Programación octubre y noviembre 2011

Publicado: 26 septiembre, 2011 de Cineclub Alcarreño en 2 - PROGRAMACIÓN

Días 4 y 5 de octubre. 20:30H. Teatro Moderno

FESTIVAL DE CINE SOLIDARIO DE GUADALAJARA (FESCIGU)

INSIDE JOB

Director: Charles Ferguson Título en VO: Inside Job País: USA Año: 2010. Fecha de estreno: 25-03-2011 Duración: 120 min. Género: Documental Color o en B/N: Color Guión: Chad Beck, Adam Bolt Fotografía: Svetlana Cvetko, Kalyanee Mam Música: Alex Heffes Web Oficial: http://www.sonyclassics.com/insidejob/ Voces doblaje: Matt Damon

 

Documental no sólo sobre las causas, sino también sobre los responsables de la crisis económica mundial de 2008, que signíficó la ruina de millones de personas que perdieron sus hogares y empleos, y, además, puso en peligro la estabilidad económica de los países desarrollados. A través de una extensa investigación y de entrevistas a financieros, políticos y periodistas, se muestra el auge de empresarios sin escrúpulos y la degradación de la política y la educación.
“Inside Job” presenta la indignante historia de un “gobierno de Wall Street” y explica cómo esta reciente crisis financiera ha sido efectivamente un “inside job” o delito interno colectivo ejecutado por banqueros, políticos, agencias calificadoras, burócratas y profesores universitarios, quienes utilizaron la desregulación para crear y promover complejos instrumentos financieros derivados y titulizados – conocidos por algunos como “armas de destrucción masiva” – para beneficiar sus propias cuentas bancarias, mientras hacían la vista gorda cuando el mercado subprime de hipotecas se desplomó, arrasando con los ahorros de toda una vida de muchas personas comunes y corrientes. Tal y como se afirma en la película, “esta crisis no fue un accidente.”
Según su director, Charles Ferguson, “Era una crisis totalmente evitable; de hecho durante 40 años después de la Gran Depresión, los Estados Unidos no tuvo ni una sola crisis financiera. Sin embargo, la progresiva desregulación del sector financiero desde la década de los ochenta, ha dado paso a una industria cada vez más criminal, cuyas “innovaciones” han generado una sucesión de crisis financieras. Cada crisis ha sido peor que la anterior y sin embargo, gracias al creciente poder y riqueza de la industria, muy pocas personas han sido encarceladas en cada una de ellas. En el caso de esta crisis nadie ha sido encarcelado, a pesar del fraude que ha causado pérdidas de billones de dólares. Es mi esperanza que a través de esta película, en menos de dos horas, todos puedan comprender la naturaleza esencial y las causas fundamentales de este problema. También espero que después de verla, independientemente de la opinión política, los espectadores puedan estar y podamos estar todos de acuerdo en la importancia de restaurar la honestidad y la estabilidad a nuestro sistema financiero, y de exigir responsabilidad a aquellos que lo han destrozado.” Narrada por el ganador del Oscar® Matt Damon, se rodó en exteriores en los Estados Unidos, Islandia, Inglaterra, Francia, Singapur, y China.

PREMIOS 2010: Oscar: Mejor película documental.

Días 11 y 12 de octubre. 20:30H. Teatro Moderno.

MIDNIGHT IN PARIS

Director: Woody Allen Intérpretes: Owen Wilson, Rachel McAdams, Marion Cotillard, Kathy Bates, Adrien Brody, Carla Bruni, Michael Sheen, Léa Seydoux Título en VO: Midnight in Paris País: España, USA Año: 2011. Fecha de estreno: 13-05-2011 Duración: 94 min. Género: Comedia romántica Color o en B/N: Color Guión: Woody Allen Fotografía: Darius Khondji
Web Oficial: http://www.altafilms.com/

Un escritor norteamericano algo bohemio (Owen Wilson) llega con su prometida Inez (Rachel McAdams) y los padres de ésta a París. Mientras vaga por las calles soñando con los felices años 20, cae bajo una especie de hechizo que hace que, a medianoche, en algún lugar del barrio Latino, se vea transportado a otro universo donde va a conocer a personajes que jamás imaginaría iba a conocer…

