Días 31 de marzo y 1 de abril. 20:30H. Teatro Moderno.
(CERTAMEN NACIONAL DE TEATRO ARCIPRESTE DE HITA)
MI RELACIÓN CON LA COMIDA de Angélica Liddell
Fecha de Estreno: 30 de marzo de 2006. Realización: La República. Voz: Alberto Núñez. Fotografías: Marta Azparren. Montaje: Francisco Slade. Dirección: Fernando Renjifo.
«Hoy en día, la miseria es el gran genocidio consentido»
En Mi relación con la comida, Premio SGAE de teatro 2004, Angélica Liddell realiza una reflexión visceral sobre las diferencias del mundo globalizado, intentando resolver el desprestigio de la utopía y la reconstrucción ética. El texto está concebido como un monólogo pronunciado por una autora a la que un productor invita a comer para hablar de una de sus piezas teatrales. “¿Es necesario que coma con usted? ¿En ese lugar? ¿Es absolutamente necesario? ¿Es necesario para mi obra?” Angélica Liddell, galardonada con el Premio Valle-Inclán en 2007, es uno de los valores más revolucionarios que tiene la actual escena española.
El texto fue escrito en 2004 y ese mismo año gana el Premio SGAE de teatro. La obra se publica en 2005 en esa colección y el 30 de marzo de 2006 la compañía la República estrena en El Canto de la Cabra este video-creación sobre el texto de Liddell.
Angélica Liddell (Figueres, 1966) es licenciada en Psicología por la Universidad Autónoma de Madrid y en Interpretación por la Real Escuela Superior de Arte Dramático. En 2007 fue galardonada con el Premio Valle-Inclán. En 1988 escribe su primer texto teatral, Greta quiere suicidarse, por el que gana el VIII Premio «Ciudad de Alcorcón». Dos años después escribiría La condesa y la importancia de las matemáticas (1990) que sería calificada por su autora como «producto de una mala digestión del cine de Peter Greenaway». En 1993, y tras un taller de dramaturgia con Marco Antonio de la Parra, funda la Compañía Atra Bilis y comienza a estrenar sus propios textos. En su producción hasta el momento se detectan dos períodos que tienen en el Monólogo necesario para la extinción de Nubila Wahlheim y Extinción de 2002 un punto de inflexión. Antes de esta obra su creación explora de forma compulsiva y en exclusiva los límites de su Yo: Leda (1993), Dolorosa (1993), Suicidio de amor por un difunto desconocido (1996), Frankenstein (1997), La falsa suicida (1998), Perro muerto en tintorería (1999), El matrimonio Palavrakis (2000), Once upon a time in West Asphixia (2001). A partir de Nubila, la autora se abre al mundo y explora las contradicciones de su entorno: Lesiones incompatibles con la vida (2002), Y los peces salieron a combatir contra los hombres (2003), Mi relación con la comida (2004), Y como no se pudrió Blancanieves (2004), El año de Ricardo (2005), Boxeo para células y planetas (2006), La desobediencia (2008).
Días 14 y 15 de abril. 20:30H. Teatro Moderno.
LA CLASE – “Entre les murs”
Director: Laurent Cantet Intérpretes: François Bégaudeau, Frédéric Faujas, Patrick Dureuil, Olivier Dupeyron, Vincent Caire País: Francia Año: 2008. Fecha de estreno: 16-01-2009 Duración: 128 min. Género: Drama. Distribuye: Golem.
François es un joven profesor de lengua francesa en un instituto difícil, situado en un barrio conflictivo. Sus alumnos tienen entre 14 y 15 años. No duda en enfrentarse a ellos en estimulantes batallas verbales. Pero el aprendizaje de la democracia puede implicar auténticos riesgos. François -autor de la novela en la que se basa la película, con formato de docudrama- y los demás profesores se preparan para enfrentarse a un nuevo curso. Llenos de buenas intenciones, deseosos de aportar la mejor educación a sus alumnos, se arman contra el desaliento. Pero las culturas y las actitudes se enfrentan en el aula, microcosmos de la Francia contemporánea. Por muy divertidos y estimulantes que sean los adolescentes, sus comportamientos pueden cortar de raíz el entusiasmo de un profesor que no cobra bastante. La tremenda franqueza de François sorprende a sus alumnos, pero su estricto sentido de la ética se tambalea cuando los jóvenes empiezan a no aceptar sus métodos.
