“BEGINNERS” – 31 de enero y 1 de febrero. 20:30H
Teatro Moderno - Trailer en castellano - Trailer VOSE

Director: Mike Mills Intérpretes: Ewan McGregor, Mélanie Laurent, Christopher Plummer, Goran Visnjic, Mary Page Keller, Kai Lennox, Keegan Boos Título en VO: Beginners País: USA Año: 2011. Fecha de estreno: 08-07-2011 Duración: 105 min. Género: Comedia dramática Color o en B/N: Color Guión: Mike Mills Fotografía: Kasper Tuxen Música: Roger Neill Brian Reitzell Dave Palmer

Oliver Fields (Ewan McGregor) conoce a Anna (Mélanie Laurent) pocos meses después del fallecimiento de su padre, Hal Fields (Christopher Plummer). Gracias a esta relación, Oliver se acuerda cada vez más de su padre, que después de morir la esposa con la que vivió 45 años, salió del armario para disfrutar de una vida gay plena y llena de energía con Andy (Goran Visnjic), un hombre mucho más joven. La tremenda honradez de Hal hizo que padre e hijo se sintieran mucho más próximos que antes. Ahora, Oliver se esfuerza en amar a Anna con el valor, el humor y la esperanza que su padre le legó.

Qué ocurre cuando un hombre de 39 años (McGregor) oye de labios de su padre (Plummer) que siempre ha sido gay y, a pesar de haber querido mucho a su esposa, no está dispuesto a irse de este mundo sin asumir a fondo su homosexualidad? Este sugestivo punto de arranque es no obstante algo así como un macguffin, puesto que en realidad de lo que habla Beginners es de muchas otras cosas: del melancólico sentido de la vida del hijo, de la suerte del padre al encontrar un amante joven, de una historia de amor deslumbrante y, que sin embargo, parece condenada de antemano.

Con estos elementos, Mills borda una película que tiene muchos puntos de interés: la manera tan esquinada con que maneja el humor, una estructura en perpetua vuelta de tuerca y, sobre todo, la propuesta de unos comportamientos masculinos por completo alejados de la ideología patriarcal, algo que necesariamente se debe agradecer en medio de películas dirigidas por hombres que no siempre (en realidad, que casi nunca) parecen dispuestas a recorrer estos caminos.

‘Beginners’ recuerda en ocasiones a las películas de Wong Kar-wai, con su tono nostálgico y su humor. La mezcla especial de la película de tristeza, comedia y esperanza se te acerca silenciosamente y permanece en tu memoria.

“CIRKUS COLUMBIA”
Días 24 y 25 de enero de 2012. 20:30 h - Trailer doblado al castellano

Director: Danis Tanovic Intérpretes: Miki Manojlovic, Mira Furlan, Boris Ler, Jelena Stupljanin, Milan Strljic Título en VO: Cirkus Columbia País: Bosnia Año: 2010. Fecha de estreno: 15-07-2011 Duración: 113 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Danis Tanovic, Ivica Dikic Fotografía: Walther van den Ende
Web Oficial: http://www.wandafilms.com/index.php?inc=ficha&id=1417

Bosnia y Herzegovina, 1991. Los comunistas han caído y Divko Buntic regresa a la pequeña ciudad donde creció para reclamar la casa familiar. Después de vivir exiliado 20 años en Alemania, Divko aparece con su llamativo Mercedes rojo, su novia joven y sexy, su gato negro de la suerte y los bolsillos llenos de marcos alemanes. Los billetes y su primo, recién proclamado alcalde “democrático”, ayudan a Divko a desalojar a la fuerza a Lucija y a Martin, que son realojados en un pequeño y destartalado apartamento municipal. Pero la amenaza de la guerra está cada vez más cerca y pondrá a prueba los sentimientos profundos y la lealtad. Habrá que tomar la decisión más difícil: quedarse o marcharse…

Dos años después de la caída del Muro de Berlín, con los comunistas desaparecidos del poder en Bosnia, Divko piensa que es el momento de volver a su pueblo. Llega con los bolsillos llenos de marcos, en un coche lujoso y con una novia joven. También con un gato, Bonny, que sin quererlo se va a convertir en el macguffin de esta historia de odios escondidos y cuentas sin resolver. Una cosa tan aparentemente tonta como buscar un gato negro explica mucho mejor que algunos ensayos el germen de los enfrentamientos que desgarraron Yugoslavia. En cierto modo, el cine de Tanovic recuerda al de Berlanga, con sus repartos corales y sus argumentos cotidianos a través de los cuales se cuela la crítica más feroz.

Cuando Danis Tanovic estudiaba cine en Sarajevo en 1992, el asedio sobre la ciudad le obligó a dejarlo todo y unirse a un equipo de filmación que grabó durante años los movimientos del ejército. A Tanovic le cuesta rememorar cómo era su vida antes del conflicto: Es como si la guerra hubiera eclipsado todo lo que había existido antes. Tenía la impresión de que era una parte perdida de mi vida. Hacer esta película le ha ayudado a recordar. En su cuarta película, Danis Tanovic sigue explorando esa tierra de nadie que es la antigua Yugoslavia. Si en su primer film narraba un suceso en pleno conflicto, ahora se va unos años atrás para intentar comprender las causas que llevaron a una guerra fratricida y espantosa. Y lo hace, como es habitual en él, en tono de comedia negra, sin personajes buenos ni malos.

