Programación octubre-noviembre 2009

OCTUBRE 2009

Días 6 y 7 de octubre. 20:30H. Teatro Moderno

“TRES DÍAS CON LA FAMILIA” – Tres Dies Amb La Familia

Director: Mar Coll Intérpretes: Nausica Bonnin, Eduard Fernández, Philippine Leroy-Beaulieu, Francesc Orella, Ramón Fontserè País: España Año: 2009. Fecha de estreno: 26-06-2009 Duración: 86 min.

Léa debe viajar súbitamente a Girona donde su abuelo paterno acaba de fallecer. Allí le espera su familia, a la que prácticamente no ha visto desde que se marchó al extranjero. La muerte del patriarca de los Vich i Carbó es la excusa perfecta para forzar la convivencia entre sus descendientes. Los tres días que dura el velatorio, la misa y el entierro son un buen momento para observar ese juego de apariencias de una burguesía conservadora en la que todos los problemas son evidentes pero nunca explícitos. Léa rechaza este mundo hipócrita que se le adhiere a la piel como un traje hecho a medida.

Aunque nada parece original en este planteamiento, sin embargo, el resultado lo es por los cuatro costados.

Mucho más que un prometedor debut de la directora, bastan pocos minutos de metraje para intuir en la mirada de Mar Coll una inclinación afrancesada, en el mejor sentido de la palabra, la película ejercita una transparente voluntad de comunicación. Este es el segundo largometraje del proyecto Ópera-prima sabiamente diseñado por la ESCAC, íntegramente realizado por ex-alumnas (así, en femenino) de la escuela catalana de cine. Esta pandilla de jóvenes cineastas ha rodado una película muy personal siguiendo los férreos criterios narrativos y expresivos de su autora (que firma el guión con Valentina Viso, de la ECAM). Los personajes están perfectamente definidos y ello permite que los conflictos vayan aflorando con naturalidad y los secretos quedan apuntados con elegancia al ritmo pausado de las hermosas imágenes de la película, que bebe en las fuentes del cine francés actual. Excelentes interpretaciones de todo el cuadro de actores, una novata dotadísima y cuatro veteranos que siempre aciertan.

2009: Festival de Málaga: Mejor dirección. Mejor actor (Eduard Fernández). Mejor actriz (Nausicaa Bonnín).

Días 13 y 14 de octubre. 20:30H. Teatro Moderno.

“GENOVA”

Director: Michael Winterbottom Intérpretes: Colin Firth, Catherine Keener, Hope Davis, Willa Holland , Perla Haney-Jardine País: USA Año: 2008. Fecha de estreno: 08-05-2009 Duración: 94 min

La ciudad italiana de Génova brinda a Joe y a sus dos hijas la posibilidad de reiniciar sus vidas tras la muerte de la madre. Mientras Kelly ahonda en el misterioso nuevo mundo, Mary se encuentra con el fantasma de su madre deambulando por las calles.

Génova parece nacer del punto de encuentro entre La habitación del hijo (Nanni Moretti, 2001) y Amenaza en la sombra (Nicolas Roeg, 1973). De la primera absorbe su capacidad para mostrar el dolor de la pérdida y la pesada culpa que lo acompaña sin caer en sentimentalismos baratos. De la segunda recoge el ominoso, inquietante influjo de una ciudad italiana que se convierte en un laberinto que separa y oscurece el destino de los personajes.

La intención de Winterbottom era “hacer una película sobre un padre y sus hijas, la muerte de la madre no es más que un punto de partida para estudiar la relación entre el padre y las niñas, cómo se comportan, cómo se relacionan entre ellos y con los demás. Y sobre todo me interesaba centrarme en la hija pequeña, que vive la tragedia con un tremendo complejo de culpabilidad y un trauma por la pérdida.” El director no elude la asociación con la película de Roeg, “Cuando empezamos a escribir el film (a cuatro manos con Laurence Coriat, su guionista en Wonderland) era consciente de la conexión con Amenaza en la sombra. Creo que nuestra película sería el reverso de aquella. De hecho, tardamos en decidir si tiraríamos por el lado del terror psicológico o si hablaríamos de relaciones familiares. Al final lo enfocamos por este lado, pero sí es cierto que el guión mantiene toques de tensión y elementos propios del terror.” En el film, la ciudad de Génova es una especie de limbo, un tránsito hacia una nueva vida.

Días 20 y 21 de octubre. 20:30H. Teatro Moderno.

“PONYO EN EL ACANTILADO” – Gake no Ue no Ponyo (Ponyo on the Cliff by the Sea)

Director: Hayao Miyazaki País: Japón Año: 2008. Fecha de estreno: 24-04-2009 Duración: 100 min. Género: Animación

Ponyo, una menuda pero poderosa princesa de los mares, ansía escapar del control de su padre y conocer el mundo exterior. Así es como conoce a Sosuke, un muchacho de 5 años, del que se enamorará y por el que decidirá convertirse en humana.

Libre adaptación de “La sirenita” que obtuvo muy buena acogida de la crítica en el Festival de Venecia 2008, es la cinta de Miyazaki menos visionaria, más conservadora y, pese a ello, deslumbra con buenos e imaginativos dibujos y una historia llena de ternura y buen rollo. Cuando la animación digital parece haber convertido su obsesión fotorrealista, Hayao Miyazaki apuesta por una radical vuelta a los orígenes, un regreso a la animación tradicional como perfecta representación de la mirada de la infancia. Así las cosas esta película es, por un lado, su película más sencilla desde Mi vecino Totoro, y por otro, la declaración de principios de un artista que piensa que el mouse aún no le ha ganado la batalla al lápiz como artífice de la imaginación. Miyazaki demuestra, otra vez, lo bien que conviven dos mundos en apariencia opuestos (lo humano y lo mitológico, cogidos de la mano), la armoniosa belleza de los elementos naturales, los colores pastel y los diseños de línea clara, y la contagiosa expresividad de unos personajes dibujados con el corazón.

 

Días 27 y 28 de octubre. 20:30H. Teatro Moderno.

“TETRO”

Director: Francis Ford Coppola Intérpretes: Vincent Gallo, Maribel Verdú, Klaus Maria Brandauer, Carmen Maura, Rodrigo de la Serna, Leticia Brédice, Alden Ehrenreich País: Argentina, España, Italia, USA Año: 2009. Fecha de estreno: 26-06-2009 Duración: 127 min. Género: Drama

Bennie Tetrocini llega a Buenos Aires para buscar a su hermano desaparecido hace diez años. El joven Bennie y su familia, (emigrantes italianos en Argentina) se habían mudado a Nueva York debido a la exitosa carrera del padre Carlo, un renombrado director de orquesta sinfónica. Cuando Bennie por fin encuentra a su hermano mayor, el poeta brillante y melancólico ‘Tetro,’ se da cuenta de que es todo lo contrario a lo que él esperaba. En lugar de ser el hermano maravilloso que fue el ídolo de su infancia, el Tetro de ahora es un hombre distante y desilusionado que cambió su nombre, no quiere saber nada de su familia, y ya no escribe. Durante el tiempo que Bennie pasa con su hermano y la novia de éste, Miranda, los dos vuelven a vivir las experiencias tormentosas de su pasado y se revela un secreto terrible.
El nombre de Francis Ford Coppola activa la memoria de todo cinéfilo, los recuerdos de títulos como la trilogía de El Padrino, Apocalypse Now, La ley de la calle, Rebeldes y Drácula de Bram Stoker, entre otros. Actualmente el director confiesa que “estoy intentando tener una nueva carrera y la primera película de esa carrera fue Youth Without Youth (2007), película no estrenada todavía en España, y Tetro es la segunda. Todas las películas que voy a hacer a partir de ahora van a tener un guión escrito por mí, van a ser historias originales. No voy a hacer películas de encargo, y el objetivo no es intentar hacer películas que den mucho dinero. De alguna manera, voy a seguir el modelo de Woody Allen.” También confiesa haber dodado en Buenos Aires porque “En Estados Unidos no tenemos un Ministerio de Cultura y, por tanto, no contamos con subvenciones. La única manera de levantar un proyecto consiste en que un estudio de Hollywood te dé dinero para hacerlo. Pero a Hollywood solo le interesa que tu película dé dinero, no les preocupa en absoluto la dimensión cultural de lo que haces. Por tanto, he querido poner en marcha este proyecto tal y como lo haría un cineasta europeo. Busqué un país en el que el cambio de moneda no nos resultara desfavorable: me fui allí solo, con la idea de reclutar a la mayor parte del equipo entre los profesionales del lugar. Hubo, pues, un motivo económico importante para la elección, pero también quería que la ciudad donde se iba a desarrollar la acción tuviese una gran tradición cultural, tanto en literatura como en teatro y música.” Es bueno ver a Coppola de vuelta en forma.