Una astuta e inteligente película sobre la identidad moderna de Francia, con toda su multiculturalidad, que se adapta a duras penas a un sistema que le resulta ajeno y sobre el intento de transformar a los jóvenes en ciudadanos a través del diálogo, todo un prodigio de montaje que recoge con elegante precisión los pormenores de una batalla dialéctica y vital sin solución, una propuesta verdaderamente atípica, formalmente valiente, dramáticamente hipnótica y temáticamente imprescindible.
No hay epifanías de buen rollo ni vidas de santos ni alumnos iluminados que encuentran el camino a seguir. Cantet afirma que “el microcosmos de una clase suele ser reflejo de la propia sociedad y me permite abordar temas que me interesan especialmente: la integración de los inmigrantes, los efectos de la invisibilidad de las minorías o la explosiva situación de la banlieue francesa. Todo pasa por la escuela y empieza en ella.”
Festival de Cannes: Palma de Oro
Días 21 y 22 de abril. 20:30H. Teatro Moderno.
VALS CON BASHIR – “Waltz with Bashir”
Director: Ari Folman País: Alemania, Francia, Israel Año: 2008. Fecha de estreno: 20-02-2009 Duración: 87 min. Género: Documental de Animación. Distribuye: Golem.
Documental animado sobre la matanza de refugiados palestinos en Sabra y Chatila (Líbano) en 1982. Una noche, en un bar, un viejo amigo cuenta al director Ari que tiene una pesadilla recurrente en la que le persiguen 26 perros. Cada noche, el mismo número de animales. Los dos hombres llegan a la conclusión de que tiene que ver con una misión que realizaron para el ejército israelí durante la primera guerra con el Líbano a principios de los años ochenta. Ari se sorprende ante el hecho de que no recuerde nada de ese periodo de su vida. Intrigado, decide ver y hablar con viejos amigos y antiguos compañeros dispersados por el mundo entero. Necesita saber la verdad acerca de ese periodo y de sí mismo. Ari escarba cada vez más y sus recuerdos empiezan a reaparecer mediante imágenes surrealistas…
Desde la demoledora escena inicial Folman ha conformado una película única por su novedosa mezcla de formatos y géneros, y por su apabullante capacidad para evocar la realidad del drama mediante elementos nada realistas.
Vals con Bashir es el diván donde atienden a los ex soldados traumatizados por la guerra: escondidos en el reverso del diseño flotante del dibujo que recubre de onirismo la imagen real están las pesadillas de todos los israelíes que participaron en la Guerra del Líbano y que aún siguen, más de 20 años después, hechizados por la sombra de los cadáveres y la sangre derramada.
Ari Folman, director, ve el film como su historia personal. “La película empieza el día que descubrí que algunas partes de mi vida se habían borrado de mi memoria. Los cuatro años que he empleado en hacer Vals con Bashir me provocaron un violento trastorno psicológico. Descubrí cosas muy duras de mi pasado en el mismo periodo en el que nacieron mis hijos. Puede que la cinta sea para ellos, para que jamás participen en una guerra. Esta terapia me ha transformado profundamente. Creo que todos los soldados israelíes que vivieron esos hechos, todos los soldados del mundo, se identificarán con lo que denuncio. La guerra es inútil, es un infierno. He rodado la película desde el punto de vista de un soldado cualquiera. No tiene nada que ver con las películas estadounidenses. No tiene nada de glamouroso ni de glorioso. No son más que hombres muy jóvenes, que no van a ninguna parte y que disparan contra desconocidos, y les disparan desconocidos, y que vuelven a sus casas intentando olvidarlo todo.”