“UNA DULCE MENTIRA” – (De vrais mensonges) 17 y 18 de enero, 20.30h
Trailer doblado al castellano – Trailer en versión original sin subtitular

Director: Pierre Salvadori Intérpretes: Audrey Tautou, Nathalie Baye, Sami Bouajila, Daniel Duval Título en VO: De vrais mensonges País: Francia Año: 2010. Fecha de estreno: 15-04-2011 Duración: 105 min. Género: Comedia romántica Color o en B/N: Color Guión: Pierre Salvadori, Bendit Graffin Fotografía: Gilles Henry Música: Philippe Eidel Web Oficial: http://www.devraismensonges-lefilm.com/

Una mañana de primavera, Emilie recibe una carta de amor anónima tan bella como inspirada. Su primera reacción es tirarla a la basura, pero se da cuenta de que puede ser la solución para ayudar a su madre, que no supera la tristeza y el aislamiento desde que su marido la dejó. Sin pensarlo dos veces, se la manda. Emilie aún no sabe que el autor de la carta es Jean, un tímido empleado suyo. Más aún, no puede imaginar que su gesto les proyectará a todos hacia una serie de malentendidos y equívocos que no tardarán en superarlos…

Pierre Salvadori es un director estrechamente ligado a un género: Tengo una obsesión con la comedia dramática cercana al vodevil, con personajes que se enfrentan a situaciones poco probables, y donde lo realmente importante son sus sentimientos. La comedia me parece un género muy serio o, mejor dicho, que debe hacerse con seriedad. Es un género ambiguo y frágil porque está sobreexplotado y subestimado. Desde siempre se cree que para sacar dinero haciendo cine basta con que el espectador se ría a cualquier precio, y a menudo son chistes muy baratos. Se suele olvidar su esencia, la elipsis, la ironía, la verosimilitud, la importancia del relato, el estilo, los personajes, para apresurarse a llegar al resultado, la risa. La elección de la comedia precede a la elección de la historia; los temas se imponen después. Con esta declaración de intenciones, Salvadori, uno de los exponentes más firmes de la comedia francesa contemporánea, define su último trabajo, protagonizado por unos personajes que comparten una cierta falta de autoestima, y que pese a sus buenas intenciones iniciales acaban contagiados por su mal comportamiento.

Salvadori ha vuelto a contar con Tautou, quien ya protagonizó su anterior film, Un engaño de lujo (2006). “Audrey tiene una técnica increíble, pero también sabe dejarse ir para impedir que la técnica la dirija. Tiene la suficiente maestría para ser divertida sin llegar a ser cómica. Y la modestia suficiente. Para hacer una comedia, hay que dejar el orgullo de lado y no mostrar en ningún momento que se es más listo que el personaje. Hay que ser muy “real” en situaciones inverosímiles.”

“LA VIDA DE LOS PECES”

Director: Matías Bize Intérpretes: Blanca Lewin, Santiago Cabrera, Víctor Montero, Pedro del Carril, Francisca Cárdenas, Diego Fontecilla Título en VO: La vida de los peces País: Chile Año: 2010. Fecha de estreno: 01-04-2011 Duración: 83 min. Género: Drama romántico Color o en B/N: Color Guión: Matías Bize, Julio Rojas Fotografía: Bárbara Álvarez Música: Diego Fontecilla Web Oficial: http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/l/la-vida-de-los-peces.html

Andrés vive en Alemania desde hace 10 años. Regresa a Chile para cerrar su pasado antes de asentarse definitivamente en Berlín. En su estancia, asiste a la fiesta de cumpleaños de uno de sus amigos donde redescubre todo un mundo que dejó de ver, incluida Beatriz, su gran amor. Este reencuentro podrá cambiar la vida de Andrés para siempre.

‘La vida de los peces’ es un reflejo de mi evolución como director y es la película que mejor me representa, dice el autor de ‘En la cama’ (2005) o ‘Lo bueno de llorar’ (2006). Así define el chileno Matías Bize su último trabajo, una historia narrada en tiempo real y que transcurre en un único espacio-tiempo: Tenía mucho de lo que ahora se ve en La vida de los peces, sobre todo en lo referente a los planos cerrados. Casi no hay planos generales porque lo que más me interesaba mostrar no tiene que ver con la fiesta, tiene que ver con lo que pasa en la cabeza de Andrés.

El último Goya a la Mejor Película de Habla Hispana arrojó luz sobre este film de Matías Bize que, en la estela de su conocida “En la cama”, sigue apostando por las historias de pocos personajes. En la misma línea de austeridad de En la cama, La vida de los peces ha hecho un plausible esfuerzo por depurar al máximo sus diálogos e ir a la esencia: su seca desnudez es su pasaporte a la verosimilitud y, finalmente, a la emoción. Ocasionalmente divertida, esta película de gestos concretos y miradas sutiles evita el romanticismo adocenado para transmitirnos, de la manera más creíble posible, una historia de amor truncada que se desenreda sin prisas, arrastrando otras historias, de amistad, de aventura, de crecimiento.

Según Bize, la película habla de las segundas oportunidades, del deseo de cerrar una etapa y las dificultades para hacerlo.

Premios Goya 2010: Mejor película hispanoamericana.

Programa:

Tema 1: El expresionismo alemán

- La acentuación y la deformación de la realidad.

- El elemento sobrenatural.

- Las películas señeras.

Tema 2: El surrealismo

- La colisión entre la realidad y el subconsciente.

- La obra de Luis Buñuel.

- Actualidad: de David Lynch a Bill Plympton.

Tema 3: El neorrealismo italiano

- La influencia de la política en la sociedad de posguerra.

- Economía y moral.

- Las mejores obras.

Tema 4: La ‘nouvelle vague’

- La ruptura de los códigos.

- Las mejores películas.

- Influencia posterior.

Tema 5: El ‘free cinema’ británico

- Un grupo de jóvenes airados, los ‘angry young men’.

- Su base literaria y teatral.

- Las películas del ‘fregadero de la cocina’.

Tema 6: El ‘nuevo cine español’

- La base impuesta por Bardem, Berlanga y Fernán-Gómez.

- Un grupo de jóvenes de izquierda en un ambiente de dictadura: Saura, Camus, Martín-Patino, Picazo…

- Auge y decadencia.