NOVIEMBRE 2009

 

Días 3 y 4 de noviembre. 20:30H. Teatro Moderno

“ROJO ORIENTAL” – Satin Rouge

Director: Raja Amari Intérpretes: Hiam Abbass, Faouzia Badr, Monia Hichri, Maher Kamoun, Hend El Fahem País: Francia, Túnez Año: 2002. Fecha de estreno: 30-07-2009 Duración: 100 min. Género: Drama musical

Lilia es una viuda aún joven que vive con su hija adolescente Salma. Su existencia es enteramente normal, hasta el momento en que, al intentar proteger a su hija, quien mantiene un romance con un músico de cabaret, descubre la vida nocturna en dichos lugares. Allí, un atrayente e inquietante mundo nuevo, lleno de placeres desconocidos, se abre ante la protagonista, quien descubre en ese ámbito, además de la amistad, su gran talento para la danza, a través de la cual recupera su sexualidad reprimida ante la presión social. Así, Lilia pasa de madre ejemplar a deseada mujer de la noche, aunque eso signifique competir con Salma por el amor del mismo hombre.

Ya sea desde Irán o desde el Líbano (Caramel, Nadine Labaki, 2007), por poner algunos ejemplos, las películas críticas con el machismo en la sociedad musulmana nos van llegando en tromba, cuando antes no había nadie que se atreviese a hacerlo. Rojo oriental, mirada de una manera superficial, vendría a sumarse a esta tendencia de reivindicar la libertad de la mujer para amar, trabajar, en fin, vivir. La historia de una madre y una hija enfrentadas por el mismo hombre está desde los mismos orígenes de Hollywood, pero sirve de gancho para que los no muy fans del cine político vean Rojo oriental con otros ojos.

Esta ópera prima de la directora Raja Amari obtuvo el premio al mejor nuevo director en el Festival Internacional de Seattle y el premio del público al mejor film africano en el Festival de Montral.

Días 10 y 11 de noviembre. 20:30H. Teatro Moderno. FESTIVAL PANORÁMICO MUSICAL

 “CONTROL”

Director: Anton Corbijn Intérpretes: Alexandra Maria Lara, Samantha Morton, Sam Riley País: Australia, Gran Bretaña, Japón, USA Año: 2007. Fecha de estreno: 08-04-2009 Duración: 122 min. Género: Biopic

Película sobre el final de Ian Curtis, el enigmático cantante líder de la banda Joy Division, icono del post-punk inglés. Un recorrido por los últimos años de Curtis hasta llegar a su trágico suicidio en 1980; el conflicto entre el gran amor que siente por su esposa y una apasionada relación con su amante, sus ataques de epilepsia que cada vez le dejan más deteriorado, su increíble talento y sus arrolladoras actuaciones en directo.

Los casi dos años transcurridos desde su estreno en Cannes de 2007 han contribuido a alimentar la leyenda de una película que nos cuenta la corta y fulgurante vida de Ian Curtis, líder del grupo Joy Division, sin duda uno de los últimos poetas malditos del siglo XX. La evocación de Curtis nace del libro que su mujer, Deborah, escribió como ejercicio expiatorio que le permitiera comprender por qué un hombre de 23 años, en la cima de su gloria, se quita la vida dejando huérfana no solo a su hija de 1 año, sino al grupo que fundó cuatro años atrás y con el que estaba a punto de conquistar el mundo. La música de Joy Division, y las desencantadas y poéticas letras de Curtis, recorren la película desgranándose en el escenario al ritmo de sus movimientos epilépticos, mientras asistimos al drama personal de un casi adolescente, incapaz de soportar la contradicción entre el amor a su mujer y su hija y la pasión por otra mujer. Corbijn ha evitado la tentación esteticista de muchos magos del videoclip y de la publicidad que saltan al largometraje. Sombría, triste y absorbente, un fascinante retrato de un alma atormentada.

Mención Especial en la Cámara de Oro, Premio de la Juventud y Premio Label Europa Cinema en el Festival de Cannes.

 

Días 17 y 18 de noviembre. 20:30H. Teatro Moderno.

“LA TETA ASUSTADA”

Director: Claudia Llosa Intérpretes: Magaly Solier, Susi Sánchez, María del Pilar Guerrero , Efraín Solís , Mariano Ballón País: España, Perú Año: 2008. Fecha de estreno: 13-02-2009 Duración: 100 min. min. Género: Drama

Fausta padece de “La teta asustada”, una enfermedad que se transmite por la leche materna de mujeres maltratadas durante la época del terrorismo en el Perú. Los infectados nacen sin alma, porque del susto se escondió en la tierra, y cargan un terror atávico que les aísla por completo. Pero Fausta esconde algo más; guarda un secreto que no quiere revelar, hasta que la súbita muerte de su madre desencadenará hechos inesperados que transformarán su vida y la de otros.

Madeinusa era el insólito título de un film sorprendente dirigido por una joven realizadora peruana. También era el nombre de una joven india con el rostro de Magaly Solier. La teta asustada es el insólito título de la segunda cinta de la misma directora, y en ella encontramos de nuevo el hermoso rostro de Magaly Solier encarnando un personaje que atraviesa la película desde el miedo y el silencio hasta la luz y la fuerza. Claudia Llosa cuenta esta historia contemporánea, ambientada en un barrio emergente de la ciudad de Lima, con la delicadeza del trazo de una flor, tratando con todo cuidado a su protagonista, dejándola crecer en un contexto en el que la vida cotidiana está llena de bodas y festejos, piscinas improvisadas y amigos inesperados.

La teta asustada habla de la autoestima y de la curación de una mujer y de un país. Perú sufre: tiene pobreza, ignorancia y ahora se enfrenta a sí mismo y se vuelve a querer. Y eso es clave: reconocerse, curarse y volver a creer en lo que uno es.

2009: Festival de Berlín: Oso de Oro (Mejor película), Premio Internacional de la Crítica FIPRESCI

Días 24 y 25 de noviembre. 20:30H. Teatro Moderno.

“ANTICHRIST”

Director: Lars von Trier Intérpretes: Charlotte Gainsbourg, Willem Dafoe País: Alemania, Dinamarca, Francia, Italia, Polonia, Suecia Año: 2009. Fecha de estreno: 21-08-2009 Duración: 100 min. Género: Drama, Terror

Para ayudar a su mujer a superar la muerte accidental de su hijo, su marido, psicólogo, decide llevarla a una cabaña perdida en medio de un bosque, el lugar donde ella pasó el último verano con su pequeño. Pero la terapia no parece funcionar, ella comienza a comportarse de modo extraño, y la naturaleza también.

Olvídense de polémicas intelectuales a la francesa, de críticos indignados a la española, de desmayos y vómitos en las salas y del orondo ego del director. A estas alturas, lo realmente interesante ante cada nueva película de Lars von Trier es comprobar si su (desbordante) creatividad estará a la altura de su (endiablada) inteligencia. La demasiado fecunda imaginación del director danés arrolla a una historia frágil, pero visualmente espléndida. Su belleza visual se une a sus grandiosas y fascinantes ideas, aplastando a la modesta historia que les sirve de vehículo, en la película está la marca de la casa: guión férreo in crescendo con impactante final, sabio -pero respetuoso- manejo de las emociones del espectador, control absoluto del lenguaje fílmico (ese brillante prólogo) y juego con los géneros (más el thriller psicológico que el cine de terror, en realidad), además de las habituales obsesiones sobre la culpa, las mujeres, el sexo y el dolor. Es sólida (en absoluto delirante o gratuita, como se ha dicho y él mismo ha sugerido), absorbente, visualmente vistosa y sólo en dos o tres momentos muy desagradable (en su tramo final, siempre justificadamente y nunca a traición). Se hace imposible retirar la mirada de algo tan sugerente y magnéticamente repulsivo. Claustrofóbico pulso entre dos actores dispuestos al salto sin red, no es una película para todos los gustos, pero sí uno de los trabajos más desafiantes de un autor esencial. Anticristo es tan provocativa como el Saló… (1975) de Pasolini, y es igualmente sincera. De hecho, es la película más sincera y honesta de Von Trier junto a Los Idiotas (1998). Trier en estado puro.

2009: Festival de Cannes: Mejor actriz (Charlotte Gainsbourg)

Programación abril-mayo 2009

Días 31 de marzo y 1 de abril. 20:30H. Teatro Moderno.

 

(CERTAMEN NACIONAL DE TEATRO ARCIPRESTE DE HITA)

MI RELACIÓN CON LA COMIDA de Angélica Liddell

Fecha de Estreno: 30 de marzo de 2006. Realización: La República. Voz: Alberto Núñez. Fotografías: Marta Azparren. Montaje: Francisco Slade. Dirección: Fernando Renjifo.

 

«Hoy en día, la miseria es el gran genocidio consentido»

En Mi relación con la comida, Premio SGAE de teatro 2004, Angélica Liddell realiza una reflexión visceral sobre las diferencias del mundo globalizado, intentando resolver el desprestigio de la utopía y la reconstrucción ética. El texto está concebido como un monólogo pronunciado por una autora a la que un productor invita a comer para hablar de una de sus piezas teatrales. “¿Es necesario que coma con usted? ¿En ese lugar? ¿Es absolutamente necesario? ¿Es necesario para mi obra?” Angélica Liddell, galardonada con el Premio Valle-Inclán en 2007, es uno de los valores más revolucionarios que tiene la actual escena española.