Día 28 de abril. 20:30H. Teatro Moderno.
(IX JORNADAS DE CASTILLA LA MANCHA SOBRE INVESTIGACIÓN EN ARCHIVOS)
EL TRABAJO Y LA MEMORIA OBRERA
LA CUESTIÓN HUMANA – “La Question humaine”
Director: Nicolás Klotz Intérpretes: Laetitia Spigarelli, Mathieu Amalric, Michael Lonsdale, Jean-Pierre Kalfon, Lou Castel. País: Francia Año: 2007. Fecha de estreno: 14-11-2008 Duración: 143 min.
Simon tiene cuarenta años, es psicólogo en el departamento de recursos humanos de SC Farb, un complejo petroquímico que es la filial en Francia de una gran multinacional alemana. Su trabajo consiste fundamentalmente en entrevistar a posibles trabajadores, hasta el día que recibe un encargo especial. Karl Rose, codirector de la empresa junto a Mathias Just, le pide que haga una evaluación psiquiátrica de este último. Simon se ve atrapado entre sus dos jefes, e intenta, desde su objetividad profesional, cumplir el encargo de la forma más aséptica posible. Pero ante Just no es posible permanecer al margen: esa mente es el horror de la noche más negra.
A través del descenso a los infiernos del psicólogo del departamento de recursos humanos de una petroquímica alemana, Nicolas Klotz hace un ejercicio de memoria histórica, señalando con el dedo a todos los que han permitido que el totalitarismo disfrazado de lógica capitalista se haya filtrado en las estructuras de la sociedad occidental sin que nadie hiciera nada por evitarlo. No es una película fácil, por lo que tiene de ejercicio de toma de conciencia cerebral, distante y cruel, pero su extrema lucidez la hace completamente recomendable para aquellos que aún piensan que vivimos en el mejor y más libre de los mundos posibles, para aquellos que quieran reflexionar sobre lo que solemos dar por sentado.
Día 29 de abril. 20:30H. Teatro Moderno
(IX JORNADAS DE CASTILLA LA MANCHA SOBRE INVESTIGACIÓN EN ARCHIVOS)
EL TRABAJO Y LA MEMORIA OBRERA
EN UN MUNDO LIBRE – “It’s a Free World”
Director: Ken Loach Intérpretes: Kierston Wareing, Juliet Ellis, Leslaw Zurek, Joe Siffleet, Colin Coughlin, David Doyle País: Alemania, España, Gran Bretaña, Italia Año: 2007. Fecha de estreno: 22-02-2008 Duración: 98 min. Género: Drama. Distribuye: Alta Films.
“En un mundo libre” es una historia ambientada en la realidad anglosajona actual, presidida por el “milagro” de la flexibilidad laboral, la globalización, los dobles turnos de trabajo, los salarios bajos y muchos consumidores felices y despreocupados: nosotros. Angie y su compañera de piso, Rose, deciden ser sus propias jefas, y abren una agencia de trabajo temporal para trabajadores inmigrantes, una empresa que actúa en un mundo inestable en el que el trabajo es barato y las leyes sólo sirven para ser ignoradas. Relacionándose con extranjeros desesperados por sobrevivir, su negocio puede ser muy rentable…
Ken Loach no se rinde y sigue agitando las conciencias de Gran Bretaña con su cine. Ahora se centra en la situación laboral de los inmigrantes. “A lo suyo se le llama trabajo flexible, que es un concepto estupendo para las personas que dan empleo pero nada bueno para quienes trabajan”, explica el cineasta, un relato que tiene otra intención: Mostrar un cambio en la concienciación social que defiende la idea de que estamos solos y no tenemos responsabilidades hacia el resto del mundo. Un estado que nos lleva de regreso a los años de Thatcher.” Ken Loach no perdona.
2007: Venecia: Mejor guión
Días 5 y 6 de mayo. 21:00H. Teatro Moderno.