Tema 7: La generación de la televisión

- Coincidencia temporal con el llamado ‘Nuevo Hollywood’.

- La conciencia política liberal-progresista.

- La generación del compromiso: Sidney Lumet, Sydney Pollack, Delbert Mann, John Frankenheimer, Alan J. Pakula…

Tema 8: La generación de los setenta. Moteros tranquilos, toros salvajes

- Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, Hal Ashby, George Lucas, Brian de Palma, Michael Cimino, Peter Bodganovich, Roman Polanski…

- ¿El mejor cine de la historia?

- Auge y decadencia.

Javier Ocaña

Crítico de cine del periódico El País, colaborador de diversas revistas especializadas (Cinemanía, Actúa, Gentleman), del programa de televisión Tentaciones, de Canal+, y profesor de cine para la Junta de Colegios Mayores Universitarios de Madrid, donde imparte cursos anuales con créditos de libre configuración otorgados por la Universidad Complutense.

Horarios, alumnado y periodicidad:

-El curso será de un total de 30 horas. Las fechas del curso serán los días 8, 10, 15, 17, 22, 24 y 29 de febrero, en horario de 16.30 horas a 20.45 horas en el Salón de Actos de la Biblioteca Pública de Guadalajara.

Objetivo:

- Aprender a ver el cine, a disfrutarlo con más conocimiento de causa.

- Saber por qué razones concretas una película gusta o repele. Aprender a explicarlo. La mayoría de cinéfilos, que aman tanto una película como para saberse diálogos de memoria, en cambio no saben explicar con detalle por qué esa película les apasiona. La calidad del cine va mucho más allá de unos cuantos adjetivos elogiosos.

- Conocimiento del lenguaje cinematográfico, tanto de la técnica (travellings, zooms, panorámicas…) como de la narrativa (flashbacks, elipsis…).

- Buena parte de la Historia del Cine se puede entender a través de sus grandes generaciones, a través de los movimientos que lo fueron revolucionando.

- Preparación para la práctica: cuando se conoce la teoría del cine y se tiene cultura cinematográfica, el personal puede zambullirse con más facilidad y seguridad en la práctica: es decir, coger una cámara de vídeo y realizar su propio material.

Metodología:

- Conocimiento de la teoría a través de la práctica. Las clases no se basarán en explicaciones orales para que el alumno atienda con más o menos esfuerzo y coja apuntes si se ve con fuerzas o ganas para ello. Las clases se basarán en la continua exhibición de secuencias concretas de películas concretas acerca del tema que se esté tratando en cada momento. Ejemplos de películas conocidas por todos y ejemplos de películas no tan conocidas pero igual de importantes para la Historia del Cine.

- Continua exposición de referencias artísticas, tanto cinematográficas como literarias, pictóricas, musicales, etc. El cine como compendio de todas las artes.

- Continua exposición de referencias políticas, sociales y culturales que afectan a cada película en particular. El cine como reflejo de la vida.

DESCARGA EL FOLLETO CON TODA LA INFORMACIÓN Y EL BOLETÍN DE INSCRIPCIÓN:

Folleto_Curso_de_Cine 2012

FELICES FIESTAS

“WIN WIN GANAMOS TODOS” – (Win Win)
Enlace al trailer en idioma original, sin subtítulos - Enlace al trailer en castellano 

Director: Tom McCarthy Intérpretes: Paul Giamatti, Amy Ryan, Jeffrey Tambor, Melanie Lynskey, Bobby Cannavale, Margo Martindale Título en VO: Win Win País: USA Año: 2011. Fecha de estreno: 01-07-2011 Duración: 106 min. Género: Comedia Color o en B/N: Color Guión: Tom McCarthy Fotografía: Oliver Bokelberg Música: Lyle Workman Web Oficial: http://www.winwinganamostodos.es/

El desencantado abogado Mike Flaherty (Paul Giamatti), que en su tiempo libre es entrenador de un equipo escolar de lucha libre, descubre a una promesa de este deporte al tiempo que se involucra en un cuestionable negocio para poder mantener a su familia. Precisamente cuando parece que va a conseguir duplicar sus honorarios, aparece la madre del chico, recién salida de rehabilitación y completamente arruinada, amenazando con frustrarlo todo.

En su tercer film como director, Tom McCarthy parece cerrar un ensayo sobre el afecto que abrió con The Station Agent (2003) y prolongó con la infravalorada The Visitor (2007). En todas ellas, un elemento extraño invade el tranquilo ecosistema de su protagonista, que deberá atravesar un proceso de crecimiento espiritual hasta darse cuenta de que la felicidad es tan extraña como imprevisible. Puede sonar a fórmula, pero el mérito de McCarthy es lograr que sus personajes nos resulten frescos, cercanos, verdaderos: en su mundo no existe la distancia irónica. Cada microgesto de Giamatti en el film borra toda sospecha de impostura en la mente del espectador, que en ocasiones creerá estar contemplando la versión hiperrealista de una sitcom tradicional.

McCarthy equilibra amargura y optimismo en esta fábula sobre los efectos colaterales de nuestros tiempos de crisis, capaces de hacer que personas decentes tomen malas decisiones, pero también de reunir a almas gemelas que, de lo contrario, estarían a la deriva. Y, si bien pierde pie a la hora de resolver conflictos en su último tramo, remata el trabajo con un plano final capaz de calar hondo sin necesidad de trampas ni aspavientos.

Es la tercera vez que Tom McCarthy nos cuenta una típica historia normal y consigue que salgamos emocionados, enamorados de sus personajes.