El texto  fue escrito en 2004 y ese mismo año gana el Premio SGAE de teatro. La obra se publica en 2005 en esa colección y el 30 de marzo de 2006 la compañía la República estrena en El Canto de la Cabra este video-creación sobre el texto de Liddell.

Angélica Liddell (Figueres, 1966) es licenciada en Psicología por la Universidad Autónoma de Madrid y en Interpretación por la Real Escuela Superior de Arte Dramático. En 2007 fue galardonada con el Premio Valle-Inclán. En 1988 escribe su primer texto teatral, Greta quiere suicidarse, por el que gana el VIII Premio «Ciudad de Alcorcón». Dos años después escribiría La condesa y la importancia de las matemáticas (1990) que sería calificada por su autora como «producto de una mala digestión del cine de Peter Greenaway». En 1993, y tras un taller de dramaturgia con Marco Antonio de la Parra, funda la Compañía Atra Bilis y comienza a estrenar sus propios textos. En su producción hasta el momento se detectan dos períodos que tienen en el Monólogo necesario para la extinción de Nubila Wahlheim y Extinción de 2002 un punto de inflexión. Antes de esta obra su creación explora de forma compulsiva y en exclusiva los límites de su Yo: Leda (1993), Dolorosa (1993), Suicidio de amor por un difunto desconocido (1996), Frankenstein (1997), La falsa suicida (1998), Perro muerto en tintorería (1999), El matrimonio Palavrakis (2000), Once upon a time in West Asphixia (2001).  A partir de Nubila, la autora se abre al mundo y explora las contradicciones de su entorno: Lesiones incompatibles con la vida (2002), Y los peces salieron a combatir contra los hombres (2003), Mi relación con la comida (2004), Y como no se pudrió Blancanieves (2004), El año de Ricardo (2005), Boxeo para células y planetas (2006), La desobediencia (2008).

 

 

Días 14 y 15 de abril. 20:30H. Teatro Moderno.

 

LA CLASE – “Entre les murs”

Director: Laurent Cantet Intérpretes: François Bégaudeau, Frédéric Faujas, Patrick Dureuil, Olivier Dupeyron, Vincent Caire País: Francia Año: 2008. Fecha de estreno: 16-01-2009 Duración: 128 min. Género: Drama. Distribuye: Golem.

 

François es un joven profesor de lengua francesa en un instituto difícil, situado en un barrio conflictivo. Sus alumnos tienen entre 14 y 15 años. No duda en enfrentarse a ellos en estimulantes batallas verbales. Pero el aprendizaje de la democracia puede implicar auténticos riesgos. François -autor de la novela en la que se basa la película, con formato de docudrama- y los demás profesores se preparan para enfrentarse a un nuevo curso. Llenos de buenas intenciones, deseosos de aportar la mejor educación a sus alumnos, se arman contra el desaliento. Pero las culturas y las actitudes se enfrentan en el aula, microcosmos de la Francia contemporánea. Por muy divertidos y estimulantes que sean los adolescentes, sus comportamientos pueden cortar de raíz el entusiasmo de un profesor que no cobra bastante. La tremenda franqueza de François sorprende a sus alumnos, pero su estricto sentido de la ética se tambalea cuando los jóvenes empiezan a no aceptar sus métodos.

 

Una astuta e inteligente película sobre la identidad moderna de Francia, con toda su multiculturalidad, que se adapta a duras penas a un sistema que le resulta ajeno y sobre el intento de transformar a los jóvenes en ciudadanos a través del diálogo, todo un prodigio de montaje que recoge con elegante precisión los pormenores de una batalla dialéctica y vital sin solución, una propuesta verdaderamente atípica, formalmente valiente, dramáticamente hipnótica y temáticamente imprescindible.

No hay epifanías de buen rollo ni vidas de santos ni alumnos iluminados que encuentran el camino a seguir. Cantet afirma que “el microcosmos de una clase suele ser reflejo de la propia sociedad y me permite abordar temas que me interesan especialmente: la integración de los inmigrantes, los efectos de la invisibilidad de las minorías o la explosiva situación de la banlieue francesa. Todo pasa por la escuela y empieza en ella.”

 

Festival de Cannes: Palma de Oro

 

 

Días 21 y 22 de abril. 20:30H. Teatro Moderno.

 

VALS CON BASHIR – “Waltz with Bashir”

Director: Ari Folman País: Alemania, Francia, Israel Año: 2008. Fecha de estreno: 20-02-2009 Duración: 87 min. Género: Documental de Animación. Distribuye: Golem.

 

Documental animado sobre la matanza de refugiados palestinos en Sabra y Chatila (Líbano) en 1982. Una noche, en un bar, un viejo amigo cuenta al director Ari que tiene una pesadilla recurrente en la que le persiguen 26 perros. Cada noche, el mismo número de animales. Los dos hombres llegan a la conclusión de que tiene que ver con una misión que realizaron para el ejército israelí durante la primera guerra con el Líbano a principios de los años ochenta. Ari se sorprende ante el hecho de que no recuerde nada de ese periodo de su vida. Intrigado, decide ver y hablar con viejos amigos y antiguos compañeros dispersados por el mundo entero. Necesita saber la verdad acerca de ese periodo y de sí mismo. Ari escarba cada vez más y sus recuerdos empiezan a reaparecer mediante imágenes surrealistas…

Desde la demoledora escena inicial Folman ha conformado una película única por su novedosa mezcla de formatos y géneros, y por su apabullante capacidad para evocar la realidad del drama mediante elementos nada realistas.

Vals con Bashir es el diván donde atienden a los ex soldados traumatizados por la guerra: escondidos en el reverso del diseño flotante del dibujo que recubre de onirismo la imagen real están las pesadillas de todos los israelíes que participaron en la Guerra del Líbano y que aún siguen, más de 20 años después, hechizados por la sombra de los cadáveres y la sangre derramada.

 

Ari Folman, director, ve el film como su historia personal. “La película empieza el día que descubrí que algunas partes de mi vida se habían borrado de mi memoria. Los cuatro años que he empleado en hacer Vals con Bashir me provocaron un violento trastorno psicológico. Descubrí cosas muy duras de mi pasado en el mismo periodo en el que nacieron mis hijos. Puede que la cinta sea para ellos, para que jamás participen en una guerra. Esta terapia me ha transformado profundamente. Creo que todos los soldados israelíes que vivieron esos hechos, todos los soldados del mundo, se identificarán con lo que denuncio. La guerra es inútil, es un infierno. He rodado la película desde el punto de vista de un soldado cualquiera. No tiene nada que ver con las películas estadounidenses. No tiene nada de glamouroso ni de glorioso. No son más que hombres muy jóvenes, que no van a ninguna parte y que disparan contra desconocidos, y les disparan desconocidos, y que vuelven a sus casas intentando olvidarlo todo.”

 

 

Día 28 de abril. 20:30H. Teatro Moderno.

 

(IX JORNADAS DE CASTILLA LA MANCHA SOBRE INVESTIGACIÓN EN ARCHIVOS)

EL TRABAJO Y LA MEMORIA OBRERA

 

LA CUESTIÓN HUMANA – “La Question humaine”

Director: Nicolás Klotz Intérpretes: Laetitia Spigarelli, Mathieu Amalric, Michael Lonsdale, Jean-Pierre Kalfon, Lou Castel. País: Francia Año: 2007. Fecha de estreno: 14-11-2008 Duración: 143 min.

 

Simon tiene cuarenta años, es psicólogo en el departamento de recursos humanos de SC Farb, un complejo petroquímico que es la filial en Francia de una gran multinacional alemana. Su trabajo consiste fundamentalmente en entrevistar a posibles trabajadores, hasta el día que recibe un encargo especial. Karl Rose, codirector de la empresa junto a Mathias Just, le pide que haga una evaluación psiquiátrica de este último. Simon se ve atrapado entre sus dos jefes, e intenta, desde su objetividad profesional, cumplir el encargo de la forma más aséptica posible. Pero ante Just no es posible permanecer al margen: esa mente es el horror de la noche más negra.

A través del descenso a los infiernos del psicólogo del departamento de recursos humanos de una petroquímica alemana, Nicolas Klotz hace un ejercicio de memoria histórica, señalando con el dedo a todos los que han permitido que el totalitarismo disfrazado de lógica capitalista se haya filtrado en las estructuras de la sociedad occidental sin que nadie hiciera nada por evitarlo. No es una película fácil, por lo que tiene de ejercicio de toma de conciencia cerebral, distante y cruel, pero su extrema lucidez la hace completamente recomendable para aquellos que aún piensan que vivimos en el mejor y más libre de los mundos posibles,  para aquellos que quieran reflexionar sobre lo que solemos dar por sentado.

 

 

Día 29 de abril. 20:30H. Teatro Moderno

 

(IX JORNADAS DE CASTILLA LA MANCHA SOBRE INVESTIGACIÓN EN ARCHIVOS)

EL TRABAJO Y LA MEMORIA OBRERA

 

 

EN UN MUNDO LIBRE – “It’s a Free World”

Director: Ken Loach Intérpretes: Kierston Wareing, Juliet Ellis, Leslaw Zurek, Joe Siffleet, Colin Coughlin, David Doyle País: Alemania, España, Gran Bretaña, Italia Año: 2007. Fecha de estreno: 22-02-2008 Duración: 98 min. Género: Drama. Distribuye: Alta Films.