LA LEY DE LA CALLE – “Rumble Fish”
Director: Francis Ford Coppola Intérpretes: Matt Dillon, Diane Lane, Mickey Rourke, Dennos Hopper, Nicolas Cage, Tom Waits, Laurence Fishburne, Chris Penn, Vicent Spano País: USA Año: 1983. Duración: 94 min. Género: Drama. Distribuye: Cooperfilms.
Rusty James (Matt Dillon), es un adolescente cuyo prestigio en las calles ha crecido bajo la sombra de la legendaria reputación de su hermano, el enigmático y carismático «Chico de la Moto» (Mickey Rourke). Rusty James sueña con ser como su hermano y volver a la época en donde las pandillas lo eran todo y donde el «Chico de la Moto» reinaba. Después de dos meses de ausencia el «Chico de la Moto» regresa. Luego de revelar algunos secretos familiares sobre su madre, los hermanos deciden cambiar sus vidas para siempre o morir en el intento.
Película que habla de jóvenes que tratan de encontrar una razón de vivir fuera del sistema impuesto, donde el correr de un tiempo vacío es la preocupación del sistema dominante, y es que el paso del tiempo es una de las obsesiones de esta película de Coppola. Tiempo sin esperanza donde el transcurrir de las horas señala la búsqueda de una muerte presentida. La soledad es la segunda obsesión del filme, después del paso del tiempo, la preocupación por no abandonar a los demás, por seguir manteniendo el concepto de grupo. Un mundo donde los personajes están encerrados, como el pez no pueden escapar de su pecera. La rebelión incluye la muerte. Aunque se va a producir el relevo y a lo mejor también la victoria. Un individuo muere cuando se rebela. Es sacrificado por el sistema. Sus ejecutores son los poderes dominantes.
Concha de Oro en San Sebastián.
Días 12 y 13 de mayo. 21:00H. Teatro Moderno.
(CERTAMEN DE POESÍA ARRIVERSOS)
LA HISTORIA DEL CAMELLO QUE LLORA – “The Story of the Weeping Camel”
Director: Luigi Falorni, Byambasuren Davaa País: Mongolia, Alemnia Año: 2003. Fecha de estreno: 10-12-2004 Duración: 90 min. Género: Documental. Distribuye: Karmafilms.
Primavera en el desierto de Gobi, al sur de Mongolia. Una familia de pastores nómadas ayuda al nacimiento de su manada de camellos. Uno de los camellos tiene serias dificultades para dar a luz, pero, con la ayuda de la familia, consigue alumbrar a su cría, un camello diferente a los demás, de color blanco. A pesar de los esfuerzos de los nómadas la madre rechaza al recién nacido, negándole su leche y amor materno. Cuando parecen haber desaparecido todas las esperanzas, los nómadas envían a sus hijos a un viaje por el desierto en busca de un músico, que es llevado al campamento para llevar a cabo un ritual impresionante que llega al corazón de la madre de la cría.
Los directores, una mongol y un italiano, dos cineastas de distintas raíces y culturas, se han unido para dar una visión antropológica de la vida en un lugar tan desconocido y alejado de nuestro entorno como el desierto del Gobi, optando por recrear ciertos momentos en la vida cotidiana de una familia mongola. Uno de esos momentos nos muestra el conflicto de un joven entre sus deseos de una vida más moderna y occidental y la vida en familia.
Esta película nos proporciona una experiencia visual única y encantadora, donde lo que importa no es tanto lo que sucede, sino cómo se cuenta. De este modo, el exotismo deviene entrañable, los pequeños acontecimientos adquieren una consistencia inusitada, la sencillez, sin embargo, no es sinónimo de ingenuidad y el film es plenamente consciente del terreno que pisa. La cámara vibra con la misma carga poética cuando filma personas y animales, pero dedica una atención muy especial al viaje que dos niños emprenden a la ciudad. Es ahí donde, por primera vez, la civilización se hace presente e irrumpe, por la vía de la televisión y los videojuegos, en un Paraíso incorrupto que el film capta y transmite con profundo respeto.
Bello, sucinto y a ratos sublime poema con un tramo final simplemente mágico y milagroso. Para los que creen en el cine como ventana sobre la realidad.