“GIANNI Y SUS MUJERES” – (Gianni e le donne)

Director: Gianni Di Gregorio Intérpretes: Gianni Di Gregorio, Valeria De Franciscis Bendoni, Alfonso Santagata, Aylin Prandi Título en VO: Gianni e le donne País: Italia Año: 2011. Fecha de estreno: 26-08-2011 Duración: 90 min. Género: Comedia Color o en B/N: Color Guión: Gianni Di Gregorio, Valerio Attanasio Fotografía: Gogò Bianchi Música: Ratchev & Carratello  Web Oficial: http://golem.es/gianniysusmujeres/

Gianni, un “amo” de casa, tiene muchas cosas de que preocuparse mientras vive su vida de jubilado haciendo recados y trabajitos para su mujer, su hija y su guapa vecina. Un día, su viejo amigo Alfonso, que disfruta de unas sorprendentes aventuras sexuales, decide que ya es hora de que Gianni tenga novia y redescubra algunos de los placeres de la vida.

Mujeriego y calzonazos a partes iguales, el Gianni de este film tiene mucho en común con el solterón de ‘Vacaciones de ferragosto’. Igualmente, ambas películas mantienen constantes: están rodadas en el Trastevere romano, hay una fundamental presencia de la mamma del protagonista en la trama y apuestan por el hedonismo. Di Gregorio lo justifica: Nací y crecí en el Trastevere, y me siento muy próximo al barrio. Los habitantes han cambiado con el tiempo, pero el ambiente sigue siendo mágico. Me gusta que mis películas estén cercanas a la realidad, e instintivamente escogí un mundo que yo conocía… En cuanto al papel de la madre, lo tiene claro: Es un personaje muy poderoso. Creo que muchos hombres mediterráneos sienten que sus destinos están dirigidos por su madre… Y el actor y director ha encontrado a la mejor mamma posible: Valeria De Franciscis, actriz a la que Di Gregorio dio la alternativa en su anterior film y que debutó en pantalla con… ¡93 años!

Una sola película, ‘Vacaciones de ferragosto’, sirvió hace dos años para poner el nombre del veterano guionista actor y director teatral Gianni Di Gregorio en el cénit de la profesión europea. Menos inteligente en el uso del matiz, aunque no menos inquietante en lo que hace a su capacidad de observación y de irónico desmontaje del personaje principal, juega con algunos estereotipos ya explotados, hace años, por la mejor comedia a la taliana, de la que lo distancia la ausencia de mala leche y una comprensión excesiva por un personaje que bordea el patetismo en muchos momentos.

Esta oda a las mujeres que evoca a Fellini y a Woody Allen muestra la maduración de Gianni Di Gregorio como cineasta.

Días 20 y 21 de diciembre. 20:30H. Teatro Moderno.

“WIN WIN GANAMOS TODOS” – (Win Win)

Director: Tom McCarthy Intérpretes: Paul Giamatti, Amy Ryan, Jeffrey Tambor, Melanie Lynskey, Bobby Cannavale, Margo Martindale Título en VO: Win Win País: USA Año: 2011. Fecha de estreno: 01-07-2011 Duración: 106 min. Género: Comedia Color o en B/N: Color Guión: Tom McCarthy Fotografía: Oliver Bokelberg Música: Lyle Workman Web Oficial: http://www.winwinganamostodos.es/

El desencantado abogado Mike Flaherty (Paul Giamatti), que en su tiempo libre es entrenador de un equipo escolar de lucha libre, descubre a una promesa de este deporte al tiempo que se involucra en un cuestionable negocio para poder mantener a su familia. Precisamente cuando parece que va a conseguir duplicar sus honorarios, aparece la madre del chico, recién salida de rehabilitación y completamente arruinada, amenazando con frustrarlo todo.

En su tercer film como director, Tom McCarthy parece cerrar un ensayo sobre el afecto que abrió con The Station Agent (2003) y prolongó con la infravalorada The Visitor (2007). En todas ellas, un elemento extraño invade el tranquilo ecosistema de su protagonista, que deberá atravesar un proceso de crecimiento espiritual hasta darse cuenta de que la felicidad es tan extraña como imprevisible. Puede sonar a fórmula, pero el mérito de McCarthy es lograr que sus personajes nos resulten frescos, cercanos, verdaderos: en su mundo no existe la distancia irónica. Cada microgesto de Giamatti en el film borra toda sospecha de impostura en la mente del espectador, que en ocasiones creerá estar contemplando la versión hiperrealista de una sitcom tradicional.

McCarthy equilibra amargura y optimismo en esta fábula sobre los efectos colaterales de nuestros tiempos de crisis, capaces de hacer que personas decentes tomen malas decisiones, pero también de reunir a almas gemelas que, de lo contrario, estarían a la deriva. Y, si bien pierde pie a la hora de resolver conflictos en su último tramo, remata el trabajo con un plano final capaz de calar hondo sin necesidad de trampas ni aspavientos.

Es la tercera vez que Tom McCarthy nos cuenta una típica historia normal y consigue que salgamos emocionados, enamorados de sus personajes.

Días 10 y 11 de enero. 20:30H. Teatro Moderno.

“LA VIDA DE LOS PECES”

Director: Matías Bize Intérpretes: Blanca Lewin, Santiago Cabrera, Víctor Montero, Pedro del Carril, Francisca Cárdenas, Diego Fontecilla Título en VO: La vida de los peces País: Chile Año: 2010. Fecha de estreno: 01-04-2011 Duración: 83 min. Género: Drama romántico Color o en B/N: Color Guión: Matías Bize, Julio Rojas Fotografía: Bárbara Álvarez Música: Diego Fontecilla Web Oficial: http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/l/la-vida-de-los-peces.html

Andrés vive en Alemania desde hace 10 años. Regresa a Chile para cerrar su pasado antes de asentarse definitivamente en Berlín. En su estancia, asiste a la fiesta de cumpleaños de uno de sus amigos donde redescubre todo un mundo que dejó de ver, incluida Beatriz, su gran amor. Este reencuentro podrá cambiar la vida de Andrés para siempre.