 

“En un mundo libre” es una historia ambientada en la realidad anglosajona actual, presidida por el “milagro” de la flexibilidad laboral, la globalización, los dobles turnos de trabajo, los salarios bajos y muchos consumidores felices y despreocupados: nosotros. Angie y su compañera de piso, Rose, deciden ser sus propias jefas, y abren una agencia de trabajo temporal para trabajadores inmigrantes, una empresa que actúa en un mundo inestable en el que el trabajo es barato y las leyes sólo sirven para ser ignoradas. Relacionándose con extranjeros desesperados por sobrevivir, su negocio puede ser muy rentable…

 

Ken Loach no se rinde y sigue agitando las conciencias de Gran Bretaña con su cine. Ahora se centra en la situación laboral de los inmigrantes. “A lo suyo se le llama trabajo flexible, que es un concepto estupendo para las personas que dan empleo pero nada bueno para quienes trabajan”, explica el cineasta,  un relato que tiene otra intención: Mostrar un cambio en la concienciación social que defiende la idea de que estamos solos y no tenemos responsabilidades hacia el resto del mundo. Un estado que nos lleva de regreso a los años de Thatcher.” Ken Loach no perdona.

 

2007: Venecia: Mejor guión

Días 5 y 6 de mayo. 21:00H. Teatro Moderno.

LA LEY DE LA CALLE – “Rumble Fish”

Director: Francis Ford Coppola Intérpretes: Matt Dillon, Diane Lane, Mickey Rourke, Dennos Hopper, Nicolas Cage, Tom Waits, Laurence Fishburne, Chris Penn, Vicent Spano  País: USA Año: 1983. Duración: 94 min. Género: Drama. Distribuye: Cooperfilms.

 

Rusty James (Matt Dillon), es un adolescente cuyo prestigio en las calles ha crecido bajo la sombra de la legendaria reputación de su hermano, el enigmático y carismático «Chico de la Moto» (Mickey Rourke). Rusty James sueña con ser como su hermano y volver a la época en donde las pandillas lo eran todo y donde el «Chico de la Moto» reinaba. Después de dos meses de ausencia el «Chico de la Moto» regresa. Luego de revelar algunos secretos familiares sobre su madre, los hermanos deciden cambiar sus vidas para siempre o morir en el intento.

Película que habla de jóvenes que tratan de encontrar una razón de vivir fuera del sistema impuesto, donde el correr de un tiempo vacío es la preocupación del sistema dominante, y es que el paso del tiempo es una de las obsesiones de esta película de Coppola. Tiempo sin esperanza donde el transcurrir de las horas señala la búsqueda de una muerte presentida. La soledad es la segunda obsesión del filme, después del paso del tiempo, la preocupación por no abandonar a los demás, por seguir manteniendo el concepto de grupo. Un mundo donde los personajes están encerrados, como el pez no pueden escapar de su pecera. La rebelión incluye la muerte. Aunque se va a producir el relevo y a lo mejor también la victoria. Un individuo muere cuando se rebela. Es sacrificado por el sistema. Sus ejecutores son los poderes dominantes.

 

Concha de Oro en San Sebastián.

 

 

Días 12 y 13 de mayo. 21:00H. Teatro Moderno.

 

(CERTAMEN DE POESÍA ARRIVERSOS)

 

LA HISTORIA DEL CAMELLO QUE LLORA – “The Story of the Weeping Camel”

Director: Luigi Falorni, Byambasuren Davaa País: Mongolia, Alemnia Año: 2003. Fecha de estreno: 10-12-2004 Duración: 90 min. Género: Documental. Distribuye: Karmafilms.

 

Primavera en el desierto de Gobi, al sur de Mongolia. Una familia de pastores nómadas ayuda al nacimiento de su manada de camellos. Uno de los camellos tiene serias dificultades para dar a luz, pero, con la ayuda de la familia, consigue alumbrar a su cría, un camello diferente a los demás, de color blanco. A pesar de los esfuerzos de los nómadas la madre rechaza al recién nacido, negándole su leche y amor materno. Cuando parecen haber desaparecido todas las esperanzas, los nómadas envían a sus hijos a un viaje por el desierto en busca de un músico, que es llevado al campamento para llevar a cabo un ritual impresionante que llega al corazón de la madre de la cría.

Los directores, una mongol y un italiano, dos cineastas de distintas raíces y culturas, se han unido para dar una visión antropológica de la vida en un lugar tan desconocido y alejado de nuestro entorno como el desierto del Gobi,  optando por recrear ciertos momentos en la vida cotidiana de una familia mongola. Uno de esos momentos nos muestra el conflicto de un joven entre sus deseos de una vida más moderna y occidental y la vida en familia.

 

Esta película nos proporciona una experiencia visual única y encantadora, donde lo que importa no es tanto lo que sucede, sino cómo se cuenta. De este modo, el exotismo deviene entrañable, los pequeños acontecimientos adquieren una consistencia inusitada, la sencillez, sin embargo, no es sinónimo de ingenuidad y el film es plenamente consciente del terreno que pisa. La cámara vibra con la misma carga poética cuando filma personas y animales, pero dedica una atención muy especial al viaje que dos niños emprenden a la ciudad. Es ahí donde, por primera vez, la civilización se hace presente e irrumpe, por la vía de la televisión y los videojuegos, en un Paraíso incorrupto que el film capta y transmite con profundo respeto.

Bello, sucinto y a ratos sublime poema con un tramo final simplemente mágico y milagroso. Para los que creen en el cine como ventana sobre la realidad.

 

Días 19 y 20 de mayo. 21:00H. Teatro Moderno.

 

A CIEGAS – “Blindlness”

Director: Fernando Meirelles Intérpretes: Julianne Moore, Mark Ruffalo, Alice Braga, Danny Glover, Gael García Bernal, Sandra Oh País: Brasil, Canadá, Japón Año: 2008. Fecha de estreno: 13-03-2009 Duración: 120 min. Género: Drama. Distribuye: Notro Films.

 

Adaptación de “Ensayo sobre la ceguera” del Premio Nobel portugués José Saramago. Una curiosa epidemia de ceguera sacude un país. Las primeras víctimas de este accidente son encerradas en un hospital sin recibir explicaciones ni apoyo. Entre ellas está una mujer que conserva su vista en secreto para poder acompañar a su marido ciego. En el encierro se darán todo tipo de atrocidades y en la calle dominará el caos y el terror…

Es una película extraña, enfermiza, con atmósfera, con algo atractivo,  la historia produce enorme angustia y turbación”.

Fernando Meirelles ha traducido con fidelidad el espíritu nihilista de la fábula de Saramago, que demuestra que entre ser ciego y estar ciego no hay apenas diferencias. Consigue lo que pretende toda distopía que se precie de serlo: contemplar el retorno a los orígenes de la civilización, husmear en los más bajos instintos del ser humano y observar la facilidad con que estamos dispuestos a saquear y violar nuestros derechos más preciados para sobrevivir.

”Lo esencial era abordar la ceguera de los personajes como metáfora de nuestra ceguera interior. Observar cómo, a veces, somos incapaces de vernos a nosotros mismos. Otras, no conseguimos ver y comprender a los que nos rodean. Y en muchos aspectos, vivimos una ceguera ante los grandes males del mundo: el hambre, la pobreza o la destrucción del planeta. Incluso la violencia o las guerras se generan a raíz de la ceguera que impide dialogar a las partes en conflicto.”

 

Días 26 y 27 de mayo. 21:00H. Teatro Moderno.

 

SLUMDOG MILLIONAIRE

Director: Danny Boyle Intérpretes: Dev Patel, Anil Kapoor, Saurabh Shukla, Rajendranath Zutshi, Jeneva Talwar. País: Gran Bretaña, USA Año: 2008. Fecha de estreno: 13-02-2009 Duración: 120 min. Género: Thriller. Distribuye: Filmax.

 

Jamal Malik es un adolescente pobre de Bombay que, por un motivo desconocido, está concursando en la versión hindú del programa “¿Quién quiere ser millonario?”. A punto de conseguir los 20 millones de rupias como premio mayor del concurso, el joven es interrogado por la policía, bajo la sospecha de estar haciendo trampas, durante ese interrogatorio, Jamal va desvelando poco a poco las extrañas y curiosas razones por las que conoce las respuestas correctas, haciendo con ello un retrato de la vida en los suburbios de una gran ciudad llena de niños abandonados y explotados.

Un film que se desarrolla en tres tiempos que le sirven al director para contar la historia de Jamal, Salim y Latika, niños de la calle sacados de una novela de Dickens trasplantados al Bombay/Mumbay contemporáneo.

“Como el título del film (algo así como Perro Callejero Millonario), India tiene elementos contradictorios. Tiene la pobreza más increíble, una violencia muy cruel y también la más extraordinaria generosidad trascendental. Es la ciudad de los sueños. Pero como director británico que soy, quería enraizar la película en la realidad, quería que fuese una fotografía completa de la ciudad. Y luego, un baile de Bollywood al final, porque también forma parte de la vida de Bombai. La cara terrible y la maravillosa están juntas.”