Midnight in Paris es, en ese sentido, una película paradójica: por un lado, celebra los clichés de una ciudad que Allen adora tanto como Nueva York, y, por otro, siente la necesidad de desmontar la dimensión simbólica de esos clichés, materializada en un dream team de la vida bohemia del París de los años 20 que parece un parque temático para intelectuales de pacotilla, y que Allen recrea sin miedo a hacer el ridículo. Es en los requiebros de esa fantasía imposible donde Allen logra que Midnight in Paris se convierta en su película más original desde Desmontando a Harry (1997). Más allá del ingenio de la premisa, con sus hilarantes gags sobre El Ángel Exterminador (Luis Buñuel, 1962) y sus parodias de Hemingway y Dalí, el viaje en el tiempo que emprende su alter ego en la pantalla le permite reivindicar el presente como tabla de salvación. El hombre siempre quiere lo que no tiene, nos dice Allen, y ese deseo no es otro que el de escapar de la muerte, el de dejar su huella para la posteridad. Y por muy ligera y cálida y deliciosa que sea esta comedia, el poso que deja es pura melancolía.

Woody Allen rueda por primera vez una película íntegramente en París, y no duda en declararle su amor a la capital francesa: “La primera vez que la visité tenía 30 años, y lo hice por un pequeño papel en ‘¿Qué tal, Pussycat?‘ (Clive Donner y Richard Talmadge, 1965). En cuanto vi París, me enamoré”.

Woody está en plena forma y París resplandece en esta divertida fantasía con viajes en el tiempo. La película tiene el ritmo ágil y la concisión de los mejores trabajos de Allen.

Días 18 y 19 de octubre. 20:30H. Teatro Moderno.

“MICMACS” – (Micmacs à tire-larigot)

Director: Jean-Pierre Jeunet Intérpretes: Dany Boon, Yolande Moreau, Dominique Pinon, Marie-Julie Beaup, André Dussollier , Julie Ferrer Título en VO: Micmacs à tire-larigot País: Francia Año: 2009. Fecha de estreno: 17-06-2011 Duración: 103 min. Género: Comedia Color o en B/N: Color Guión: Jean-Pierre Jeunet, Guillaume Laurant Fotografía: Tetsuo Nagata Música: Raphaël Beau
Web Oficial: http://www.sonyclassics.com/micmacs/ Distribuidora: Vértigo Films

Primero fue una mina que explotó en medio del desierto de Marruecos. Años después, fue una bala perdida alojada en su cerebro. Bazil parece no tener mucha suerte con las armas. La primera le convirtió en huérfano, la segunda le mantiene al borde de una muerte súbita. Liberado del hospital, Bazil se encuentra sin hogar. Afortunadamente, este inspirado y alegre soñador es adoptado por una panda de traperos de segunda mano que viven en una auténtica cueva de Ali Babá, cuyos talentos y aspiraciones son tan sorprendentes como diversos: Remington, Calculadora, Pedazos, Galeote, la Chica de Goma, el Pequeño Pete y Mamá Pan. Un día, caminando junto a dos enormes edificios, Bazil reconoce los logotipos de los fabricantes de las armas causantes de sus desgracias. Con ayuda de su fiel pandilla de locos amigos decide vengarse.

Jean-Pierre Jeunet ya demostró con anterioridad su imaginería visual y su ingenio desde sus primeros trabajos: la fascinante y fantástica  ‘Delicatessen’, y la estupenda y alucinante ‘La ciudad de los niños perdidos’. Poco después realizaría la infravalorada ‘Alien resurrección’, la maravillosa y exitosa ‘Amélie’ y la que quizás sea su película más irregular, (pero no por ello descartable ni mucho menos), ‘Largo domingo de noviazgo’. ‘Micmacs’ vuelve a demostrar una vez más que este loco francés es un tipo único. Su último trabajo es una de las películas más originales que se ha estrenado en una sala de cine. Inventiva a raudales, ingenio para dar y regalar, sentido del humor a prueba de bombas, imaginería visual asombrosa, personajes únicos y fascinantes, situaciones rocambolescas e increíbles… Una de las propuestas más originales y divertidas de los últimos años. Es como una película de Buster Keaton o Harold Lloyd en la que todos son Buster o Harold. Hay más inventiva en un solo minuto de ‘Micmacs’ que la que existe en dos horas o más de cualquier estreno veraniego de multisalas.

Días 25 y 26 de octubre. 20:30H. Teatro Moderno.