‘La vida de los peces’ es un reflejo de mi evolución como director y es la película que mejor me representa, dice el autor de ‘En la cama’ (2005) o ‘Lo bueno de llorar’ (2006). Así define el chileno Matías Bize su último trabajo, una historia narrada en tiempo real y que transcurre en un único espacio-tiempo: Tenía mucho de lo que ahora se ve en La vida de los peces, sobre todo en lo referente a los planos cerrados. Casi no hay planos generales porque lo que más me interesaba mostrar no tiene que ver con la fiesta, tiene que ver con lo que pasa en la cabeza de Andrés.

El último Goya a la Mejor Película de Habla Hispana arrojó luz sobre este film de Matías Bize que, en la estela de su conocida “En la cama”, sigue apostando por las historias de pocos personajes. En la misma línea de austeridad de En la cama, La vida de los peces ha hecho un plausible esfuerzo por depurar al máximo sus diálogos e ir a la esencia: su seca desnudez es su pasaporte a la verosimilitud y, finalmente, a la emoción. Ocasionalmente divertida, esta película de gestos concretos y miradas sutiles evita el romanticismo adocenado para transmitirnos, de la manera más creíble posible, una historia de amor truncada que se desenreda sin prisas, arrastrando otras historias, de amistad, de aventura, de crecimiento.

Según Bize, la película habla de las segundas oportunidades, del deseo de cerrar una etapa y las dificultades para hacerlo.

Premios Goya 2010: Mejor película hispanoamericana.

Días 17 y 18 de enero. 20:30H. Teatro Moderno.

“UNA DULCE MENTIRA” – (De vrais mensonges)

Director: Pierre Salvadori Intérpretes: Audrey Tautou, Nathalie Baye, Sami Bouajila, Daniel Duval Título en VO: De vrais mensonges País: Francia Año: 2010. Fecha de estreno: 15-04-2011 Duración: 105 min. Género: Comedia romántica Color o en B/N: Color Guión: Pierre Salvadori, Bendit Graffin Fotografía: Gilles Henry
Música: Philippe Eidel Web Oficial: http://www.devraismensonges-lefilm.com/

Una mañana de primavera, Emilie recibe una carta de amor anónima tan bella como inspirada. Su primera reacción es tirarla a la basura, pero se da cuenta de que puede ser la solución para ayudar a su madre, que no supera la tristeza y el aislamiento desde que su marido la dejó. Sin pensarlo dos veces, se la manda. Emilie aún no sabe que el autor de la carta es Jean, un tímido empleado suyo. Más aún, no puede imaginar que su gesto les proyectará a todos hacia una serie de malentendidos y equívocos que no tardarán en superarlos…

Pierre Salvadori es un director estrechamente ligado a un género: Tengo una obsesión con la comedia dramática cercana al vodevil, con personajes que se enfrentan a situaciones poco probables, y donde lo realmente importante son sus sentimientos. La comedia me parece un género muy serio o, mejor dicho, que debe hacerse con seriedad. Es un género ambiguo y frágil porque está sobreexplotado y subestimado. Desde siempre se cree que para sacar dinero haciendo cine basta con que el espectador se ría a cualquier precio, y a menudo son chistes muy baratos. Se suele olvidar su esencia, la elipsis, la ironía, la verosimilitud, la importancia del relato, el estilo, los personajes, para apresurarse a llegar al resultado, la risa. La elección de la comedia precede a la elección de la historia; los temas se imponen después. Con esta declaración de intenciones, Salvadori, uno de los exponentes más firmes de la comedia francesa contemporánea, define su último trabajo, protagonizado por unos personajes que comparten una cierta falta de autoestima, y que pese a sus buenas intenciones iniciales acaban contagiados por su mal comportamiento.

Salvadori ha vuelto a contar con Tautou, quien ya protagonizó su anterior film, Un engaño de lujo (2006). “Audrey tiene una técnica increíble, pero también sabe dejarse ir para impedir que la técnica la dirija. Tiene la suficiente maestría para ser divertida sin llegar a ser cómica. Y la modestia suficiente. Para hacer una comedia, hay que dejar el orgullo de lado y no mostrar en ningún momento que se es más listo que el personaje. Hay que ser muy “real” en situaciones inverosímiles.”

Días 24 y 25 de enero. 20:30H. Teatro Moderno

“CIRKUS COLUMBIA”

Director: Danis Tanovic Intérpretes: Miki Manojlovic, Mira Furlan, Boris Ler, Jelena Stupljanin, Milan Strljic Título en VO: Cirkus Columbia País: Bosnia Año: 2010. Fecha de estreno: 15-07-2011 Duración: 113 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Danis Tanovic, Ivica Dikic Fotografía: Walther van den Ende
Web Oficial: http://www.wandafilms.com/index.php?inc=ficha&id=1417

Bosnia y Herzegovina, 1991. Los comunistas han caído y Divko Buntic regresa a la pequeña ciudad donde creció para reclamar la casa familiar. Después de vivir exiliado 20 años en Alemania, Divko aparece con su llamativo Mercedes rojo, su novia joven y sexy, su gato negro de la suerte y los bolsillos llenos de marcos alemanes. Los billetes y su primo, recién proclamado alcalde “democrático”, ayudan a Divko a desalojar a la fuerza a Lucija y a Martin, que son realojados en un pequeño y destartalado apartamento municipal. Pero la amenaza de la guerra está cada vez más cerca y pondrá a prueba los sentimientos profundos y la lealtad. Habrá que tomar la decisión más difícil: quedarse o marcharse…

Dos años después de la caída del Muro de Berlín, con los comunistas desaparecidos del poder en Bosnia, Divko piensa que es el momento de volver a su pueblo. Llega con los bolsillos llenos de marcos, en un coche lujoso y con una novia joven. También con un gato, Bonny, que sin quererlo se va a convertir en el macguffin de esta historia de odios escondidos y cuentas sin resolver. Una cosa tan aparentemente tonta como buscar un gato negro explica mucho mejor que algunos ensayos el germen de los enfrentamientos que desgarraron Yugoslavia. En cierto modo, el cine de Tanovic recuerda al de Berlanga, con sus repartos corales y sus argumentos cotidianos a través de los cuales se cuela la crítica más feroz.