 

8 Oscar: Mejor película, director, guión adaptado, montaje, fotografía, banda sonora, canción (Jai Ho), sonido. 2009: BAFTA: Mejor película, director, guión adaptado, fotografía, banda sonora, montaje, sonido. 2009: Globos de Oro: Mejor película drama, director, guión, banda sonora.

Programación febrero-marzo 2009

FEBRERO 2009

Días 3 y 4 de febrero. 20:30H. Teatro Moderno.

“CENIZAS DEL CIELO”.

Director: José Antonio Quirós Intérpretes: Eduardo Antuña, Beatriz Rico, Clara Segura, Celso Bugallo, Gary Piquer País: España Año: 2008. Fecha de estreno: 07-11-2008 Duración: 96 min. Género: Drama

 

Ferguson, un escocés aventurero, escritor de guías turísticas, visita el norte de España para completar su última publicación. La autocaravana que conduce le deja encallado bajo las chimeneas de una central térmica. Se ve obligado a permanecer allí y descubre un nuevo mundo, un “lugar imposible” donde va a iniciar una peculiar amistad con Federico, un hombre de campo que cree que el compromiso de Kyoto va a cerrar la térmica que contamina el valle.
Será Federico el que hará descubrir al inglés la singular vida en ese microcosmos amenazado. Poco a poco, Ferguson se verá inmerso en el compromiso de apoyar a Federico en su lucha contra la central térmica. Nadie sabrá quién saldrá victorioso… ¿alguien podrá vencer al Progreso?

Después de Pídele cuentas al Rey, donde un minero viajaba a pie a Madrid con la intención de entrevistarse con el monarca, José Antonio Quirós persevera en su cine de denuncia social. Sin moverse en esta ocasión de un plácido rincón de Asturias, se pone de parte de un honesto campesino que lleva 40 años intentando que la central térmica que domina el valle (y pudre con sus humos contaminantes frutas y verduras, extermina los salmones del río e incluso se dice que daña los espermatozoides) se cierre y que ahora ve en el acuerdo de Kyoto el momento oportuno.

Cenizas del Cielo es una obra aromática, acogedora y útil en lo civil. Habla, según Quirós, sobre el amor a la tierra y la incapacidad del hombre de vencer el progreso.

 

 

Días 10 y 11 de febrero. 20:30H. Teatro Moderno.

 

“LUCES AL ATARDECER”. (Laitakaupungin Valot)

Director: Aki Kaurismäki Intérpretes: Janne Hyytiäinen, Maria Heiskanen, Maria Jarvenhelmi, Iilkka Koivula, Vesa Häkli País: Alemania, Finlandia Año: 2006. Fecha de estreno: 26-12-2006 Duración: 80 min. Género: Drama

 

Koistinen, guarda de seguridad nocturno, recorre las calles buscando un pequeño lugar al sol, pero la indiferencia general y la mecánica sin rostro de la sociedad se unen para hacer trizas, una tras otra, sus modestas esperanzas. Un grupo de mafiosos explota su sed de amor y su profesión con la ayuda de una mujer calculadora. Organizan un robo del que se acusa a Koistinen como único responsable. El guarda de seguridad pierde su trabajo, su libertad y sus sueños. “Luces al atardecer” concluye la trilogía que empezó con “Nubes pasajeras” (1996) y “Un hombre sin pasado” (2002).

Al igual que el pequeño vagabundo encarnado por Chaplin, el protagonista de la película, el guarda de seguridad Koistinen, busca una pequeña rendija por la que apartarse de este cruel mundo, pero los hombres y la sociedad se encargan de aplastar sus modestas esperanzas una tras otra. Una trama de ese corte no encajaría demasiado bien en un entorno florido, luminoso y colorista: en ese aspecto Kaurismäki acierta de pleno, situando todo el desarrollo de la acción en ambientes impersonales y muy poco acogedores, tanto en las escenas diurnas, siempre bajo la luz mortecina de un Helsinki árido y frío, con grandes planos generales de las zonas portuarias e industriales como en las nocturnas. También son aciertos indudables el ritmo narrativo, muy pausado y estructurado, generando un alejamiento emocional del espectador, y el lenguaje, parco, austero, y plagado de unos silencios que ayudan mucho a generar una sensación de desasosiego que no deja de crecer a lo largo de todo el relato fílmico.

 

 

Días 17 y 18 de febrero. 20:30H. Teatro Moderno.

 

“MEDIA LUNA”. (Niwemang)

Director: Bahman Ghobadi Intérpretes: Ismail Ghaffari, Golshifteh Farahani, Allah-Morad Rashtian, Hedye Tehrani País: Austria, Francia, Irak, Iran Año: 2006. Fecha de estreno: 27-07-2007 Duración: 114 min. Género: Comedia dramática

 

A Mamo, un músico mayor y de renombre, le han dado permiso para llevar a cabo un concierto en el Kurdistán iraquí. Su fiel amigo Kako conducirá un autobús escolar que irá recogiendo a los diez hijos músicos de Mamo, repartidos por todo el Kurdistán iraní. El viejo músico kurdo ha esperado 35 años para poder actuar de nuevo en el Kurdistán iraquí. Por otro lado, ha de convencer a Hesho, una cantante que vive en un refugio de montaña con otras 1.334 cantantes exiliadas, de que se una a ellos. Como las mujeres en Irán no pueden cantar en público ante los hombres, Hesho deberá ir oculta en el autobús. El viaje de Mamo y su grupo no está exento de dificultades, pero la constancia de Mamo conseguirá llevar a todos ellos al terreno de la aventura, la emoción y la magia.

Dos años después de ganar la Concha de Oro en San Sebastián con Las tortugas también vuelan, Bahman Ghobadi regresó al certamen vasco, y este mosaico de emociones se fue con una segunda Concha. El director cuenta que, “en kurdo, niwemang significa media luna, y con ese título aludo a un Kurdistán medio visible y medio oculto. Espero despertar en los espectadores el deseo de llegar a la parte oculta del país.” Bahman Ghobadi nos orienta respecto a un film que combina dramatismo y humor para mostrar la dura realidad de los kurdos. “Me gusta mezclar comedia y tragedia, es la esencia de la vida kurda. Permite aguantar y da esperanza de un destino menos amargo.”

En Media Luna la mezcla de tradición y música kurda, de misterio y magia, de buen humor y personajes entrañables (ninguno de los actores es profesional), así como de incisivas denuncias a regímenes opresores, corruptos o imperialistas hacen de éste un completísimo y bello film tan emotivo como sobrecogedores son los paisajes en los que transcurre el periplo.

 

Festival de San Sebastián 2006, Concha de Oro, Mejor Fotografía, Premio de la Crítica.

 

Días 24 y 25 de febrero. 20:30H. Teatro Moderno.

 

“PRIMER”.

Director: Shane Carruth Intérpretes: Shane Carruth, Anand Upadhayaya, David Sullivan, Casey Gooden.  País: USA Año: 2004. Fecha de estreno: 10-06-2005 Duración: 77 min. Género: Thriller

 

Cuatro hombres trabajan en un garaje construyendo aparatos altamente complejos. Parte por accidente y parte por diseño, descubren un mecanismo con poderes que les permite conseguir prácticamente todo lo que quieran… una revelación que podría literalmente cambiar el mundo y que pondrá a prueba la relación y confianza entre sus inventores. Compleja película de “puro” cine independiente (su presupuesto fue de 7.000 dólares y con Carruth haciendo labores de director, guionista, productor intérprete, montador y compositor de la banda sonora y de la fotografía) cuya narración resulta difícil de seguir (y que puede recordar a las maquinaciones de “Pi”), tensamente dramática y con continuos diálogos que, intermitentemente, incluso se hacen incomprensibles. Con una persuasiva estética visual, “Primer” fuerza al espectador a reconstruir el puzzle de la historia al mismo tiempo que lo hacen los personajes, creando una película que demanda posteriores visiones. Calificado por unos de “original, inteligente, complejo”. Por otros de “confuso, desesperante e irritante”. En definitiva: un film que provoca total división de opiniones (lo más probable es que te encante o lo detestes). En cualquier caso, una experiencia diferente. Primer es la clase de película que tendrá legión de estudiosos e imitadores.

 

Festival de Sundance 2004, Mejor Película.

MARZO 2009 

 

Días 3 y 4 de marzo.20:30H. T. Moderno

 

“SOMERS TOWN”.

Director: Shane Meadows Intérpretes: Thomas Turgoose, Perry Benson, Kate Dickie, Ireneusz Czop, Elisa Lasowski, Piotr Jagiello País: Gran Bretaña Año: 2008. Fecha de estreno: 28-11-2008 Duración: 71 min. Género: Comedia dramática

 

Tommo se ha escapado de casa y vagabundea por la estación de King Cross (zona norte de Londres conocida como Somers Town), allí encuentra a Marek, un chico polaco que se dedica a fotografiar todo lo que encuentra a su paso y que ha emigrado a Inglaterra con su padre. Juntos hacen frente a una pandilla de matones y ahí se inicia una amistad que los llevará a vivir el mejor verano de sus vidas: colarse en los trenes, poner en marcha un negocio de hamacas para la playa, enamorarse de la misma chica, compartir la primera cerveza, callejear, fantasear con el futuro, tomar conciencia de las injusticias sociales.