BLACKTHORN. SIN DESTINO

Director: Mateo Gil Intérpretes: Sam Shepard, Eduardo Noriega, Stephen Rea, Magaly Solier, Pádraic Delaney, Dominique McElligott, Nikolaj Coster-Waldau Título en VO: Blackthorn País: España Año: 2011. Fecha de estreno: 01-07-2011 Duración: 98 min. Género: Aventura, Western Color o en B/N: Color Guión: Miguel Barros Fotografía: Juan Ruiz Anchía Música: Lucio Godoy Web Oficial: http://www.blackthornthemovie.com/

Tras haber huido de Estados Unidos, el legendario forajido Butch Cassidy murió en Bolivia en 1908, tiroteado junto a su amigo Sundance Kid. Esto es lo que dice la versión oficial. Pero lo cierto es que ha pasado veinte años escondido y ahora quiere volver a casa. Sin embargo, pronto encontrará en su camino a un joven ingeniero español que acaba de robar la mina en la que trabajaba y que pertenece al empresario más importante de Bolivia…

Lo primero que piensas al ver esta película es que estas ante un western crepuscular. Luego, cuando la recuerdas, te das cuenta que es muchas más cosas: es un film sobre la necesidad de la amistad; una profunda reflexión sobre la vejez y la memoria; la historia de una obsesión; la crónica de una reivindicación indigenista. Es todo esto sin duda, pero sobre todo, es la aventura de dos hombres y un paisaje. O, mejor aún, de tres hombres. Dos de ellos, los más viejos, tejen una espiral hacia dentro, buscando en lo que fueron la razón de lo que son; el otro, el más joven, traza una espiral hacia fuera, huyendo de un destino que él mismo se ha marcado. Todo sucede en los años 20 del siglo pasado en el altiplano boliviano. Blackthorn, un viejo cowboy con el rostro cruzado de arrugas de Sam Shepard, intenta recuperar su vida perdida cuando un joven arribista español, Eduardo Noriega, se cruza en su camino. Intimista a pesar de estar rodado en grandes espacios abiertos, este film de Mateo Gil es un buen ejemplo de que el cine europeo puede atreverse con temas aparentemente reservados a Hollywood.

Mateo Gil es guionista de la mayoría de las películas de Alejandro Amenábar, además de director de las propias, ya se ha granjeado el respeto profesional, plasmado en distinciones, como tres Goya por los guiones de Mar adentro, El método y Ágora y uno por su corto Dime que yo… Un cineasta de pies a cabeza, que ha experimentado, además, como ayudante de dirección, actor, productor, editor, cámara, eléctrico y director de fotografía.

Un ‘western’ como los de antes. Todo resulta apasionante y veraz, sugerente e intenso, complejo y magnético. ‘Blackthorn’ es la mejor sorpresa que me ha dado en mucho tiempo el cine español. O el cine a secas.” (Carlos Boyero: Diario El País)

Días 8 y 9 de noviembre. 20:30H. Teatro Moderno

EL VIAJE DEL DIRECTOR DE RECURSOS HUMANOS” – Shlichuto Shel Hamemune Al Mashabei Enosh

Director: Eran Riklis Intérpretes: Mark Ivanir, Guri Alfi, Noah Silver, Rozina Cambos, Julian Negulesco, Bogdan Stanoevitch Título en VO: Shlichuto Shel Hamemune Al Mashabei Enosh (The Human Resources Manager) País: Alemania, Francia, Israel Año: 2010. Fecha de estreno: 17-06-2011 Duración: 103 min. Género: Comedia dramática Color o en B/N: Color Guión: Noah Stollman Fotografía: Rainer Klausmann
Música: Cyril Morin Distribuye: GOLEM.

El director de recursos humanos de la mayor panadería de Jerusalén tiene problemas. Se ha separado de su esposa; se ha distanciado de su hija, y está atrapado en un trabajo que le saca de quicio. Una empleada extranjera de la panadería muere en un atentado suicida y nadie reclama el cuerpo. La empresa es acusada de indiferencia y negligencia. El director de recursos humanos será el encargado de enderezar la situación, para lo que deberá embarcarse en un complicado viaje desde las místicas calles de Jerusalén como punto de partida hasta las heladas carreteras de Rumanía. El director encabezará un extraño grupo compuesto por el rebelde hijo de la fallecida, un periodista latoso y empeñado en buscarle la ruina, una cónsul muy peculiar, un viejo conductor y un ataúd. Lejos de casa, en una misión para homenajear a una mujer a la que no conocía, pero a la que ha empezado a admirar, el director de recursos humanos se redescubre a sí mismo mientras renace su capacidad para cuidar de los recursos humanos.