Cuando Danis Tanovic estudiaba cine en Sarajevo en 1992, el asedio sobre la ciudad le obligó a dejarlo todo y unirse a un equipo de filmación que grabó durante años los movimientos del ejército. A Tanovic le cuesta rememorar cómo era su vida antes del conflicto: Es como si la guerra hubiera eclipsado todo lo que había existido antes. Tenía la impresión de que era una parte perdida de mi vida. Hacer esta película le ha ayudado a recordar. En su cuarta película, Danis Tanovic sigue explorando esa tierra de nadie que es la antigua Yugoslavia. Si en su primer film narraba un suceso en pleno conflicto, ahora se va unos años atrás para intentar comprender las causas que llevaron a una guerra fratricida y espantosa. Y lo hace, como es habitual en él, en tono de comedia negra, sin personajes buenos ni malos.

Días 31 de enero y 1 de febrero. 20:30H. Teatro Moderno

“BEGINNERS”

Director: Mike Mills Intérpretes: Ewan McGregor, Mélanie Laurent, Christopher Plummer, Goran Visnjic, Mary Page Keller, Kai Lennox, Keegan Boos Título en VO: Beginners País: USA Año: 2011. Fecha de estreno: 08-07-2011 Duración: 105 min. Género: Comedia dramática Color o en B/N: Color Guión: Mike Mills Fotografía: Kasper Tuxen Música: Roger Neill Brian Reitzell Dave Palmer

Oliver Fields (Ewan McGregor) conoce a Anna (Mélanie Laurent) pocos meses después del fallecimiento de su padre, Hal Fields (Christopher Plummer). Gracias a esta relación, Oliver se acuerda cada vez más de su padre, que después de morir la esposa con la que vivió 45 años, salió del armario para disfrutar de una vida gay plena y llena de energía con Andy (Goran Visnjic), un hombre mucho más joven. La tremenda honradez de Hal hizo que padre e hijo se sintieran mucho más próximos que antes. Ahora, Oliver se esfuerza en amar a Anna con el valor, el humor y la esperanza que su padre le legó.

Qué ocurre cuando un hombre de 39 años (McGregor) oye de labios de su padre (Plummer) que siempre ha sido gay y, a pesar de haber querido mucho a su esposa, no está dispuesto a irse de este mundo sin asumir a fondo su homosexualidad? Este sugestivo punto de arranque es no obstante algo así como un macguffin, puesto que en realidad de lo que habla Beginners es de muchas otras cosas: del melancólico sentido de la vida del hijo, de la suerte del padre al encontrar un amante joven, de una historia de amor deslumbrante y, que sin embargo, parece condenada de antemano.

Con estos elementos, Mills borda una película que tiene muchos puntos de interés: la manera tan esquinada con que maneja el humor, una estructura en perpetua vuelta de tuerca y, sobre todo, la propuesta de unos comportamientos masculinos por completo alejados de la ideología patriarcal, algo que necesariamente se debe agradecer en medio de películas dirigidas por hombres que no siempre (en realidad, que casi nunca) parecen dispuestas a recorrer estos caminos.

‘Beginners’ recuerda en ocasiones a las películas de Wong Kar-wai, con su tono nostálgico y su humor. La mezcla especial de la película de tristeza, comedia y esperanza se te acerca silenciosamente y permanece en tu memoria.

Días 7 y 8 de febrero. 20:30H. Teatro Moderno.

“EL ÁRBOL” – (The Tree)

Director: Julie Bertuccelli Intérpretes: Charlotte Gainsbourg, Morgana Davies, Marton Csokas, Aden Young, Penne Hackforth-Jones, Gillian Jones, Arthur Dignam, Tom Russell Título en VO: The Tree País: Australia, Francia Año: 2010. Fecha de estreno: 03-06-2011 Duración: 100 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Julie Bertuccelli Fotografía: Nigel Bluck Música: Grégoire Hetzel
Web Oficial: http://elarbollapelicula.blogspot.com/

Después de la inesperada muerte de su marido, Dawn debe hacer frente al dolor y cuidar de sus cuatro hijos. Simone, la única niña, tiene ocho años y es la que parece echar más en falta a su padre. Simone comparte un secreto con su madre: su padre le susurra cosas a través de las hojas del magnífico árbol que se alza cerca de la casa familiar. Convencida de que su padre ha vuelto para cuidar de la familia, Simone pasa cada vez más tiempo encaramada al árbol, hablando con su padre. Dawn también empieza a sentirse cautivada por la imponente presencia del árbol. Pero cuando Dawn empieza a intimar con George, su nuevo jefe, el vínculo entre madre e hija amenaza con romperse. Incluso parece que el árbol esté de acuerdo con Simone cuando las ramas empiezan a infiltrarse en la casa y las raíces dañan los cimientos. La niña protesta, convencida de que van a cortar su árbol, instalándose entre las ramas más altas. Pero Dawn no permitirá que el árbol controle a su familia.

Bertuccelli explica que encontrar el árbol adecuado era crucial. Pasamos dos años buscando, reconoce: Debía ser grande, dar miedo en algunos momentos y mostrarse protector en otros. Muchos le recomendaron construir un árbol artificial: Yo quería hacer algo orgánico, vivo, con trasfondo casi documental, argumenta. Lo que sí se construyó fue la casa próxima al árbol donde transcurre parte de la acción, pero respetando la integridad del árbol, apunta Bertuccelli. Durante el rodaje, fue nuestro Dios.