La rica y ya larga tradición del cine social británico parece haber encontrado en Shane Meadows uno de sus últimos eslabones. Su última cinta, pone su ojo en la cara oculta de un país antaño poderoso y rico, pero inmerso desde hace décadas en una larga decadencia que repercute, sobre todo, en las capas de la población más desfavorecidas. Unas capas normalmente compuestas en su mayoría por trabajadores afectados por las sucesivas crisis y ajustes económicos. La película aborda temas tremendamente duros, pero Meadows consigue el sorprendente, y aparentemente paradójico efecto, de transformar la sencilla historia en un canto a la vitalidad, a la capacidad de reinventar el mundo de la adolescencia, sobre todo en el caso del pillo Tomo, a quien ninguna calamidad, ninguna desgracia, es capaz de restar un ápice de su deseo de vivir cada día como si fuera el último.

Da pena despedirse, cuando las luces se encienden, de unos personajes como ellos, que incluso han sido capaces de hacernos reír con sus travesuras de niños obligados prematuramente a madurar. Tal es el poder del realizador para convertir nuevos materiales que, en manos de otros, corrían el riesgo de transformarse en meros recortables sin ninguna entidad.

 

Días 10 y 11 de marzo. 20:30H. Teatro Moderno.

 

“LOS CLIMAS”. (Iklimler)

Director: Nuri Bilge Ceylan Intérpretes: Ebru Ceylan, Nuri Bilge Ceylan, Nazan Kirilmis, Mehmet Eryilmas, Semra Yilmaz País: Francia, Turquía Año: 2006. Fecha de estreno: 29-06-2007 Duración: 101 min. Género: Drama

 

Isa (Nuri Bilge Ceylan) y Bahar (Ebru Ceylan) pasan las vacaciones en la costa mediterránea turca. La pasión ha desaparecido de la relación, la pareja se separa y cada uno vuelve solo a Estambul. Después de un lluvioso otoño poblado de soledad, Isa decide ir a buscar a su mujer para intentar recomponer su relación, o quizá para romperla de nuevo.

El ser humano es feliz por razones simples, y es desdichado por razones aún más simples. Isa y Bahar son dos personajes solitarios arrastrados por el siempre cambiante clima de sus deseos en busca de una felicidad que ya no les pertenece. Como sugiere el título, la película se desarrolla durante tres estaciones (un caluroso verano, un otoño lluvioso y un invierno colmado de nieve), y estos cambios meteorológicos simbolizan los estadios de la relación de la pareja.

Auténtico cine de autor, consciente del significado de una mirada, de un encuadre, de la puesta en escena, de un suspiro… No es presuntuoso comparar a Nuri Bilge Ceylan con Antonioni, maestro a la hora de sugerir la incompatibilidad entre dos seres que se aman.

 

 

Días 17 y 18 de marzo. 20:30H. Teatro Moderno.

 

“BUSCANDO UN BESO A MEDIANOCHE”. (In Search of a Midnight Kiss)

Director: Alex Holdridge Intérpretes: Scott Mcnairy, Sara Simmonds, Brian Matthew McGuire, Katy Luong, Robert Murphy País: USA Año: 2007. Fecha de estreno: 05-12-2008 Duración: 98 min. Género: Comedia

 

Wilson tiene 29 años y ha llegado a la ciudad de Los Ángeles con la intención de olvidar el que probablemente haya sido el peor año de su vida. Ha roto con su novia, su coche dijo basta en Arizona y le han robado su ordenador que contenía varios guiones en los que trabajaba. Sin ningún plan objetivo ni proyectos en mente, parece claro que su vida necesita algún tipo de aliciente. Jacob, su mejor amigo, le recomienda que inserte un anuncio personal en la sección de contactos de Craig’s List. “Misántropo desearía conocer a misántropa”. Así comienza la historia de Wilson y Vivian. Ella también es de Texas. Llegó a Los Angeles para convertirse en actriz y acaba de abandonar a su novio. Juntos vivirán las últimas horas de un año que termina y las primeras de una historia que comienza.

Al principio, por el blanco y negro y el socorrido videoclub como lugar de trabajo del protagonista, tienes la sensación de que vas a revisar, o te van a revisar, Clerks (1994). Pero, avanzado el primer tramo, Kevin Smith cede el cetro a Richard Linklater, el Linklater de Antes de amanecer (1995): chico concierta cita con chica, se conocen, se repelen en un primer momento, pero pasan unas horas (cruciales: es Nochevieja) juntos, deambulando por las calles de la ciudad, por el metro, restaurantes, fiestas de amigos, etcétera. Y charlando por los codos. Por el camino, ella deja de ser la insoportable histérica/caprichosa de su primera escena, se diría que una aspirante en toda regla a Paris Hilton; él deviene un tipo más maduro que el pajero deprimido del inicio.
Estamos ante una comedia romántica diferente por el tono, de trazo espontáneo, con diálogos brillantes y personajes que van creciendo en intensidad ante nuestros ojos hasta hacérnoslos acogedores. Bellamente fotografiada con un tono monocromático que evoca a la ‘Manhattan’ de Woody Allen, esta es una comedia romántica con un guión inteligente.

 

Días 24 y 25 de marzo. 20:30H. Teatro Moderno.

 

“EL MAQUINISTA”. (The Machinist)

Director: Brad Anderson Intérpretes: Christian Bale, Jennifer Jason Leigh, Aitana Sánchez-Gijón, John Sharian, Michael Ironside, Anna Massey País: España Año: 2004. Fecha de estreno: 17-12-2004 Duración: 101 min. Género: Terror

 

Trevor Reznik, un empleado de una fábrica, padece desde hace tiempo un grave problema de insomnio, un mal que él esconde y que le provoca serias alucinaciones. Trevor no duerme desde hace un año. La fatiga le ha comportado un horrible deterioro de su condición física y su salud mental. Repelidos por su aspecto físico, sus compañeros de trabajo primero le evitan, y después se volverán contra él cuando uno de ellos pierde un brazo en un incidente en el que Trevor se ve involucrado. Se ha convertido en una carga para sí mismo y los demás, y quieren echarle. Atormentado por la culpa, la vergüenza de Trevor se transforma en sospecha, y después en paranoia, cuando parece que sus compañeros conspiran para conseguir que sea despedido, o algo peor. Con la firme determinación de encontrar una respuesta, Trevor investiga los extraños sucesos que están convirtiendo su mundo en una pesadilla. Pero cuanto más descubra, menos querrá saber.

Esta nueva incursión del autor de la terrorífica Session 9 en los miedos disfuncionales de la mente (y del proletariado) funciona con la terrible precisión de una máquina, convirtiéndose en parábola de las cargas morales, sociales y sobrenaturales que consumen la carne de esos espectros urbanos que pueblan sus fantasías postindustriales. Cuento de fantasmas y angustias existenciales, El maquinista encuentra su grandeza y originalidad en el trabajo somático de un alucinante, esquelético Christian Bale, epítome del alienado eslabón de una cadena de producción oxidada por la despersonalización.

Christian Bale y Jennifer Jason Leigh son las puntas de lanza de “El maquinista”, una producción española rodada en Barcelona pero apuntalada sobre un elenco internacional

 

Fue seleccionada en las pasadas ediciones de los festivales de Sundance y Berlín y en Sitges.

Programación diciembre 08 y enero 09

DICIEMBRE 2008

Días 2 y 3 de diciembre. 20:30H. Teatro Moderno.

 

“CASHBACK”.

Director: Sean Ellis Intérpretes: Sean Biggerstaff, Emilia Fox, Shaun Evans, Mitchell Ryan, Stuart Goodwin, Michael Dixon, Michael Lambourne, Marc Pickering Título en VO: Cashback País: Gran Bretaña Año: 2006. Duración: 102 min. Género: Comedia. Fecha de estreno: 11 de abril de 2008

 

Ben Willis, estudiante de Bellas Artes, sufre de insomnio como consecuencia del abandono de su novia. Para hacer más llevadera la vigilia, empieza a trabajar en el turno de noche del supermercado del barrio donde conoce a gente de lo más variopinta y donde desarrolla una habilidad que le hará disfrutar de momentos jugosos.

El fotógrafo Sean Ellis debuta en la dirección adaptando un corto propio que juega con la imaginada (o no) capacidad de parar el tiempo de un joven insomne. He querido hacer un retrato divertido de la sociedad inglesa, afirma el realizador, que no se priva de incluir escenas oníricas, y es que parar el tiempo y poder ver desnudas a las mujeres más hermosas del entorno (como hace el protagonista) es un deseo hecho realidad. Elegí a Sean Biggerstaff porque no lo ves como un pervertido, explica Ellis con sentido del humor.

 

 

Días 9 y 10 de diciembre. 20:30H. Teatro Moderno.