En su anterior película estrenada entre nosotros, Los limoneros, el israelí Eran Rifklis contó una tremenda historia personal enfrentada a los avatares de la Historia en mayúsculas, la de una mujer que se veía condenada a la pobreza por el hecho de vivir en la finca lindante con la de un político súbitamente convertido en ministro de Defensa. Ahora, con una óptica que sólo cambia los tintes negros arrebatados por otros un poco menos rigurosos, el cineasta vuelve su vista hacia otra historia de gentes comunes, en concreto, la del cadáver de una trabajadora rumana que, víctima de un atentado terrorista en Jerusalén, debe ser trasladado a su país de origen. Quien acepta acompañarlo en su (tal vez) último viaje lo hace por obligación, claro, pero también por oscuras motivaciones íntimas, algo así como un calvario con el que expiará una falta mucho menos grave que el camino elegido para hacerlo.

“Una suerte de comedia negra, con pleno dominio de la sorna y el absurdo, que en algunos momentos no está demasiado lejos del humor de Luis G. Berlanga” (Javier Ocaña: Diario El País)

Días 15 y 16 de noviembre. 20:30H. Teatro Moderno. FESTIVAL PANORÁMICO MUSICAL

“WHEN YOU’RE STRANGE: A FILM ABOUT THE DOORS”

Director: Tom DiCillo Intérpretes: John Densmore, Ray Manzarek, Robby Krieger, Jim Morrison Título en VO: When You’re Strange: A film About The Doors País: USA Año: 2009. Fecha de estreno: 10-12-2010 Duración: 86 min. Género: Documental Color o en B/N: Ambos Guión: Tom DiCillo Fotografía: Paul Ferrara
Música: The Doors
Web Oficial: http://avalonproductions.es/strange/ Voces V.O.: Johnny Depp

La primera película documental sobre The Doors cuenta la historia de una de las bandas más “oscuras y peligrosas” que han existido en el mundo del rock and roll. Utilizando exclusivamente material original, en su mayoría inédito y rodado en buena parte por el propio Morrison entre 1966 y 1971 –período de existencia del grupo-, el director Tom DiCillo presenta a la banda y su contexto en la América de los 60. Su montaje lineal, sin entrevistas actuales, promueve la inmediatez y la modernidad como película por sí misma. Narrada por Johnny Depp, la película abre una ventana al mundo de los excesos de la fama, las drogas y el alcohol en un grupo que triunfó pero que siempre se mantuvo firme en su creencia de ser fiel a la música. Aunque la vida de Jim Morrison, ajetreada y llena de excesos, marca la guía del film, en realidad es la historia de cuatro músicos: Jim Morrison, Ray Manzarek, Robby Krieger y John Densmore. Los cuatro, gracias a su insistencia, su libertad artística y rechazo a comprometerse con las moda, lograron convertirse en referentes de toda una generación (y muchas posteriores), marcando una época.

Presentada y excelentemente recibida en el Festival de Sundance de 2009, la película cuenta con la aprobación de los tres supervivientes de la banda (Morrison fallecía prematuramente en París, a los 27 años de edad), enfrentados por sus diferencias en el uso del nombre del grupo: si Ray Manzarek (teclista) y Robby Krieger (guitarra y, como el film se encarga de recordar, o de descubrir a los neófitos, compositor de gran parte de los temas que les hicieron célebres) siguen tocando y han querido hacerlo usando el nombre de The Doors, John Densmore (batería) siempre se ha negado a ello. Y como hilo conductor de las imágenes, DiCillo cuenta con una voz de lujo: Johnny Depp ejerce de narrador del relato. Al ver estas hipnóticas grabaciones, inéditas hasta ahora,sentí que experimentaba todo a través de los ojos de la banda, cuenta Depp.

Días 22 y 23 de noviembre. 20:30H. Teatro Moderno.

HAPPY THANK YOU MORE PLEASE

Director: Josh Radnor Intérpretes: Josh Radnor, Malin Akerman, Kate Mara, Zoe Kazan, Tony Hale, Pablo Schreiber, Michael Algieri, Richard Jenkins Título en VO: HappyThankYouMorePlease País: USA Año: 2010. Fecha de estreno: 08-04-2011 Duración: 100 min. Género: Comedia dramática, Romance Color o en B/N: Color Guión: Josh Radnor Fotografía: Seamus Tierney
Música: Jaymay Web Oficial: http://www.avalonproductions.es/happy/

Sam Wexler, un joven aspirante a escritor, tiene un día pésimo: debe acudir a una importante cita con el director de una prestigiosa editorial de Nueva York y se despierta tarde y con resaca; por el camino se encuentra con un niño que ha perdido a su madre en el metro; Sam se debate entre continuar su camino o hacerse cargo de él hasta que encuentre a su madre. Como ésta no aparece, decide entonces llevarlo consigo a la editorial. La cita constituye un estrepitoso fracaso. Su vida sentimental no va mucho mejor que su carrera, pasa de una relación a otra, evitando cualquier tipo de compromiso, hasta que conoce a Mississippi, una hermosa camarera que es también cantante. Queda tan fascinado por ella que le propone un curioso trato que hará tambalearse su vida y la de sus amigos.