Persiguiendo la metáfora visual, El Árbol se abre con las imágenes de una casa prefabricada y móvil, símbolo de una cierta suspensión existencial. Más tarde, un parabrisas resquebrajado enmarca la crisis familiar. Aunque finalmente, la que prevalece es la figura del árbol protector, que llena, en el plano físico y en el imaginario, la inmensidad del vacío paterno. Ideas que terminan diluidas dentro de las plácidas aguas del relato.

Días 14 y 15 de febrero. 20:30H. Teatro Moderno.

“SILENCIO DE AMOR” – (Tous les soleils)

Director: Philippe Claudel Intérpretes: Stefano Accorsi, Neri Marcoré, Clotilde Courau, Lisa Cipriani, Anouk Aimée Título en VO: Tous les soleils País: Francia Año: 2011. Fecha de estreno: 22-07-2011 Duración: 105 min. Género: Comedia Color o en B/N: Color Guión: Philippe Claudel Fotografía: Denis Lenoir Web Oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=244&titulo=Silence%20d%27amour&z=

Alessandro es italiano y enseña música barroca en Estrasburgo. Vive con su hija Irina, de 15 años, en plena crisis adolescente, y con su hermano Crampone, un encantador y excéntrico anarquista que pide asilo político desde que Berlusconi subió al poder. En ciertos momentos, Alessandro siente que cría a dos adolescentes, pero no ve el vacío en su propia vida. Se esfuerza en ser el padre perfecto y ha olvidado reconstruir su vida afectiva, sobre todo porque está rodeado de amigos divertidos que le impiden sentirse solo. Pero cuando su hija descubre la emoción del primer amor, la vida de Alessandro sufre un cambio tan inesperado como dramático.

Cuando empieza la película pensamos que estamos en París, pero es Estrasburgo. Cuando empieza la película pensamos que estamos ante una comedia, pero es un drama romántico. Cuando empieza la película creemos que lo sabemos todo de los personajes, pero en realidad no sabemos nada. Philippe Claudel consigue que las ideas preconcebidas en los primeros 10 minutos del film se vayan desmontando una tras otra. El protagonista es un profesor de música barroca en la universidad. Es viudo pero tiene una hija adolescente en plena crisis de crecimiento y un hermano comunista que se niega a salir de casa hasta que Berlusconi abandone el poder; un grupo de amigos de toda la vida y el recuerdo de su mujer. También tiene una coral donde canta música barroca y una ocupación solidaria: leer libros en voz alta a enfermos terminales. Con estos ingredientes, Philippe Claudel nos va desgranando la vida de Alessandro y su difícil aceptación de los cambios que se van produciendo en su entorno.

Cuenta Claudel que “me apetecía probar con un registro más ligero. Una comedia no se filma igual que un drama. Me gustaba la idea de enfrentarme a otra gramática cinematográfica. Escogí a un italiano porque tenía ganas de retratar a los extranjeros que viven en Francia y mostrar que participan en la riqueza cultural de mi país, en un momento en el que a ciertos políticos les gustaría cerrar nuestras fronteras. Además, quería que mi película recordara ligeramente a las comedias italianas de los 60, que mezclaban tan bien la carcajada con la gravedad.”

Días 21 y 22 de febrero. 20:30H. Teatro Moderno.

“LAS ACACIAS”

Director: Pablo Giorgelli Intérpretes: Germán de Silva, Hebe Duarte, Nayra Calle Mamani Título en VO: Las acacias País: Argentina Año: 2011. Fecha de estreno: 14-10-2011 Duración: 85 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Pablo Giorgelli, Salvador Roselli Fotografía: Diego Poleri Web Oficial: http://www.lasacaciasfilm.com/

La película ganadora de la Cámara de Oro a la mejor opera prima en el Festival de Cannes 2011 narra un viaje entre Asunción del Paraguay y Buenos Aires. Un camionero debe llevar a una mujer desconocida. La mujer no está sola. Carga con su bebé. 1.500 kilómetros de ruta les quedan por recorrer.

Cuando el padre de Pablo Giorgelli descubrió que su hijo hacía pellas en el colegio para ir al cine, a parte de reñirle le animó a descubrir clásicos de Fellini o Truffaut. Poco imaginaba que años más tarde el niño sería premiado en Cannes con su opera prima. El director espera ahora que el premio mejore el futuro de un film a priori condenado a la invisibilidad: Quiero un estreno digno, y eso es difícil en Argentina, donde las salas están monopolizadas por el cine comercial. De una depuración narrativa extrema, rodado a bordo de un camión, narra el viaje de un camionero argentino y una mujer paraguaya parcos en palabras. En sus miradas y silencios descubrimos a dos seres humanos impenetrables. El proyecto nació en 2001, cuando el Corralito sacudió con dureza a Giorgelli: Vinieron años duros, y el film está ligado a cuestiones personales: la historia de mi familia, la dificultad para comunicarnos, y mi propia relación con la paternidad. 10 años después de la crisis, Giorgelli pudo dedicar la Cámara de Oro de Cannes al hombre que le enseñó a amar el cine: su padre.

Las acacias (que toma el título del simbólico material que transporta el protagonista) es película de imágenes, de cámara, de observación. Poco texto y mucha carretera, para ir deshilvanando la personalidad de esta pareja unida por los intereses y la crisis. O sea, se puede contar lo mismo que otras películas del mismo país sin gastar tanta saliva, usando las elipsis, conservando el misterio, manteniendo algunos secretos hasta el final. Y entonces tampoco desvelarlos.

Festival de Cannes 2011: Cámara de Oro (Mejor ópera prima).

Festival de San Sebastián 2011: Mejor película (sección “Horizontes latinos”).