 

“ORO NEGRO”  (BLACK GOLD)

Director: Nick Francis, Marc Francis País: Gran Bretaña Año: 2006. Duración: 82 min. Género: Documental Fecha de estreno: 24-03-2008

“Oro negro” es un documental sobre el comercio del café. Trata sobre los esfuerzos de varias cooperativas en Etiopía por conseguir un precio justo para su café, reconocido como uno de los mejores del mundo. La industria del café es sumamente lucrativa, las compañías multinacionales se embolsan más de 80.000 millones de dólares anuales, lo cual convierte al café en un producto rentable a nivel mundial, como el petróleo.

En 67 por ciento de los ingresos de Etiopía vienen de la exportación del café. Pero los campesinos abandonan sus cosechas por culpa de reglas comerciales que arruinan el desarrollo de África. Tadesse Mesuela (líder de la Unión Cooperativa Oromia) viajará a los Estados Unidos y el Reino Unido para promocionar el café etíope, en busca de la eliminación de los numerosos intermediarios que existen entre la fuente de origen y el punto de venta, dificultando la comercialización y marginando las ganancias de los granjeros del café.

Los occidentales debemos preguntarnos por nuestro estilo de vida consumista y por la interacción con el mundo, y recordar que con solo una taza de café contactamos con el sustento de millones de personas que luchan por sobrevivir.

Las compañías vendedoras de café más importantes del mundo, Starbucks, Sara Lee, Procter & Gamble, Kraft y Nestlé son mencionadas en el documental, pero rechazaron invitaciones para conceder entrevistas.

 

 

Días 16 y 17 de diciembre. 20:30H. Teatro Moderno.

 

“VICKY CRISTINA BARCELONA”

 

Director: Woody Allen Intérpretes: Javier Bardem, Scarlett Johansson, Penélope Cruz, Rebecca Hall, Kevin Dunn, Patricia Clarkson, Lluís Homar, Abel Folk, Mireia Ros, Julio Perillán País: España, USA Año: 2008. Género: Comedia. Fecha de estreno: 19-09-2008

Dos jóvenes norteamericanas, Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson) van a Barcelona a pasar unas vacaciones de verano. Vicky es sensible y tiene intención de casarse; Cristina es emocional y busca aventuras sexuales. In Barcelona, ambas se ven envueltas en una relación poco convencional con Juan Antonio (Javier Bardem), un carismático pintor que todavía tiene algo con su tempestuosa ex-mujer, María Elena (Penélope Cruz).

Woody Allen llegó, mostró y convenció en un Festival de Cannes rendido, como suele ser costumbre en la gran cita francesa, al genio del director neoyorquino. Un Allen divertido, neurótico, romántico y más subido de tono que nunca.

ENERO 2009

 

Días 13 y 14 de enero. 20:30H. Teatro Moderno.

 

“EL ASESINATO DE JESSE JAMES POR EL COBARDE ROBERT FORD” (The assassination of Jesse james by the coward Robert Ford)

 

Director: Andrew Dominik Intérpretes: Brad Pitt, Casey Affleck, Sam Shepard, Mary-Louise Parker, Paul Schneider País: USA Año: 2007. Duración: 160 min. Género: Western Fecha de estreno: 29-10-2007

 

 

Narra la historia del más famoso forajido del oeste americano, el carismático e impredecible pistolero Jesse James (Brad Pitt), un bandolero sudista hijo de un predicador. Mientras Jesse planea su próximo gran robo, declara la guerra a sus enemigos, quienes intentan hacerse con la recompensa -y la gloria- que implicaría su captura. Entre sus hombres, Robert Ford (Casey Affleck) siente auténtica veneración por él, aunque el carácter de su jefe y cierta ambición le llevarán a traicionarle y matarlo.

La película consigue el espacio y libertad de los épicos westerns clásicos, y tiene, según su protagonista, un substrato jugoso: Habla de la mitología de la fama y la búsqueda de esa notoriedad, de lo que se ocupa tras ese tipo de vida, explica Pitt, que aporta una lectura muy actual. A la vista de mi presencia en la prensa rosa, no me cuesta nada identificarme con esos temas.

Como curiosidad, figura Nick Cave como compositor de la banda sonora.

 

2007: Venecia: Mejor actor (Brad Pitt)

Días 20 y 21 de enero.20:30H. T. Moderno

 

“LA TORRE DE SUSO”

 

Director: Tom Fernández Intérpretes: Javier Cámara, Gonzalo de Castro, Malena Alterio, Mariana Cordero, Fanny Gautier, Emilio Gutiérrez Caba País: España Año: 2007. Duración: 100 min. Género: Comedia Fecha de estreno: 05-11-2007

 

 

Cundo (Javier Cámara) regresa a su tierra después de diez años de ausencia. El motivo es la muerte de su mejor amigo, Suso. Los planes de Cundo son emborracharse con el resto de sus viejos amigos a la salud de Suso, aparentar que todo le va de maravilla y salir corriendo de allí otra vez. Pero ni las cosas le van tan bien, ni Suso se va a conformar con una borrachera…

Un currículum como guionista de televisión especializado en sitcoms no es muy beneficioso para el cine, pero Tom Fernández ha sabido marcar claramente las diferencias entre los chistes acumulados y las réplicas ingeniosas, por buenas que sean, de la serie 7 vidas, y la creación de personajes y situaciones que dibujen un mundo algo más complejo e interesante. La brillantez en la escritura de diálogos demostrada en la tele permanece en La Torre de Suso.

Ni un diálogo acartonado, irresistiblemente divertida, hay facilidad y atrevimiento para saltar de la comedia al drama sin paños calientes.

 

 

Días 27 y 28 de enero. 20:30H. Teatro Moderno.

 

“LOS LIMONEROS” (Etz Limon)

Director: Eran Riklis Intérpretes: Hili Yalon, Danny Leshman, Smadar Jaaron, Amnon Wolf, Amos Lavi, Tarik Kopty, Rona Lipaz-Michael, Doron Tavory, Hiam Abbass, Ali Suliman País: Alemania, Francia, Israel Año: 2007. Duración: 106 min. Género: Drama Fecha de estreno: 03-10-2008

 

Salma, una viuda palestina, decide librar una batalla contra el ministro de Defensa de Israel, cuya casa linda con su campo de limoneros, en la frontera entre Israel y los Territorios Ocupados. La policía no tarda en decretar que los árboles de Salma representan una auténtica amenaza para el ministro de Defensa y su familia, y ordena que se talen. Pero Salma decide luchar para salvar sus árboles y su vida.

Drama basado en hechos reales con el cisma palestino-israelí como telón de fondo, que propone con delicadeza, pero también con un punto de vista crítico que no ahorra sus dardos sobre propios y ajenos, una indisimulada reflexión sobre la ocupación israelí de los territorios palestinos, esta es una de esas películas que resulta punto menos que imprescindible para entender la magnitud de lo que por esas tierras se está viviendo. Cine inteligente y entretenido, la historia funciona muy bien gracias a un tono cercano a la fábula.

 

2008: Festival de Berlín: Premio del Público

Programación Octubre y Noviembre 2008

OCTUBRE 08

Días 7 y 8 de octubre. 20:30H. Teatro Moderno. (Homenaje a Vicente Aranda – FESCIGU)

“FANNY PELOPAJA”
DIR: VICENTE ARANDA.
INT:  Fanny Cottençon, Francisco Algora, Bruno Cremer, Mary Francis, Marta Padován, Eulalia Ramón. NAC: 1984 España. GEN: Intriga. DUR: 100 minutos.
SINOPSIS: En los barrios bajos de Barcelona, Fanny, una mujer que acaba de salir de la cárcel, intenta llevar a cabo una venganza que ha alimentado durante años: asesinar a “El Gallego”, el policía corrupto y brutal que mató a su novio. La violencia y la delincuencia suponen la única forma de vida de Fanny, ella y “El Gallego” se buscan para matarse pero, en realidad, un sentimiento muy distinto del odio les acompaña.
Una de las mejores películas de Vicente Aranda.

Días 14 y 15 de octubre. 20:30H. Teatro Moderno.

“ANTES QUE EL DIABLO SEPA QUE HAS MUERTO” – (Before the Devil Knows You’re Dead)
DIR: Sidney Lumet.
INT: Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Marisa Tomei, Albert Finney, Rosemary Harris, Michael Shannon, Brian F. O’Byrne, Amy Ryan. NAC: 2007 USA. GEN: Thriller. DUR: 117 min.
SINOPSIS: Desesperados por conseguir dinero fácil, dos hermanos de clase burguesa, Andy, (Philip Seymour Hoffman), un ambicioso hombre de negocios casado con una mujer florero y adicto a la heroína, y Hank (Ethan Hawke), cuyo sueldo se va casi íntegramente en pagar la pensión de su ex mujer y su hijo, conspiran para llevar a cabo el atraco perfecto: atracar la joyería de sus padres en Wetchester, Nueva York.
Esta película es veloz y feroz, la más afilada y la mejor de Lumet desde ‘El principe de la ciudad’ (Prince of the City, 1981), y seguramente una de las mejores del año, quien quiera experimentar de primera mano lo que es la intensidad del thriller, la complejidad humana en sus aspectos más cotidianamente sórdidos o el virtuosismo narrativo sin estridencias, que corra a ver este nuevo trabajo de Lumet.