Josh Radnor nació el 29 de julio de 1974 en Bexley, Ohio, Estados Unidos. Actualmente es posible que sea más conocido por haber interpretado, desde 2005, a Ted Mosby en la célebre Como conocí a vuestra madre, pero tal y como demuestra con esta película su talento va

mucho más allá de la interpretación. Con Happythankyoumoreplease, su opera prima, ha

demostrado que podría ganarse la vida como guionista y director. Su carrera artística arranca en 2000, con la participación en un episodio de la serie Welcome to New York, y un par de años después, en 2002, debuta en Broadway en El graduado, junto a Katheleen Turner y Alicia Silverstone. Fuera de Broadway ha participado en representaciones en Vineyard Theater y en el Manhattan Theater Club, con la compañía Blue Light. Su última representación teatral tuvo lugar en 2008, en la obra de Joe Gilford Finks. Entre sus créditos televisivos, además de Cómo conocí a vuestra madre, figuran entre otras series como Ley y orden, Urgencias, A dos metros bajo tierra o la Juez Amy. No es otra estúpida película americana (2001) supuso su debut en la gran pantalla.

Su agudo guión, combinado con una interpretación sobresaliente de Radnor, cautivará al público que busca comedias románticas con los pies en el suelo.

Premio del Público en el Festival de Sundance.

Días 29 y 30 de noviembre. 20:30H. Teatro Moderno.

“LA MITAD DE ÓSCAR”

Director: Manuel Martín Cuenca Intérpretes: Rodrigo Sáenz de Heredia, Verónica Echegui, Denis Eyriey, Antonio de la Torre, Manuel Martínez Roca Título en VO: La mitad de Óscar País: España Año: 2010. Fecha de estreno: 18-03-2011 Duración: 89 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Manuel Martín Cuenca, Alejandro Hernández Fotografía: Rafael de la Uz
Web Oficial: http://www.lamitaddeoscar.es/ Distribuidora: Golem.

Óscar es guardia de seguridad en una salina semi-abandonada. Tiene 30 años y vive solo. Su vida consiste en ir cada día al trabajo y sentarse a mirar los restos de las montañas de sal. Un día la rutina se rompe. Óscar llega a la residencia de ancianos donde está su único familiar, su abuelo, que padece alzheimer. Se ha puesto peor y lo han trasladado al hospital. La directora le cuenta que ha avisado a su hermana María, de la que no ha sabido nada durante años. La relación entre los dos hermanos parece tensa, algo ocurrió en el pasado que los ha marcado definitivamente. María pretende pasar página, pero él no está dispuesto a ello.

Con La flaqueza del bolchevique (2003) -la película que reveló a María Valverde y contó con un inquietante Luis Tosar-, Manuel Martín Cuenca lo tenía todo para acomodarse en el papel de buen (y poco problemático) profesional al servicio de la industria. Después vino la ambiciosa Malas temporadas (2005), que, en algún momento, sucumbía al kitsch melodramático. Las dos películas despejaban toda duda sobre la competencia del cineasta, pero nada hacía presagiar los desafíos, la ambición y, sobre todo, los logros de La mitad de Óscar, rotunda prueba de madurez, crecimiento y afirmación de una mirada.

Las primeras imágenes pueden levantar la sospecha de que Martín Cuenca intenta un ejercicio de estilo a lo Rosales. Hay otros ecos: en algún momento, la película parece evocar un contraplano improbable de La aventura (1960) o un eco hiperrealista de Cabeza borradora (1976), pero este relato, recorrido por la lava de una pasión prohibida y asfixiada, no tarda en disipar la sombra del mimetismo. Antonio de la Torre compone un personaje con un retrovisor como único asidero, y las siluetas de una estupenda Verónica Echegui y un demolido Rodrigo Sáenz de Heredia defienden el estremecedor clímax de este melodrama en sordina, resuelto con un modélico empleo de elipsis y subtextos. La mitad de Óscar es la plenitud de Martín Cuenca.

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