armas del género fantástico, pero están en función de una historia sobre la adolescencia, una fábula, un cuento, sobre los vacíos en una edad difícil en la que uno busca su identidad y rastrea respuestas sobre el mundo que le rodea.

Días 29 y 30 de mayo. 20:30H. Teatro Moderno

“SOMEWHERE”

Director: Sofia Coppola Intérpretes: Stephen Dorff, Elle Fanning, Michelle Monaghan Título en VO: Somewhere País: USA Año: 2010. Fecha de estreno: 30-09-2011 Duración: 97 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Sofia Coppola Montaje: Sarah Flack
Fotografía: Harris Savides Ditribuidora: Vértigo Films.

Johnny Marco es un actor de primera línea con perfil de chico malo, que tropieza por una vida llena de excesos. Vive en el legendario hotel Chateau Marmont de Hollywood, se pasea en su Ferrari y sus días son una neblina de alcohol, mujeres y fans. Arropado en esta celebridad inducida por un mundo artificial, Johnny ha perdido todo sentido de su verdadero ser. Hasta que un día, su hija de 11 años, Cleo (Elle Fanning), fruto de su fracasado matrimonio, se presenta en el hotel inesperadamente y comienza a ser su ancla con la la realidad. Sus encuentros hacen que se enfrente a la cuestión de dónde se encuentra en su vida y a la pregunta que todos debemos afrontar: ¿qué camino tomarás en ella?

Desirée de Fez: “La película más contenida y menos esteticista de Sofia Coppola conecta en espíritu y formas con el cine independiente americano de los 70: dibuja el vacío de manera frontal, sin aspavientos y sin juzgarlo. De hecho, tiene mucho de Llueve sobre mi corazón (1969), una de las obras maestras de Francis Ford Coppola, padre de la directora. Diferencias genéricas a un lado (Llueve sobre mi corazón era una road movie, y Somewhere, un melodrama estático), los dos films describen con lucidez el estancamiento vital y emocional, la incapacidad de ser consecuente con las decisiones y de tomar nuevas, la dificultad para descifrar las emociones propias y ajenas y, en consecuencia, el egoísmo como mecanismo de defensa.”

El Chateau Marmont se erige en el 8221 de Sunset Boulevard, en Los Ángeles, desde 1927, y por él ha pasado todo Hollywood y no pocas estrellas del rock. Sofia Coppola no contemplaba otra opción, y no sabe qué hubiera hecho si André Balazs, el propietario, y Philip Pavel, el director, no le hubieran abierto las puertas de su glamouroso hotel. Sofia Coppola: “Oí todas aquellas historias sobre estrellas que destrozaban habitaciones, y he recuperado retazos de ellas para Somewhere. Me atrae el aura decadente que desprende el Chateau Marmont, y quería retratarlo tal cual. Tan solo tuvimos que mover algunos muebles para la escena de las gemelas que Johnny llama para que bailen en su habitación. Teníamos un equipo ligero, y Harris Savides, el director de fotografía, se las apañó muy bien.”

comentarios
  1. Rosa dice:

    Sino recuerdo mal, durante las proyecciones de este año ha habido una película que no se pudo visionar. Se va a poner algún día?

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