Días 21 y 22 de octubre. 20:30H. Teatro Moderno.

“REBOBINE, POR FAVOR” – (Be Kind Rewind)
DIR: Michel Gondry.
INT:  Jack Black, Mos Def, Danny Glover, Mia Farrow, Melonie Diaz, Sigourney Weaver. NAC: 2008 USA. GEN: Comedia. DUR: 101 minutos.
SINOPSIS:

Jerry (Jack Black) es un joven que intenta sabotear un planta de electricidad que, según él, le está causando sus dolores de cabeza. El problema es que, sin darse cuenta, el acto le causa daños en su cerebro, que queda magnetizado, causando la destrucción involuntaria de todas las cintas del videoclub donde trabaja su amigo Mike (Mos Def). Para mantener a la escasa clientela, vuelven a rodar los films en formato casero. Contra pronóstico, serán un éxito. Gondry entiende la cinefilia como la recreación de mundos ajenos que se cruzan con una visión y una mitología personales. Proclama, pues, el ejercicio de una suerte de democracia romántica: todos y cada uno de nosotros podemos ser cineastas y exhibidores de nuestra propia obra.
Una de las películas más libres, divertidas y, a la vez, conmovedoras de esta temporada, no hay nada que no resulte insólito o hilarante.

Días 28 y 29 de octubre. 20:30H. Teatro Moderno.

“ALIENTO (Breath)” – (Soom)
DIR: Kim Ki-Duk.
INT:  Chang Chen, Kim Ki-Duk, Ha Jung-woo,  Zia, Kang In-hyung. NAC: 2007 Corea del Sur. GEN: Drama.  DUR: 84 minutos.
SINOPSIS: Al descubrir que su marido tiene una amante, Yeon decide visitar a un preso desconocido cuyos continuos intentos de suicidio han sido noticia en la televisión. Chen se queda sorprendido cuando Yeon vuelve a visitarle pero, poco a poco, el preso se abre a la mujer. Yeon le dice a su marido que tiene a otro y éste, celoso, le sigue a la cárcel prohibiéndole que vuelva a ver a Chen. Pero Yeon y Chen están mucho más unidos de lo que cree su marido…. La película se títula así, Aire, Aliento, Soplo de vida. Aliento que comparten una mujer que ha muerto una vez y un hombre que quiere morir varias veces, encerrados en un pequeño espacio claustrofóbico transformado por arte del deseo en paraíso infinito donde ambos pueden, por fin, respirar. Delicada y arriesgadísima, una película tan especial que generará tantos odios como pasiones, una de las obras mayores de uno de los más estimulantes cineastas en activo. Un punto y aparte en la filmografía del prolífico director al que le hacía falta precisamente eso: aire para dar un salto adelante.

NOVIEMBRE 08

Días 4 y 5 de noviembre. 20:30H. T. Moderno

“AL OTRO LADO” – (Auf der anderen Seite (The Edge of Heaven)
DIR: Fatih Akin.
INT:   Hanna Schygulla, Nurgul Yesilcay, Baki Davrak, Tuncel Kurtiz, Nick Bacon, Nursel Koese. NAC: 2007 Alemania, Turquía. GEN: Drama. DUR: 122 minutos.
SINOPSIS: Nejat no mira con buenos ojos la relación que su padre Ali, un pensionista, mantiene con la prostituta Yeter. Pero todo cambia cuando descubre que ella manda dinero a Turquía para pagar los estudios universitarios de su hija. La inesperada muerte de Yeter distancia al hijo y al padre. Nejat decide irse a Estambul a buscar a Ayten, la hija de Yeter. Pero Ayten, una activista política que huye de la policía turca, se ha ido a Alemania…A través de una serie de encuentros, relaciones e incluso muertes, las frágiles vidas de seis personas se cruzan durante sus viajes emocionales hacia el perdón y la reconciliación en Alemania y Turquía. Los fanatismos de distinto signo, la indefensión del individuo frente al Estado o la reconciliación son los grandes temas que se cruzan a lo largo del diálogo que este realizador alemán de origen turco establece entre sus dos países: el de nacimiento y el de sus raíces.
El guión de esta incómoda película es tan complejo como atractivo. Todo alcanza sentido final en manos de un director que tiene muy claro lo que quiere contar y el lenguaje para hacerlo
Cannes: Mejor guión

Días 11 y 12 de noviembre. 20:30H. Teatro Moderno.

“EL ÚLTIMO VIAJE DEL JUEZ FENG” – Mabei shang de fating (Courthouse on the Horseback)
DIR: Jie Liu.
INT:  Li Baotian, Yang Yaning, Lu Yulai. NAC: 2006 China. GEN: Drama. DUR: 101 minutos.
SINOPSIS: Provincia de Yunnan, al sudoeste de China. Un tribunal ambulante recorre los sinuosos caminos en su gira anual. El veterano juez Feng en su tarea de mediar entre los pequeños conflictos de los campesinos, le acompaña su secretaria y un joven magistrado que está preparándose para sustituirle, un caballo viejo transporta la insignia nacional, los expedientes y todas sus pertenencias. Un viaje fuera de lo común por la China rural y sus minorías étnicas, en donde, a través de los conflictos, se nos muestran tradiciones y leyes ancestrales y cómo la justicia del Estado choca con la sabiduría campesina.
La China que ocupa las primeras páginas de los diarios, con su contaminación imparable y las grandes ciudades que parecen versiones perversas de Metrópolis, no es en realidad mas que un inmenso decorado tras el cual se esconde otra China. La China que sigue anclada en un pasado no ya del siglo XIX, sino mucho más antiguo. Esa China rural que no tiene carreteras, ni agua corriente, donde viven pueblos de distintas religiones y costumbres, es el escenario que ha escogido Jie Liu para rodar su primera película, El último viaje del juez Feng.

Días 18 y 19 de noviembre. 20:30H. Teatro Moderno. FESTIVAL PANORÁMICO MUSICAL

“JOE STRUMMER: Vida y muerte de un cantante” – (The Future is Unwritten: Joe Strummer)
DIR: Julian Temple.
NAC: 2007 Irlanda, Gran Bretaña. GEN: Documental Musical. DUR: 123 minutos.
SINOPSIS: Una mirada a la vida e influencia musical de Joe Strummer, antes, durante y después de su tiempo al frente de la mítica banda The Clash. Un retrato a la vida y obra de Strummer a partir de una amplia recopilación de material que abarca desde conversaciones y entrevistas inéditas, pasando por actuaciones en directo, algunas nunca vistas hasta ahora, o la recuperación de las grabaciones originales de su programa de radio para la BBC. De todo este metraje surge un músico nato, un genio seminal que creó The Class, se adelanto a su tiempo con The Mescaleros y aún después de su muerte sigue siendo la gran influencia del punk-rock . Y tras el mito, el hombre. El niño que nació en Turquía bajo el nombre de John Mellor y que era tan vitalista como autodestructivo, tan rebelde como contradictorio, apasionado, mesiánico…
Especialista en el documental musical (La Mugre y la Furia, Glastonbury…) y reputado director de videoclips, Julian Temple se enfrenta a un reto mayor: poner en imágenes la vida de su amigo Joe Strummer. El material de archivo es asombroso, desde los momentos clave de la banda, a imágenes más domésticas o inéditas, salpicadas con entrevistas a gentes del rock y del cine que, por encima de glorificar al héroe, dicen cosas valiosas o conmovedoras. Y Temple supera lo más difícil: hacer crecer el interés de la película en la segunda parte, cuando el jovenzuelo rebelde ya era un cincuentón, aunque igualmente imbatible.. Aportan su testimonio sobre el músico y su influencia gente como Bono, Martin Scorsese o Jim Jarmusch.

Días 25 y 26 de noviembre. 20:30H. Teatro Moderno.

“LA ANTENA”
DIR: Esteban Sapir.
INT: Valeria Bertuccelli, Alejandro Urdapilleta, Julieta Cardinali, Rafael Ferro, Sol Moreno, Florencia Raggi, Ricardo Merkin, Raúl Hochman. NAC: 2007 Argentina. GEN: Drama. DUR: 87 minutos.
SINOPSIS: Una ciudad entera se ha quedado sin voz y vive bajo un largo y crudo invierno. Un hombre malvado y sin escrúpulos, el Sr. T.V., dueño absoluto de las imágenes que animan esta ciudad y de una extensa cadena de productos bajo su sello personal, lleva adelante un siniestro plan secreto para someter eternamente a cada una de las almas que habitan este lugar. Para construir este monopolio ha financiado la creación de una peligrosa máquina que transmite hipnóticas imágenes por la pantalla del televisor para inducir al consumo compulsivo de los productos con su sello.
Con un tono casi experimental, nace un film argentino, casi mudo, pero que habla sobre la comunicación humana. El segundo film del publicista Esteban Sapir se remonta al Expresionismo para proyectar una denuncia de los totalitarismos tan esquemática como absolutamente vigente, apuesta por una deslumbrante puesta en escena en blanco y negro que conjuga influencias del cine mudo alemán y del film noir USA con sofisticados efectos especiales.
Película anómala, deslumbrante, osada e inclasificable que invita al espectador a preguntarse por su origen y naturaleza.