Días 28 y 29 de febrero. 20:30H. Teatro Moderno.

“NADER Y SIMIN, UNA SEPARACIÓN” – (Jodaeiye Nader az Simin)

Director: Asghar Farhadi Intérpretes: Shahab Hosseini, Merila Zarei, Babak Karimi, Sarina Farhadi, Sareh Bayat, Peyman Moadi, Leila Hatami Título en VO: Jodaeiye Nader az Simin País: Iran Año: 2011. Fecha de estreno: 07-10-2011 Duración: 123 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Asghar Farhadi Fotografía: Mahmoud Kalari Música: Sattar Oraki Web Oficial: http://www.golem.es/naderysiminunaseparacion/

Simin y Nader son un matrimonio que, junto a su hija Termeh, deciden abandonar Irán en busca de una vida mejor. Cuando todo está casi preparado, sin embargo, él se echa atrás por temor a abandonar a su padre, a quien le han diagnosticado Alzheimer. Ella decide pedir el divorcio y, al no serle concedido, se muda a vivir con sus padres. Las cosas se complicarán cuando Nader, quien se queda con la niña, decida contratar a una mujer para ayudarle con el cuidado de su padre. Un buen día, al llegar a casa, se encontrará al anciano atado a la mesa y, a partir de ahí, todo dará un vuelco.

Difícil imaginar una película que maneje mejor los puntos de vista, que controle con más astucia lo que se dice y lo que no se ve. El director de ‘A propósito de Elly’ nos reserva el incómodo papel de jueces en una película que modifica los mecanismos de la empatía que sentimos por sus criaturas a cada cambio de plano. Y durante ese proceso, vertiginoso, no solo habla de las particularidades de la sociedad iraní, sino también de que, en definitiva, esta magnífica tragedia contemporánea podría ocurrir en cualquier lugar del planeta.

La primera película iraní que logra ganar el Oso de Oro en el Festival de Berlín. En una decisión inédita, prácticamente todo el reparto de la película también fue premiado allí. Peyman Moaadi, Ali-Asghar Shahbazi y Babak Karimi compartieron el Oso de Plata al Mejor Actor. Aunque las verdaderas protagonistas del film son Sareh Bayat y Sarina Farhadi (Oso de Plata ex aequo a la Mejor Actriz), que interpretan a dos mujeres con las que Farhadi intenta romper estereotipos: El público occidental tiene una visión muy parcial de la realidad de las mujeres en Irán. Es cierto que algunas de ellas son pasivas y viven encerradas, pero la mayoría tienen una presencia activa en la sociedad. Ambos tipos de mujeres están presentes en la película, sin que ninguno sea condenado o ensalzado.

Festival de Berlín 2011: Oso de Oro a la mejor película, Mejor actor, Mejor actriz.

“LA MITAD DE ÓSCAR”

Director: Manuel Martín Cuenca Intérpretes: Rodrigo Sáenz de Heredia, Verónica Echegui, Denis Eyriey, Antonio de la Torre, Manuel Martínez Roca Título en VO: La mitad de Óscar País: España Año: 2010. Fecha de estreno: 18-03-2011 Duración: 89 min. Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Manuel Martín Cuenca, Alejandro Hernández Fotografía: Rafael de la Uz
Web Oficial: http://www.lamitaddeoscar.es/ Distribuidora: Golem.

Óscar es guardia de seguridad en una salina semi-abandonada. Tiene 30 años y vive solo. Su vida consiste en ir cada día al trabajo y sentarse a mirar los restos de las montañas de sal. Un día la rutina se rompe. Óscar llega a la residencia de ancianos donde está su único familiar, su abuelo, que padece alzheimer. Se ha puesto peor y lo han trasladado al hospital. La directora le cuenta que ha avisado a su hermana María, de la que no ha sabido nada durante años. La relación entre los dos hermanos parece tensa, algo ocurrió en el pasado que los ha marcado definitivamente. María pretende pasar página, pero él no está dispuesto a ello.

Con La flaqueza del bolchevique (2003) -la película que reveló a María Valverde y contó con un inquietante Luis Tosar-, Manuel Martín Cuenca lo tenía todo para acomodarse en el papel de buen (y poco problemático) profesional al servicio de la industria. Después vino la ambiciosa Malas temporadas (2005), que, en algún momento, sucumbía al kitsch melodramático. Las dos películas despejaban toda duda sobre la competencia del cineasta, pero nada hacía presagiar los desafíos, la ambición y, sobre todo, los logros de La mitad de Óscar, rotunda prueba de madurez, crecimiento y afirmación de una mirada.

Las primeras imágenes pueden levantar la sospecha de que Martín Cuenca intenta un ejercicio de estilo a lo Rosales. Hay otros ecos: en algún momento, la película parece evocar un contraplano improbable de La aventura (1960) o un eco hiperrealista de Cabeza borradora (1976), pero este relato, recorrido por la lava de una pasión prohibida y asfixiada, no tarda en disipar la sombra del mimetismo. Antonio de la Torre compone un personaje con un retrovisor como único asidero, y las siluetas de una estupenda Verónica Echegui y un demolido Rodrigo Sáenz de Heredia defienden el estremecedor clímax de este melodrama en sordina, resuelto con un modélico empleo de elipsis y subtextos. La mitad de Óscar es la plenitud de Martín Cuenca.

Desde el 21 de noviembre hasta el 27 de diciembre, la Federación Provincial de Asociaciones Culturales de Guadalajara (FPAC) celebra el 25 de aniversario de su constitución, y lo hace promoviendo una serie de actividades en la que están implicadas gran número de agrupaciones culturales de nuestra ciudad y provincia.

Por parte del Cineclub Alcarreño se proyectará de forma gratuita para todo el público la película “La Mitad de Óscar” de Manuel Martín Cuenca, los días 29 y 30 de noviembre.

Cartel Programación