Días 19 y 20 de mayo. 21:00H. Teatro Moderno.
A CIEGAS – “Blindlness”
Director: Fernando Meirelles Intérpretes: Julianne Moore, Mark Ruffalo, Alice Braga, Danny Glover, Gael García Bernal, Sandra Oh País: Brasil, Canadá, Japón Año: 2008. Fecha de estreno: 13-03-2009 Duración: 120 min. Género: Drama. Distribuye: Notro Films.
Adaptación de “Ensayo sobre la ceguera” del Premio Nobel portugués José Saramago. Una curiosa epidemia de ceguera sacude un país. Las primeras víctimas de este accidente son encerradas en un hospital sin recibir explicaciones ni apoyo. Entre ellas está una mujer que conserva su vista en secreto para poder acompañar a su marido ciego. En el encierro se darán todo tipo de atrocidades y en la calle dominará el caos y el terror…
Es una película extraña, enfermiza, con atmósfera, con algo atractivo, la historia produce enorme angustia y turbación”.
Fernando Meirelles ha traducido con fidelidad el espíritu nihilista de la fábula de Saramago, que demuestra que entre ser ciego y estar ciego no hay apenas diferencias. Consigue lo que pretende toda distopía que se precie de serlo: contemplar el retorno a los orígenes de la civilización, husmear en los más bajos instintos del ser humano y observar la facilidad con que estamos dispuestos a saquear y violar nuestros derechos más preciados para sobrevivir.
”Lo esencial era abordar la ceguera de los personajes como metáfora de nuestra ceguera interior. Observar cómo, a veces, somos incapaces de vernos a nosotros mismos. Otras, no conseguimos ver y comprender a los que nos rodean. Y en muchos aspectos, vivimos una ceguera ante los grandes males del mundo: el hambre, la pobreza o la destrucción del planeta. Incluso la violencia o las guerras se generan a raíz de la ceguera que impide dialogar a las partes en conflicto.”
Días 26 y 27 de mayo. 21:00H. Teatro Moderno.
SLUMDOG MILLIONAIRE
Director: Danny Boyle Intérpretes: Dev Patel, Anil Kapoor, Saurabh Shukla, Rajendranath Zutshi, Jeneva Talwar. País: Gran Bretaña, USA Año: 2008. Fecha de estreno: 13-02-2009 Duración: 120 min. Género: Thriller. Distribuye: Filmax.
Jamal Malik es un adolescente pobre de Bombay que, por un motivo desconocido, está concursando en la versión hindú del programa “¿Quién quiere ser millonario?”. A punto de conseguir los 20 millones de rupias como premio mayor del concurso, el joven es interrogado por la policía, bajo la sospecha de estar haciendo trampas, durante ese interrogatorio, Jamal va desvelando poco a poco las extrañas y curiosas razones por las que conoce las respuestas correctas, haciendo con ello un retrato de la vida en los suburbios de una gran ciudad llena de niños abandonados y explotados.
Un film que se desarrolla en tres tiempos que le sirven al director para contar la historia de Jamal, Salim y Latika, niños de la calle sacados de una novela de Dickens trasplantados al Bombay/Mumbay contemporáneo.
“Como el título del film (algo así como Perro Callejero Millonario), India tiene elementos contradictorios. Tiene la pobreza más increíble, una violencia muy cruel y también la más extraordinaria generosidad trascendental. Es la ciudad de los sueños. Pero como director británico que soy, quería enraizar la película en la realidad, quería que fuese una fotografía completa de la ciudad. Y luego, un baile de Bollywood al final, porque también forma parte de la vida de Bombai. La cara terrible y la maravillosa están juntas.”
8 Oscar: Mejor película, director, guión adaptado, montaje, fotografía, banda sonora, canción (Jai Ho), sonido. 2009: BAFTA: Mejor película, director, guión adaptado, fotografía, banda sonora, montaje, sonido. 2009: Globos de Oro: Mejor película drama, director, guión, banda sonora.
